LLUEVE SOBRE BABEL: CUMBIA- PUNK

 

EL PURGATORIO

 La sala, casi full en Chipichape. Un antecedente me tenía timbrado: mi veterana vecina, quien conoce a la directora desde que gateaba, me llamó el jueves alarmada:

- Necesito que me la explique.

Yo aún no la había visto, de manera que pensé que la estampida del público iba a ser a la lata. Me ubiqué diagonal a la pantalla para tener el panorama completo de los que huyen.

Falsa alarma. Solo abandonaron dos señoras. De resto, quedamos agarrados hasta el final.

La cinefilia tiene la manía de poner etiquetas: “Psicodelia”, “Gótico tropical”, “Retrofuturista”, “NeoPunk” …

Con “Llueve sobre Babel” el cinéfilo se ve a gatas para etiquetarla porque es todo y ninguna a la vez. Lo que mi profesor de filosofía llamaría Post-Moderno. Gabo decía que nombramos “surrealismo” a todo aquello que no entendemos.

Pero esa chapa también se queda corta, profe.

El INFIERNO

Empecemos por Dante Alighieri. Dante escribió su “Comedia” (aún no la llamaba “divina”) en homenaje al amor que sentía por Beatriz. El autor viaja al Purgatorio, al infierno y termina en el paraíso. Es la triada de la fe ( Beatriz), la razón ( Virgilio) y el pobre mortal ( Dante)

En esta adaptación libre, el punto de partida es el amor de dos hombres. Y uno de ellos, se llama “Dante”. Se encuentran en la bíblica “Babel”.

El Dante caleño intenta retornar al amor ideal, así como el dante italiano intenta encontrar a su Beatriz muerta. El amor como necrofilia.

EL PARAISO

Paremos los spoiler. Quedemos en su estética caleña. “Una ciudad que espera pero que no le abre las puertas a los desesperados”.

“Llueve sobre Babel” va más allá del gótico tropical tal como lo conocimos en la obra de Mutis y Mayolo. Por eso, es tan difícil de clasificar.

Es como si agarráramos a Wes Anderson junto al Almodóvar de la primera época. Una rebanada del Bergman místico, una pizca del Woody Allen existencial. Todo ello, licuado en rebanadas de Kusturica.

Lo adobamos con salsa bien brava, con cumbia cienaguera, rock latino tipo Ferdy y con Mambanegra.

THE END

Me dice la vecina, que la directora estuvo a punto de ingresar al claustro de las monjas. Justo ayer, antes de ver “Llueve sobre Babel” me vi, en doblete, “Los Domingos” flamante ganadora de los premios Goya. Donde una niña de 17 toma la decisión de casarse con Dios.

Pienso en Scorsese , otro que cambió los hábitos del seminario por los hábitos del cine y pienso en estos personajes redimidos, que buscan una segunda oportunidad sobre la tierra.

Huye que te coge la muerte

PELÍCULA “NOVIEMBRE”: Todos somos rehenes

 

Por: José Urbano

Ver la película “Noviembre”, fue visitar el infierno. Ansiedad, tos, respiración entrecortada; como si estuviéramos en ese baño, acurrucados y con las balas silbando.

Durante la proyección recordaba “El hijo de Saúl” ( la oscarizada película de László Nemes ) porque los personajes están en el ultimo circulo de Dante, luchan por sobrevivir o por tener una muerte digna: una última comunicación con su Dios.

Clara Enciso, la única sobreviviente del bando guerrillero, dice que se apiñaron entre 60 y 70 personas, en un espacio de 20 metros cuadrados.

Tomás Corredor, no apela al largo plano secuencia, tan tentador en estos casos. Tampoco al exquisito blanco y negro. De paso digo, que me imaginé una película con un blanco y negro contrastado, recordando a Hitchcock cuando hizo “Psicosis”: la idea era no impactar al espectador con la sangre roja y así concentrarse en el personaje retorcido.  

El director aclara: “Tenía una consigna y era no generar ningún distanciamiento desde la técnica que pudiera alejar al espectador del compromiso real que estaba viendo (…) en esta película tenia la necesidad de buscar el color porque la época también la quería construir, temperaturas de luz, texturas de vestuario…”

El diseño sonoro es aterrador, igual que en “El hijo de Saúl”. Incluso, puede llegar a ser más angustiante que la misma imagen. Se me hizo que cada cañonazo era un punto aparte de la narración. Entre cañón y cañón había tableteo, humo, miradas de desconsuelo y…otra vez el cañón. Y luego el silencio.

El contraste sonoro entre las bombas, el llanto, los rezos y el silencio crean en “Noviembre” la narración perfecta de lo que imaginamos afuera. Porque el despliegue militar lo conocemos de memoria. En cambio, el encierro lo desconocemos totalmente.

“Noviembre”, recrea la claustrofobia de  los que imparten justicia y todos nosotros atrapados ahí. Una Colombia chiquita que aún no ha superado ese Palacio. Porque aún nos falta mucha verdad. Y la película nos recuerda que la lucha no es de buenos y malos. El asunto es de dignidad humana.

Y, queda el sabor amargo, de que aquí todos somos rehenes. Hasta los victimarios.

Al final un plano documental que deja en evidencia al poder: un camarógrafo real, intenta ingresar al Palacio en cenizas. El soldado lo frena en seco. Nunca nos dejaron entrar, pero Tomás Corredor nos acaba de presentar el horrible interior.

…………………

Para degustar el diálogo con el director y con Helena Urán, vaya a: https://www.youtube.com/watch?v=P15GX4l8SWw&t=34s

Para leer el testimonio de la única guerrillera sobreviviente del Palacio , descargue en : https://www.mediafire.com/file/xa58ujdxgvw48w3/la+unica+guerrillera+sobreviviente.pdf/file

PELICULA “UN POETA”: QUE LINDA QUE ESTÁ LA LUNA…

 

Por: José Urbano

I.

Llena la sala de Chipichape en Cali. Mucho asistente jovencito. La película conecta con la gente desde las primeras de cambio. Muchos de los que nos reímos, lo hacemos con risita nerviosa, porque recordamos aquella vez en que cometimos poesía, cuando soñábamos con la luna y nos fajábamos unas líneas para la vecinita linda.

En Colombia todos somos poetas hasta que se demuestre lo contrario. Nos gusta el verso, el que rima. Que linda que está la luna, redonda como una fruta…

II

Le preguntaban a Borges:

- ¿Maestro, como distingue usted un poema bueno de un poema malo?

- Tomo la barbera y le pido a María que lo lea en voz alta. Empiezo a afeitarme al ritmo de las palabras. Si me corto, es malo.

En cambio, Alejandra Pizarnik anunciaba: “Escribir un poema es reparar la herida fundamental, la desgarradura. Porque todos estamos heridos”.

Y, Octavio Paz: “la poesía es la memoria de los pueblos, pero también es aquella parte secreta del alma de cada uno”

III

Cuando se estrenó “El lado Oscuro del corazón” ( Eliseo Subiela, 1.992), surgió la pregunta “Qué es poesía en el cine?”. Algunos pensaron que poesía en el cine consistía en que el actor recitara poemas. Otros, pensando en Tarkovski, decían que poesía es esculpir en el tiempo.  Otros, que poesía en el cine es contemplación.

“Un poeta”, película dirigida por Simón Mesa, se ha convertido en el fenómeno cinematográfico del año. Que la película haya superado los cien mil espectadores, es la hazaña soñada. Es decir, ha superado a muchas películas de acción, gringas que cuentan con actores de renombre.

Cuando se estrenó “La Estrategia del Caracol” ( otra película que conectó al público) , Sergio Cabrera dijo: “Somos un país de perdedores”.

Mientras el cine comercial promueve el éxito, “Un poeta” nos habla del fracaso. Un gringo promedio repudiaría al personaje de Óscar Restrepo porque sencillamente es un perdedor. Un tipo que persiguió los sueños, pero no alcanzó ni a arañarlos.

¿Y por qué “Un poeta” ha conectado con la gente? Porque nos habla del poeta de la calle, del bohemio cuya vida personal es un desastre, pero que, ante el apocalipsis, se aferra a la fe de las palabras.

Y, evocando a Cortázar: “la poesía es eso que se queda afuera cuando hemos terminado de definir la poesía”.

Allí, cuando terminamos de definir “qué es poesía en el cine”, entonces es cuando  inicia la película de Simón Mesa. Mientras transcurría la película y los asistentes reían, pensaba en mi adolescencia tratando de impresionar a la compañera de pupitre, con algún versito sacado de la manga.

Pensaba también en el poeta loco, Raúl Gómez Jattin:

“Descifro mi dolor con la poesía

Y el resultado es especialmente doloroso

Voces que anuncian: ahí vienen tus angustias

Voces quebradas: pasaron ya tus días.

 La poesía es la única compañera

Acostúmbrate a tus cuchillos,

Que es la única.”

Ventana indiscreta, museo de filmes

 

El diario OCCIDENTE, nos regala un perfil de Ventana Indiscreta. Gracias al periodista y docente Luis Ángel Muñoz por esta nota cinéfila que nos llena de orgullo.

Aqui, la transcripciòn:

 

Lunes 12 de Febrero, 2024

Luis Ángel Muñoz Zúñiga

Especial Diario Occidente

 José Urbano nació, creció y vive del cine. Su madre iba a cine cuando su bebé estaba en gestación. Desde que era muy niño sus padres siempre lo llevaban los domingos a los matinales infantiles del Teatro Aristi. Carlos Mayolo y Luis Ospina lo bautizaron enfocándolo con sus cámaras cuando el muchachito miraba las escenas de “Agarrando Pueblo” y lo registraron entre los actores naturales cuando filmaban en una locación en el barrio Guabal. Después, cuando era adolescente, se escapaba del Colegio de Santa Librada con algunos compañeritos, pero al escalar la tapia no gritaba “sálvese quien pueda”, sino “cínese quien pueda” pues la meta era internarse toda la tarde en el cine continuo del teatro Alameda. Cuando ingresó a la Universidad del Valle pudo desarrollar plenamente sus pasiones cinéfilas y cineastas: codirigió el cine club universitario y por iniciativa propia filmó sus primeros documentales, entre ellos, el que denuncia el caso de la muerte de Jhony Silva. También ha hecho documentales sobre “Estocolmo 1982” y el poeta “Aurelio Arturo”. Desde hace dos décadas dirige “Ventana Indiscreta”, el centro cultural donde guarda copias de unas veinte mil películas, desde las filmadas por los hermanos Lumiere. Urbano, invitado, escribe crítica en “Kinestocopio”, igual que en programas en canales de televisión. Cuando todavía en las plataformas no archivaban cine clásico, “Ventana Indiscreta” les mitigó sus afugias a los estudiantes de comunicación. Acuden, también, a “Ventana Indiscreta”, aquellos guionistas y directores que buscan alguna referencia cinematográfica. En las tardes, los cinéfilos tertulian amenamente con José Urbano.

 ¿Cómo inició la multiplicación de la cinefilia?

En el Colegio de Santa Librada proyectando películas de 16 milímetros que nos alquilaban las hermanitas Paulinas. Después en la Universidad del Valle, cuando ya aparece el formato betamax, proyectaba cine político usando un video beam. “La noche de los lápices”, que alguien nos envió de Argentina y proyectamos antes de estrenarse en las salas de Cine Colombia, fue primera película con que inauguramos el cine club universitario. En 1989, Juan Carlos Velásquez, quien era director de Cine Ojo en el Teatro Calima, antes de emigrar a Estados Unidos, por recomendación de algún amigo suyo, me nombró heredero de su cine club; lo dirigí hasta 1995.Clausurado Cine Ojo, fundé “Ventana Indiscreta”. Entre los cinéfilos y cineastas distinguidos, he contado con la asistencia de Juan Martín Barbero, Luis Ospina, Medardo Arias, Fernell Franco, Oscar Campo y otros. Los estudiantes de Univalle que necesitan investigar sobre cine. Cuando renové “Ventana indiscreta” con DVD, le obsequié a los colegios y las bibliotecas unas veinte mil películas en betamax.

 ¿Cuál es su propuesta curricular a la educación?

El cine como recurso del aula está subutilizado. No hay ningún tema que el cine no haya tratado en sus 128 años de existencia. Puede explicarse la revolución francesa proyectando una buena película. Por lo tanto es un gran vehículo pedagógico. Pero, también, debe impulsarse el filminuto con los celulares para que los estudiantes hagan noticieros o cuenten sus historias, haciendo cortos entre 1 y 5 minutos. Esto es muy diferente a Tik-tok, es algo más serio. No es sólo difundir el cine, sino también enseñar a hacerlo.

 ¿Qué relación encuentra entre cine y literatura?

García Márquez dice que es un matrimonio que no puede vivir junto, pero tampoco separado. Desde que nació, el cine y la literatura se aman, se odian, habla mal el uno del otro y se reconcilian. El cine saqueó todas las artes, la literatura no fue la excepción. Haciendo una analogía, el cine es como aquel bebé que saca rasgos y cosas desde los abuelos. Nada es original en el cine, pero este tiene su propia voz. Hoy en día todos los escritores deambulan en el cine. Los últimos veinte premios nobeles de literatura han participado en el cine: guionistas, escriben series.

 ¿Cuál fue la relación entre Gabo y el cine?

Gabo fue a México con el ánimo de hacer cine, pero descubrió que mientras se necesitaban más de cincuenta personas y efectos especiales para hacer la lluvia, él se sentaba a la máquina de escribir y hacía lluvias y terremotos. Que una lluvia en el cine valía lo de comprar veinte casas. A Gabo no le gustó trabajar con tantos egos: el guionista, el director, los actores… Sin embargo, él viajó a Roma y tomó cine con Fellini, pero creo que más bien lo hizo por una tentación. Lisandro Duque, afirma que las mejores películas que han hecho los directores, son las que tomaron de los libros chiquitos de Gabo, por ejemplo, El coronel no tiene quien le escriba. No les ha ido muy bien a las tomadas de sus libros grandotes, por ejemplo, El amor en los tiempos del cólera. García Márquez prolongó su amor por el cine en su hijo Rodrigo García Barcha, quien actualmente es uno de los mejores directores de cine. “Familia”, es una de sus mejores películas.

 ¿Cómo ves la producción de cine colombiano?

En Colombia se hace muy buen cine, hay bastantes nuevos directores, pero no tenemos una buena distribución. Es una lástima que nadie las vea. Las dejan uno o dos días. Esa es la gran tragedia del cine colombiano. No ha podido conquistar a su público.

 ¿Cómo es tu experiencia como documentalista?

Luis Ospina decía que el documental es el cine sin dolor. Los temas de los documentales son infinitos, hasta la vida misma de uno, de los hijos, de un amor frustrado. Hacer documental es más fácil, uno entrevista a la gente. Hacer ficción sí es caro. El guionista es Dios, porque nos da los personajes y los temas. En mi caso he coqueteado con el documental: “La pantera y la espada” sobre la vida y muerte de Jhonny Silva, estudiante de la Universidad del Valle. Como gabologo hice uno cuando el Nobel cumplió treinta años, titulado “De Aracata a Estocolmo, treinta años después”. Aproveché una cinta que en La Habana me dio Rodrigo García Bercha. Ese cassette contenía lo que Rodrigo filmó en Estocolmo cuando él tenía quince años y acompañó a su padre. Lo aproveché, pero entrevisté también a unos diez caleños que acompañaron a Gabo a recibir el premio Nobel. Continúo. Acabo de hacer un documental sobre uno de mis poetas favoritos, le titulo “Buscando a Aurelio Arturo”. En la Unión Nariño, busqué su tumba y su rastro, él era el poeta orgullo de mi padre, eran paisanos. También me apasiona hacer documentales sobre las marchas populares.

Aqui, puede descargar mis mejores  peliculas de todos los tiempos:

https://www.mediafire.com/file/c7xoymn8oorem17/101_peliculas_jose.xls/file

LA VENDEDORA DE ROSAS , 25 AÑOS DESPUÈS

 

Victor Gaviria en el 20 Festival de cine de La Habana
Foto: José Urbano

La película había clasificado a la selección oficial en Cannes. Compitió codo a codo con producciones de prestigio como “La eternidad y un día” (a la postre, Palma de oro) , “La vida es bella” (Premio especial del jurado) “Mi nombre es Joe” ( Premio a mejor actor)   y “La vida soñada de los ángeles”( Premio a mejor actriz).

El mundo celebraba que una película con actores naturales filmada en Medellín-Colombia, hubiese alcanzado la cima de los festivales europeos.

En diciembre de 1998, en el Festival de La Habana # 20, la esperaban con ansias. Reunidos en la oficina de prensa, los críticos y curadores hicieron una rápida encuesta y resultó que yo era la única persona que la había visto. Víctor Gaviria había realizado un pase privado en Cali.

Foto: José Urbano

Como el staff paisa no llegaba, me tocó a mí. Escribí una reseña en el diario del festival y me montaron en la vaca loca de presentarla.

Iba a hablar de la metodología pues Víctor había adelantado en Cali, rushes del documental “Poner a actuar a los pájaros” , testimonio obligado para cualquier aspirante a realizador que quiera aprender a dirigir actores. No era un detrás de cámara al uso, era la prueba palpable del proceso pedagógico.

Cuando me preparaba para la presentación, apareció de la nada el mostacho frondoso de su director. Me quité un peso de encima y bajé a primera fila a repetirla. Nunca olvido la presencia, en el teatro Yara ,de la plana mayor del nuevo cine latinoamericano: Fernando Birri, Julio García-Espinosa, Alfredo Guevara, Pastor Vega. Y presencia impactante de Julio Medem, que aplaudió de pie al finalizar la proyección.

 “La vendedora de rosas” finalmente se alzó con Tercer Premio Coral en la categoría de Mejor Película¸ Premio a la Mejor Edición¸ Mención Especial para los niños actores¸ Premio Glauber Rocha de la Prensa Extranjera, Premio de la Organización Católica Internacional del Cine y del Audiovisual (OCIC) y Premio de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC).

LA PARODIA CALIENTE

Lorena Sofía , en el papel estelar de la parodia porno

En la industria de Hollywood, es un honor que a una película de éxito la parodien en versión porno. Así, hemos ido coleccionado poco a poco:  " Porn wars” ( la guerra de las galaxias) "Avatar XXX" "Súper agente 86", "Amas de casa desesperadas", "Gladiador".

 "La vendedora de Rosas “ es la única película, que ha gozado de ese honor en el cine colombiano. Fue grabada en Cali en el barrio El Limonar.  Una chica vende flores y geranios en la avenida Pasoancho al sur de la ciudad. Su director, Gustavo Castaño, alcanzó a filmar 9 películas, pero "La vendedora de rosas" es su canto del cisne.

LO QUE DIJO LA CRITICA HACE 25 AÑOS

Los hermanos Coen y Frances McDorman, encantados con "La vendedora de rosas" en el festival Habanero. Foto: José Urbano

Orlando Mora:  “Con La vendedora... el país recupera una presencia internacional cinematográfica que no tenía desde “La estrategia del caracol”. En lo personal, me parece que es la continuación de un director que ha explorado el mundo de los barrios populares y de los seres marginales de una terriblemente explosiva y trágica ciudad como es Medellín, pero con una característica que no establece una mirada moral ni de denuncia social. Gaviria descubre la dureza, pero al mismo tiempo los restos de ternura, de solidaridad y de amor de quienes, al fin y al cabo, son apenas seres humanos.”

Umberto Valverde : “Más que una película, Víctor Gaviria ha hecho una propuesta cinematográfica en donde, la investigación de la historia y el manejo de los parámetros del documental, convierten a esta cinta en un obra singular en la que, además, la historia de los niños de Medellín se convierte en un pretexto -y hasta en una metáfora- para contar la historia de la violencia colombiana” .

Mauricio Silva Guzmán ; Una cinta de inmenso valor histórico, tanto como para recordarnos que este país, ahí muy cerquita, a tan sólo media cuadra de nuestras casas, está vuelto chicuca . Cinematográficamente, el horror poetizado.

Lina Aguirre : Me causó una impresión muy profunda, no porque muestre algo que se desconozca totalmente, sino porque lo pone de frente con un tamiz que es a la vez muy sutil y elaborado. Gaviria hace un voto por los niños de la calle, no dramatiza al estilo cursi, pero encuentra en esa vida sórdida una manera poética de llevar al cine los amores, las fantasías y lo que a estos niños les queda de inocentes.

Héctor Rincón : Me causó tanto impacto que, a la salida de la premier, no tenía qué decir. Me parece que es un mérito inmenso de alguien que tiene la poesía y la sutileza de acercarse a un mundo arisco. Gaviria se acerca a unos niños y les conquista un corazón inconquistable. El es una persona de un gran valor patriótico porque nos pone frente al horror que nosotros mismos hemos creado. A nivel cinematográfico, la encuentro muy bien hecha, de factura impecable. Ahora, ese lenguaje reiterado del gonorrea y el malparido , cada tres palabras, es una metáfora de la violencia que vive el país .

Manuel Kalmanovitz : Es una película muy conmovedora. Aunque tiene elementos más convencionales que Rodrigo D (la fotografía y la música) eso también hace que la tragedia central toque más al público. La humanidad de los personajes es indudable, lo que es todo un logro para el cine colombiano acostumbrado a películas que dicen más de los directores que del país en que vivimos. Los niños de la calle, que se han convertido en parte de las ciudades, son retratados con sensibilidad y sencillez por Gaviria.

Pedro Zuluaga: Con esta película, como con ninguna, hay que opinar tarde. Una cinta muy compleja de leer, mucho más para nosotros como antioqueños. Aquí hay que tomar distancia ya que uno puede conmoverse y olvidarse de la obra artística. Lo cierto es que es una revelación muy distinta a Rodrigo D. en la que, además, hay más elementos de juicio. Sin embargo, después de un proceso de 10 años con una obra tan coherente, yo esperaba de Gaviria un nivel conceptual y metafórico más profundo. Creo que La vendedora... es demasiado ruda en su enfrentamiento con el tema. Extrañé el símbolo. Es un choque demasiado directo.

LA ESTRATEGIA DEL CARACOL: LA DIGNIDAD CUMPLE 30 AÑOS

 

Cuando se realizó la encuesta de los personajes inolvidables del cine colombiano aparecieron varios pero el primero que sobresalió fue "El perro Romero”. Tinterillo, de bigote frondoso, arrastrando una bufanda con recuerdos hacia el olvido.

Y digo que lo “conocimos” porque el perro Romero ya había nacido años antes. La película arrancó a filmarse el 1 de octubre de 1988. ¿Como se explica que se haya estrenado el 25 de diciembre de 1993? El asunto es tan enredado que daría para una película de vodevil tipo Buster Keaton.

A Cabrera le tocó enfrentar la burocracia de Focine (entidad creada por el estado colombiano para el fomento del cine) que le quería meter mano como fuera.

-      Uno de los directivos de Focine, era un antiguo cantante de orquesta tropical y se empeñó en que la película debía tener canciones de ellos- dijo el director en aquel festival

El Perro Romero, interpretado por Frank Ramirez

Tras cinco años durmiendo en una bodega, García Márquez rescató los rollos y vinculó a inversionistas extranjeros. Gillo Pontecorvo la incluyó fuera de concurso en el festival de Venecia y ahí empezó la leyenda.

Pocas veces una película colombiana pone de acuerdo a la crítica y al público. “La estrategia del caracol” logró el milagro.

En taquilla, superó la cifra mágica del millón de espectadores y siguió derecho hasta el techo de millón seiscientos mil.

Y la crítica especializada la alabó, la comparó con las novelas de Gabo. Fue la primera película colombiana en conquistar distribuidores internacionales.

-      La proyectaron doblada en Madrid, imagínate a Vicky Hernández hablando españolete - dice Cabrera rascándose la cabeza.

Hoy, 30 años después, la cinta se prepara para la remasterización en HD, como debe ser. Quedaron para siempre, algunas frases inmortales:

“¿Cómo que para qué, y es que la palabra Dignidad no existe o qué?”

“Y a usted no se le olvide una cosa Mosquera, su madre nunca fue propiedad privada”

“Es más digno lavar la tierra y el sudor, que lavar los pecados”

“Todos los desalojos que han dejado a un montón de gente sin techo y hogares llenos de luto, se deben única y exclusivamente a dos motivos: primero, la injusticia de la justicia, y segundo, la falta de estrategia de la clase inquilinal”.

Y el bocadillo más citado del cine nacional:

“Ahí tienen su hijueputa casa pintada”

 

 

 

EL PALACIO EN LLAMAS Y NUESTRO AMIGO COSTA-GAVRAS

 
Allá en la cafetería, todos pegados de un transistor. Que un grupo guerrillero se había tomado el Palacio de justicia. No existía el teléfono inteligente que nos transmitiera en vivo la masacre de un hospital en Gaza.  Yo dirigía el cine club político: Primero en la biblioteca, de allí nos sacaron. Luego en el auditorio del CREE , de allí nos sacaron, para terminar en un salón del bloque de ciencias. Tocaba oscurecer con cartulina y bolsas negras. El sopor de las 2 p.m convertía el cine club en un baño turco. Alguien apareció un día con la donación de un ventilador. Y pusimos la alcancía para comprar otro. Los burócratas de la Universidad nos miraban de reojo. Se decía que era el foco, el nido, el núcleo de la subversión. Como siempre, la burocracia simplificando y confundiendo causas con consecuencias.

La noticia del Palacio, estaba tan confusa que mejor cancelar la función de cine pues, quien iba a aguantarse el sopor del cine club si todos estaban pegados del transistor Eveready?.   Pero, ¿cómo cancelar si estábamos en la mitad del ciclo de Costa-Gavras? Ese día proyectábamos "Missing" que había ganado La Palma de oro en Cannes con García Márquez en la titular del jurado. Repartimos una hoja volante que recogía el concepto de Gabo sobre la película:

"Mi candidato para la Palma de Oro sin compartir fue siempre Missing, del griego naturalizado francés Costa Gavras, que revela, a través de un caso particular, toda la tragedia humana del golpe militar de Chile y denuncia la complicidad de grandes funcionarios de Estados Unidos. Me pareció que la única limitación de esta película era su escritura clásica, dentro del ámbito de un concurso donde uno tiene derecho a esperar invenciones renovadoras. La actuación de Jack Lemmon, como había de reconocerlo el veredicto, no sólo parecía la mejor del festival, sino también la mejor de su carrera. Sin embargo, en el curso del debate se fue definiendo con claridad que todos los jurados estaban de acuerdo en que Missing era una de las dos mejores películas, pero no todos pensábamos que fuera bastante buena para obtener sola la Palma de Oro."

Una especie de instinto suicida, nos llevó a presentarla de todos modos. La gente fue a verla con desespero y algunos con el transistor en la oreja.

Ese día amargo, marcó la vida de muchos de nosotros aun encontrándonos a 450 kilómetros de la tragedia. Cuando tuve la suerte de almorzar con Costa-Gavras en un Festival, no se mostró sorprendido por mi relato porque siempre le contaban como fue ese estreno en muchas partes del mundo. Eso si, le pareció fatal la coincidencia.

Esa noche, del 6 al 7 de noviembre, nadie durmió. Unos, porque los allanaron y amanecieron en la guandoca. Otros porque no podíamos creer lo que contaba el noticiero de la noche.

Aquí las películas que han analizado ese horror.

28 horas bajo fuego (2008)

Director: Juan Antonio Vanegas

Reconstrucción minuciosa que arranca el 19 de abril de 1970. 15 años narrados con imágenes inéditas de la toma y diseños en 3D para una mejor comprensión militar y espacial.

Antes del fuego (2015)

Dirección: Laura Mora

De los mejores debuts del cine colombiano. Laura Mora realiza un thriller político, tenso, asfixiante que nos va conduciendo a la locura de la toma del palacio. Reconstruye la atmósfera pesada que se vivió en los meses previos

Siempreviva (2015)

Director: Klych López

Inspirada en la vida de Cristina Guarìn, quien era licenciada en historia y geografía de la Universidad Pedagógica Nacional. El día de la toma, estaba haciendo un reemplazo de cajera. Ya estaba lista para el postgrado en ciencias de la educación cuando se vio atrapada en la cafetería. Inspiró la obra de teatro SIEMPREVIVA de Miguel Torres y luego convertida en esta película.

La toma ( 2011)

Directores: Miguel Salazar y Angus Gibson

Toma como punto de partida el juicio al Coronel PlazaS Vega y los testimonios de los que perdieron a algún familiar. Sobre todo, los empleados de la cafetería.

Las voces de fuego (2015)

Director: Mauricio Martínez

30 años después, se reconstruyen los hechos con los protagonistas antagónicos. Paso a paso, desde un mes antes cuando la inteligencia militar detectó un plan para la toma de rehenes en el Palacio.

Aqui, el informe para Televisiòn:

https://www.youtube.com/watch?v=TMhNQde4GNE&t=6s

 

LOS CRITICOS DE CINE BAILANDO EN PEREIRA

                     

Entre el 18 y el 21 de agosto los críticos se volvieron a ver. Sucedió EL XXIV ENCUENTRO NACIONAL DE CRÍTICOS Y PERIODISTAS DE CINE. Es la cita de cada año en Pereira. Este año el tema fue la amable relación que el cine ha tenido con el teatro. Exhaustiva maratón de ponencias durante tres días sin pausa. Agradecimiento a su devoto organizador el maestro Germán Ossa. Y a los cafés de Pereira que ponen a sonar los mejores boleros y tangos.

Y a mí me dio por poner a los críticos a reflexionar sobre su oficio. ¿Qué es eso de la crítica de cine? ¿Sirve para algo?

El mandamás de la Columbia, el odiado Harry Cohn, dijo burlándose de la crítica: “Si me duele el culo la película es mala, si no me duele es buena”

A lo que el gordo Hitchcock preguntó airado: “De cuando acá la estética del cine se rige por el culo de Harry Cohn?”

Andrés Caicedo, siempre tan punzante, solía decir: “Siempre, de la crítica, me ha gustado lo insólito, lo audaz, lo irreverente, lo maleducado. Para eso sería bueno encontrar un método que universalice lo personal. Cada gusto es una aberración.”

Aquí las opiniones de los duros de la butaca:

CARNE DE TU CARNE cumple 40 años

 

El 7 de agosto de 1956, en plena dictadura de Rojas Pinilla, explota en el centro de Cali un convoy militar cargado de dinamita. El saldo dejó cientos de casas destruidas y más de mil muertos. La ciudad apenas contaba con cien mil habitantes. Ese es el punto de partida de CARNE DE TU CARNE dirigida por Carlos Mayolo. Película que está cumpliendo 40 años.

Partiendo de este hecho histórico, Mayolo nos muestra esta familia oligarca caleña, los Velasco, que tienen que abandonar la casa destruida para refugiarse en su hacienda campestre.

La película inaugura el género gótico tropical, es decir que partiendo de un hecho histórico la trama va a derivar en un relato fantástico, lleno de surrealismo.

Carne de tu carne es una metáfora aterradora de los pájaros asolando los campos matando rivales políticos y apropiándose de las tierras fértiles del valle del Cauca.

Vista hoy, 40 años después, Carne de tu carne mantiene intacta la vigencia política de una ciudad, a la  que  destruyen cada cierto tiempo.

Un relato vampírico, que retoma mitos populares como El duende y la madremonte. Un relato político que elige la simbología del incesto para retratar nuestras elites feudales.

El incesto de los dueños del país sigue ahí: se casan entre ellos, intercambian parejas para no soltar el poder.

 

 

ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CRITICOS DE CINE

 

A William Faulkner le gustaba  cazar peleas con los críticos y escribió un célebre texto al respecto: “Vive y deja vivir; critica con gusto en virtud de un criterio, y no riñas. La reseña inglesa critica al libro, la americana al autor. El crítico americano le endosa al público lector un distorsionado bufón en el seno de cuya sombra acechan imprecisamente los títulos de varios volúmenes íntegros. Sin duda, si hay dos profesiones en las que no deberían existir envidias profesionales son la prostitución y la literatura”.

Faulkner alegaba que, si le tocaba elegir entre el crítico y el artista, elegía al artista puesto que el primero no puede existir sin el segundo.

Otra cosa fue la nueva ola francesa, que pasó de la crítica a la realización. Godard no distinguía mucho entre las dos profesiones. «Como crítico, me consideraba un cineasta. Hoy [como cineasta] todavía me considero un crítico»

Su compadre Truffaut ilustraría la diferencia entre crítico y director protagonizando un escàndalo.Siendo el crítico estrella de “Cahiers du cinema” lo expulsaron del festival de Cannes porque rompió uno de los jarrones inmensos que colocaban a la lado y lado de la pantalla. Truffaut alegó que esos jarrones eran de mal gusto y un estorbo para apreciar las películas. Al año siguiente volvió a Cannes, pero acreditado como director pues su ópera prima, “Los 400 golpes”, había clasificado a la selección oficial. Le palpitaba el corazón en el estreno y tuvo una revelación : los jarrones le parecieron divinos. Truffaut tiene la frase más citada al respecto: “Todo el mundo tiene dos profesiones: la suya propia y la de crítico de cine”

Fernando Trueba también ejerció la crítica de cine, antes de convertirse en uno de los mejores directores españoles. “Sigo siendo un cinéfilo,- nos aclaró aquella vez en Cali- sigo pensando que se aprende más de cine, viéndolo que haciéndolo”

II

Todo esto, porque cada año, se reúnen en Pereira los duros de la crítica de cine para botar corriente y ponerse al día. Al frente está Germán Ossa, critico habitual del periódico “El Diario” y del portal “El opinadero”. Este fin de semana se celebra el encuentro número 24. Un sueño que arrancó en 1994.

Este año, hay homenajes a realizadoras, visita de críticos extranjeros. El eje temático son las relaciones amigables entre el teatro y el cine. Mi ponencia girará en torno a estos dos lenguajes: “El cine y el teatro: Amor a primera vista”.

Agosto no solo es mes de cometas o de ballenas , también es el mes de los críticos de cine.

Descargue Aquí, la programación confirmada.

 

 

 

LA PIEL DEL TAMBOR : Entrevista con Sergio Dow

 

Foto: José Urbano

Sergio Dow debutó en el cine con el largometraje EL DIA QUE ME QUIERAS, una película que recreaba la visita de Carlos Gardel a Venezuela. Ahora vuelve y ataca con el estreno de “LA PIEL DEL TAMBOR”, basada en la novela de Arturo Pérez-Reverte.

"La piel del tambor" es una película internacional, filmada en inglés con actores británicos, colombianos, italianos y españoles. Dice el escritor que la frase LA PIEL DEL TAMBOR era el grito de los ejércitos que se sentían vencidos pero se jugaban la última carta en el campo de batalla . 

Aquí , la sabrosa conversa con el director caleño Sergio Dow.

https://www.youtube.com/watch?v=HNoRV7ErfDQ

PD: La superproductora caleña Alina Hleap, integró la tropa que hizo posible “La piel del tambor”. Y me envía éste sentido mensaje: “Como productora quiero agradecer a los "amigos cinematográficos" qué hacen parte del grupo de apoyo y a todos los inversionistas que creyeron y aportaron al proyecto desde el comienzo. Así mismo quiero hacer un reconocimiento especial al equipo humano de Cali que me acompañó durante estos años en el proceso: Catalina Hoyos Lago, Guillermo Peña, Silvio Paz, Vicenta Zerrate, Vannithy Montero y, especialmente, al Fondo Mixto de Promoción de la Cultura y las Artes Del Valle del Cauca, quienes a través de su gerente, María Clemencia  Ramírez, me respaldaron irrestrictamente”

GOLES EN CONTRA: COMENTARIO DE ALGUIEN QUE NO LE JALA AL FÚTBOL

 

Dejé de ver fútbol hace mucho tiempo. Estando en la primaria de la escuela San Roque, disfruté del amague de Willington Ortiz al Pato Fillol. Y ahí me quedé. Hasta la gorda Matosas quedó descaderada esa noche. Pertenezco a la generación que nunca había visto a Colombia en un mundial. De manera que Italia 90 fue el bálsamo del retorno.

" GOLES EN CONTRA" , miniserie de 6 capítulos, abarca un periodo de tiempo convulso ( existe algún periodo de nuestra historia que no sea convulso?) . Va desde 1987 cuando Francisco Maturana asume la dirección técnica del Atlético Nacional hasta el 2 de Julio de 1994 cuando asesinan a quemarropa a Andrés Escobar. Siete años donde ocurrió de todo. El Eme hizo la paz, volaron El Espectador, volaron el avión de Avianca, murió la vieja Constitución, nació la nueva, mataron a los candidatos que habrían podido cambiar a Colombia, masacraron a la UP, vino Yair Klein. En fin.

FUTBOL Y BALA

Hay un documental que me gusta mucho, “La patada final” ( 1994), donde 40 cineastas cuentan lo que sucede en sus respectivos países mientras se está jugando la final de la Copa Mundo USA-94. En sitios remotos de Rusia, Los pirineos, Irán, los andes bolivianos…Pero el segmento de Colombia rompe con todo: Víctor Gaviria no muestra a la gente frente al TV, sino que va a la escena del crimen de Andrés Escobar.

“Goles en contra” cuenta un desenlace que ya conocemos. El asesino es el lavaperros. El héroe muere acribillado. El capo muere acorralado en un tejado. Ya conté todo y, sin embargo, el guion te atrapa. ¿Cómo lo hace? Porque “Goles en contra” no es una miniserie sobre el futbol, sino sobre un país que cuenta muertos como quien canta goles. El futbol es el pretexto para llevarnos a la fosa común.

Las élites lo saben, de manera que desde tiempos remotos se lee el mismo titular: “La selección mantiene al país unido”. Los que nos dividen son las élites.

Me late que de todas las subtramas la más fascinante es la de Maturana. ¿Lo puedo comparar con Valdano, a riesgo de aparecer flotando en el rio Cauca? Si, ya sé que los sabios del Face me gritan que Valdano fue campeón mundial y es literato fino. Pero Maturana, le cambió la mirada al futbol. “Se juega como se vive”, “Perder es ganar un poco” “Aristizábal es el mejor jugador del mundo sin balón”. En medio de sus dichos, el odontólogo es sabio y sobrio, en un país donde escasean esas dos virtudes. Y el actor logra un perfomance perfecto. La mirada, el verso, la idea de que la selección representa a las  regiones de acuerdo a la geografía: paisas conservadores van para la defensa, los alegres costeños ponen la gambeta, los pujantes vallunos van adelante como una tromba.

“Goles en Contra” nos deja una lección amarga: Colombia es un país delirante. Eso ya lo sabíamos gracias a Gabo, A Victor Gaviria  y a otros.  Pero el delirio aquí es como lo decía Lacan: “es así el intento de curación del sujeto como respuesta a lo real del lenguaje”. Ya ven, Maturana intentó racionalizar la locura, moldear la tragedia.

BOMBA CAMARÁ

Los realizadores se la juegan con la cámara cenital. Con ello, se ahorran el plano multitudinario al estilo “El secreto de sus ojos” o “Invictus”. Combinan la crudeza del noticiero con la ficción de los personajes: ¿al que vemos es al malogrado Felipe Pérez o al “Torito” Cañas? ¿La gerente del equipo, está inspirada en una legendaria dirigente caleña?

Los personajes viajan en medio de los vasos comunicantes de la realidad y la ficción. No hay nada más ficcionado que el noticiero nacional. De ahi, nos queda la amargura de la repetición. Al final sólo cambiamos de cartel, porque al igual que el personaje de Luchino Visconti: “hay que cambiar para que todo siga igual”. Y, en la secuencia final, el proceso ocho mil siguió la cosa igual (o peor).