RODRIGO LO VOLVIÓ A HACER

 

Por: José Urbano

Siempre que se habla de Rodrigo Garcia, se anota entre paréntesis ( el hijo mayor de Gabo). No hay escapatoria.

El hombre vuelve al ataque en este divertimento llamado " Las locuras". 6 historias que se entrelazan y cada una tiene el titulo de un libro amado:

1.Crimen y castigo

2. La bella durmiente

3. La educación sentimental

4. El viaje a la semilla

5. El sonido y la furia

6. La tempestad

Son libros escritos en tiempos diferentes y por autores diferentisimos.

Pareciera vanidad. Pero no, es pura diversión y homenaje al cucho de Aracataca. De hecho,  un personaje se llama Amaranta.

Y, como es habitual en Rodrigo, son historias de mujeres. Es un director de actrices. Mujeres locas , en delirio, brillantes , que le llevan años luz a los hombres ( estos son predecibles.)

Siempre es un placer ver las mujeres de Rodrigo. Y siempre que veo una nueva película suya , pienso en otro Rodrigo que fue mi profesor de psicoanálisis:

- Todas las mujeres están locas - decía en clase- . Y nosotros somos gestores de esa locura, así que pónganse las pilas señores.

Vuelvo y reviso un viejo libro " Cine: solo para mujeres" cuya introducción dice algo asi:

" Este libro es solo para mujeres. Porque nosotras somos laberinticas, complejas y tenemos múltiples estados de ánimo.  Los hombres, en cambio, son simples y solo tienen dos estados de ánimo: el encendido y el apagado"

La maratón de Alborada diciembre, la completaron :

- Sueños de trenes: con la hermosa Felicity Jones, un anti vaquero precioso

- Historia del sonido : dos músicos unidos por escudriñar donde nacen los sonidos.

-  27 días argentina : La gran sorpresa venida de argentina. La tragedia de la veterana , aislada en un geriátrico.

- Mr.Scorsese: la serie del año. Vida y obra del gran Martín . San Martín Scorsese. ya hablaremos de esa maravilla.

HAMNET: SHAKESPEARE EMPATA EL PARTIDO

 

Por: José Urbano

 Sabido es que hay dos bandos irreconciliables: los Anti-Stratford( que juran y alegan que William no escribió nada y los Pro- Stratford que dicen que sí, que, aunque William nunca se codeó con la realeza, tuvo la osadía de mirarla a partir de escritos, que luego reescribió)

 El bando de los “Anti” es más encopetado. Allí figuran Chaplin , Orson Welles y Freud. Parecía que la película “Anonymous” ( 2011, Roland Emmerich) había cerrado el debate dándole la razón a Chaplin.

 Pero, cuando corría el tiempo de descuento, Chloé Zhao empata el partido, basándose en la novela escrita por Maggie O'Farrell.

La hipótesis es que la muerte de su hijo llamado Hamnet sería la inspiración para escribir Hamlet. Era común en la Inglaterra isabelina, pronunciar igual los dos nombres.

 Ahí, el dulce se le puso a mordiscos a Freud y Welles porque la hipótesis empataría el partido y plantearía que sí, que William escribió una obra inmortal, grandísima y compleja inspirado en su hijo muerto.

 Hamnet pudo morir por la peste bubónica que mató a 15 mil personas sólo en Londres. Los teatros cerraron y es cuando William se dedica a escribir poesía.

 Me emociona que tanto en “Anonymous” como en “Hamnet”, reconstruyen muy fielmente como puedo ser el teatro El Globo. La plebe de pie, en el centro , destechado, pues no había luz eléctrica. En los palcos techados, se parqueaba la nobleza. El proscenio muy cerca a la gente. Los espectadores podían estirarle la mano al actor.

Shakespeare se inspiró en su hijo muerto para escribir Hamlet? Es una especulación de la escritora, que prolonga la directora.

Como dato curioso, en su obra El rey John , Shakespeare recrea a un niño muerto y el duelo del padre:

 “El dolor llena la habitación de mi hijo ausente,

Se acuesta en su cama, camina conmigo,

Se presenta con su belleza, repite sus palabras,

Me recuerda todas sus partes graciosas,

Rellena sus ropas vacías con su figura;

Entonces, ¿tengo motivos para amar el dolor?

Adiós: si tuvieras una pérdida como la mía,

podría brindarte mejor consuelo que tú.

No conservaré esta figura sobre mi cabeza,

cuando hay tal desorden en mi mente.

¡Oh, Señor! ¡Mi hijo, mi Arturo, mi hermoso hijo!

¡Mi vida, mi alegría, mi alimento, mi mundo entero!

¡Mi consuelo de viuda y remedio para mis penas!”

 Rey Juan, Acto III, Escena IV

 Cierta o no la hipótesis de la película, Chloé Zhao nos ha regalado una obra maestra, que seguramente arrasará en los premios Oscar . Ya se probó ante un público exigente en Toronto y Valladolid.

Zhao demuestra, que se puede hacer cine exquisito basado en hechos reales, pero agregando una buena dosis de ficción. Como para que tome nota el juez que censuró la película “Noviembre” en Colombia.

 

PELICULA NUREMBERG : EL NAZI Y EL PSIQUIATRA

  Por. José Urbano

 Es la tercera vez que se filma el juicio  a los nazis . Antes lo hicieron Stanley Kramer con “El juicio de Nuremberg” ( 1961) y Yves Simoneu en la miniserie “Nuremberg” (2000).

 Pero ahora, la cosa es a otro precio. Porque si en las dos anteriores el drama giraba en torno al nacimiento del derecho internacional humanitario, acá el director James Vanderbilt escoge otro punto de vista: el psiquiatra Douglas Kelley.

 La versión 2025 no es propiamente una película de tribunales. El psiquiatra viaja a Nuremberg a escudriñar cómo se incuba el mal. Ya Michael Haneke había teorizado sobre el mal en “La cinta blanca”.

Por momentos, el espectador empatiza con Goering o al menos lo entiende. Digamos que entiende sus razones, aunque nadie se traga el sapo de que no sabía sobre de los campos de exterminio, siendo el sucesor de Hitler, creador de la Gestapo, presidente del Reichstag, comandante en jefe de la fuerza aérea. Demasiados galones para no estar untado.

 La película rescata valientemente al psiquiatra Kelley para decirnos que los monstruos no son como Godzilla , el mal habita en el corazón del ser humano.

 La humanidad no aprendió nada del holocausto. Ahí están los neo nazis y los encorbatados que convertirán a Gaza en una cadena de casinos muy iluminados en neón.

Ese juicio cobra actualidad, justo cuando se cumplen 80 años de su realización. Justo cuando está desapareciendo el derecho internacional. Justo el año 2025 cuando arrasan la franja de Gaza a la vista de todo el mundo y cuando un reyezuelo prepotente bombardea pescadores desde el portaaviones más sofisticado del mundo.

 Y, rematemos con la eterna Hannah Arendt, en el juicio al nazi  Adolf Eichmann:

 “Lo más grave, en el caso de Eichmann, era precisamente que hubo muchos hombres como él, y que estos hombres no fueron pervertidos ni sádicos, sino que fueron y siguen siendo, terrible y terroríficamente normales. Desde el punto de vista de nuestras instituciones jurídicas y de nuestros criterios morales, esta normalidad resultaba mucho más terrorífica que todas las atrocidades juntas, por cuanto implicaba que este nuevo tipo de delincuente (...) comete sus delitos en circunstancias que casi le impiden saber o intuir que realiza actos de maldad”

 Y, anoto yo: No es sino cambiar el nombre de Eichmann por el de Goering o Netanyahu y la cita calza perfecto.

 PD: La maratón “Nuremberg”, la completa el magnífico documental “La película perdida de Nuremberg” (2021) . Alli vemos las tomas originales que se proyectaron ese día del juicio . De hecho los pro-nazis siguen jurando que esas tomas son falsas. Ni ellos, aceptaban la barbarie. Recuerdo que siendo un pelao, no me dejó dormir esa toma de la retroexcavadora arrasando miles de cuerpos descompuestos

FRANKENSTEIN 2025 : EL VERDE ES EL COLOR DE LO ETERNO

 

«No tema usted, no cometeré más crímenes. Mi tarea ha terminado. Ni su vida ni la de ningún otro ser humano son necesarias ya para que se cumpla lo que debe cumplirse. Bastará con una sola existencia: la mía. Y no tardaré en efectuar esta inmolación. Dejaré su navío, tomaré el trineo que me ha conducido hasta aquí y me dirigiré al más alejado y septentrional lugar del hemisferio; allí recogeré todo cuanto pueda arder para construir una pira en la que pueda consumirse mi mísero cuerpo». – dice la criatura hacia el final de la novela.

Y, sin embargo, Memo del Toro propone una criatura inmortal.

Cuando leímos el comic de Frankenstein en la niñez, un dato me estremeció: la escritora tenía apenas 21 años cuando publicó la novela. (19 años cuando la empezó a escribir).

Era un mundo completamente distinto al nuestro y completamente distinto al mundo de Memo, de manera que el bueno de Del Toro se toma licencia, reescribe, le aporta carne y tejidos al mito de Shelley.

Existen dos versiones de la novela Frankenstein ( la primera edición de 1818 y la versión  de 1931) . Lo que quiere decir que la edición primigenia se escribió bajo el poder del Rey loco , Jorge III y bajo el impacto de las guerras napoleónicas. Y la segunda bajo el poder de Guillermo IV (ya se atisbaba la era victoriana)

¿Qué le pasó a la escritora, en esos 13 años que separan a una edición de otra?

Se puede especular: pasó del ímpetu de la novela gótica (pura y dura ) y saltó a una visión moral de su personaje. También la muerte de tres hijos y del esposo joven le deba haber dado un viraje rotundo a su concepción de muerte y a su concepción de vida.

“Y así, el corazón se rompe, pero aún roto, pervive”, es el epígrafe de Lord Byron, uno de sus mentores.

“EL VERDE ES EL COLOR DE LO ETERNO”

Pongo este intertítulo entrecomillado porque es una frase de la película “Vértigo” de Hitchcock. En el “Frankenstein” de Memo, he encontrado muchas referencias (conscientes o no) a otras películas, otros mitos.

Al laboratorio de Víctor, lo inunda el verde opaco. El vestido victoriano de Elizabeth es verde intenso. Lo alterna con el azul, el color de su prometido y con el rojo, cuando tiene la tentación de dejarse seducir por Víctor. Pero se reprime. Vuelve a la compostura inicial y se zampa el sombrero verde. Deja la mariposa, aleteadora pero atrapada. Los insectos viven poco, como ella.

 Este Frankenstein 2025 maneja una paleta de colores, tanto en los vestidos de los personajes como en la corrección del color misma.

Y también pienso en Robert Openheimer creando la bomba atómica al poder y sintiéndose un monstruo que llevará a la destrucción del planeta. Todo encaja: el monstruo inventor, la criatura solitaria, la mujer que, siendo hermosa, tampoco encaja en este mundo.

Y la Inteligencia artificial, mirándonos de reojo. Esa, si encaja y acabará con todo. Seremos el paraíso perdido de Milton. Todo por arrebatarle el fuego a los dioses.

 Aquí , un video-comentario en 2108, cuando la novela cumplió 200 años:

https://www.youtube.com/watch?v=xZabThtEZYo

PELÍCULA “NOVIEMBRE”: Todos somos rehenes

 

Por: José Urbano

Ver la película “Noviembre”, fue visitar el infierno. Ansiedad, tos, respiración entrecortada; como si estuviéramos en ese baño, acurrucados y con las balas silbando.

Durante la proyección recordaba “El hijo de Saúl” ( la oscarizada película de László Nemes ) porque los personajes están en el ultimo circulo de Dante, luchan por sobrevivir o por tener una muerte digna: una última comunicación con su Dios.

Clara Enciso, la única sobreviviente del bando guerrillero, dice que se apiñaron entre 60 y 70 personas, en un espacio de 20 metros cuadrados.

Tomás Corredor, no apela al largo plano secuencia, tan tentador en estos casos. Tampoco al exquisito blanco y negro. De paso digo, que me imaginé una película con un blanco y negro contrastado, recordando a Hitchcock cuando hizo “Psicosis”: la idea era no impactar al espectador con la sangre roja y así concentrarse en el personaje retorcido.  

El director aclara: “Tenía una consigna y era no generar ningún distanciamiento desde la técnica que pudiera alejar al espectador del compromiso real que estaba viendo (…) en esta película tenia la necesidad de buscar el color porque la época también la quería construir, temperaturas de luz, texturas de vestuario…”

El diseño sonoro es aterrador, igual que en “El hijo de Saúl”. Incluso, puede llegar a ser más angustiante que la misma imagen. Se me hizo que cada cañonazo era un punto aparte de la narración. Entre cañón y cañón había tableteo, humo, miradas de desconsuelo y…otra vez el cañón. Y luego el silencio.

El contraste sonoro entre las bombas, el llanto, los rezos y el silencio crean en “Noviembre” la narración perfecta de lo que imaginamos afuera. Porque el despliegue militar lo conocemos de memoria. En cambio, el encierro lo desconocemos totalmente.

“Noviembre”, recrea la claustrofobia de  los que imparten justicia y todos nosotros atrapados ahí. Una Colombia chiquita que aún no ha superado ese Palacio. Porque aún nos falta mucha verdad. Y la película nos recuerda que la lucha no es de buenos y malos. El asunto es de dignidad humana.

Y, queda el sabor amargo, de que aquí todos somos rehenes. Hasta los victimarios.

Al final un plano documental que deja en evidencia al poder: un camarógrafo real, intenta ingresar al Palacio en cenizas. El soldado lo frena en seco. Nunca nos dejaron entrar, pero Tomás Corredor nos acaba de presentar el horrible interior.

…………………

Para degustar el diálogo con el director y con Helena Urán, vaya a: https://www.youtube.com/watch?v=P15GX4l8SWw&t=34s

Para leer el testimonio de la única guerrillera sobreviviente del Palacio , descargue en : https://www.mediafire.com/file/xa58ujdxgvw48w3/la+unica+guerrillera+sobreviviente.pdf/file

5 PELICULAS DE ROBERT REDFORD EN LA FUNDACION HISPANOAMERICANA

 

Por: José Urbano

En una de sus últimas películas,  Robert Redford interpreta a un viudo solitario que realiza la misma rutina parsimoniosa todos los días. Enfrente, vive Jane Fonda, viuda solitaria, que lo mira a través de la ventana.

Un día, Jane se llena de valor y le toca la puerta.

- Mire, señor perdone mi impertinencia. Yo vivo enfrente y quiero pedirle un favor.

Robert la mira  impertérrito, mientras Jane sigue en la propuesta decente.

- Uno de mis anhelos es despertar con alguien a mi lado.  No me malinterprete,  lo invito a dormir solamente.

Jane, respira profundo.

Y el impávido de Robert solo atina a contestar:

- Lo pensaré.

Imagínate contestarle eso a Jane Fonda! A la gran Jane!. La que visitó a los Viet Cong, cuando la moda era visitar a las tropas fascistas.

Así era Robert. Cuando estaba joven, sus personajes hacían propuestas indecentes, estafaban en los trenes, llegó a dirigir películas con el pulso de los maestros. Al mejor estilo Clint Eastwood.

Trabajó hasta el final bien como actor, bien como director de cine , bien como director del festival mas chévere del mundo. 

Hemos realizado una selección de 5 peliculas ( 3 como actor y 2 como director). Homenaje Robert, el pelirrojo genial.

CICLO :   ROBERT REDFORD ( como actor y como director)

Avenida 3CN #35CN-55 Prados del Norte

7y 15 p.m  Jueves de Octubre 2025

Entrada libre

Descargar programación en:

https://www.mediafire.com/file/ho7jt79m5huoosq/Robert+Redford+octubre+2025.pdf/file

Descargar programación en:

https://www.mediafire.com/file/ho7jt79m5huoosq/Robert+Redford+octubre+2025.pdf/file

PELICULA “UN POETA”: QUE LINDA QUE ESTÁ LA LUNA…

 

Por: José Urbano

I.

Llena la sala de Chipichape en Cali. Mucho asistente jovencito. La película conecta con la gente desde las primeras de cambio. Muchos de los que nos reímos, lo hacemos con risita nerviosa, porque recordamos aquella vez en que cometimos poesía, cuando soñábamos con la luna y nos fajábamos unas líneas para la vecinita linda.

En Colombia todos somos poetas hasta que se demuestre lo contrario. Nos gusta el verso, el que rima. Que linda que está la luna, redonda como una fruta…

II

Le preguntaban a Borges:

- ¿Maestro, como distingue usted un poema bueno de un poema malo?

- Tomo la barbera y le pido a María que lo lea en voz alta. Empiezo a afeitarme al ritmo de las palabras. Si me corto, es malo.

En cambio, Alejandra Pizarnik anunciaba: “Escribir un poema es reparar la herida fundamental, la desgarradura. Porque todos estamos heridos”.

Y, Octavio Paz: “la poesía es la memoria de los pueblos, pero también es aquella parte secreta del alma de cada uno”

III

Cuando se estrenó “El lado Oscuro del corazón” ( Eliseo Subiela, 1.992), surgió la pregunta “Qué es poesía en el cine?”. Algunos pensaron que poesía en el cine consistía en que el actor recitara poemas. Otros, pensando en Tarkovski, decían que poesía es esculpir en el tiempo.  Otros, que poesía en el cine es contemplación.

“Un poeta”, película dirigida por Simón Mesa, se ha convertido en el fenómeno cinematográfico del año. Que la película haya superado los cien mil espectadores, es la hazaña soñada. Es decir, ha superado a muchas películas de acción, gringas que cuentan con actores de renombre.

Cuando se estrenó “La Estrategia del Caracol” ( otra película que conectó al público) , Sergio Cabrera dijo: “Somos un país de perdedores”.

Mientras el cine comercial promueve el éxito, “Un poeta” nos habla del fracaso. Un gringo promedio repudiaría al personaje de Óscar Restrepo porque sencillamente es un perdedor. Un tipo que persiguió los sueños, pero no alcanzó ni a arañarlos.

¿Y por qué “Un poeta” ha conectado con la gente? Porque nos habla del poeta de la calle, del bohemio cuya vida personal es un desastre, pero que, ante el apocalipsis, se aferra a la fe de las palabras.

Y, evocando a Cortázar: “la poesía es eso que se queda afuera cuando hemos terminado de definir la poesía”.

Allí, cuando terminamos de definir “qué es poesía en el cine”, entonces es cuando  inicia la película de Simón Mesa. Mientras transcurría la película y los asistentes reían, pensaba en mi adolescencia tratando de impresionar a la compañera de pupitre, con algún versito sacado de la manga.

Pensaba también en el poeta loco, Raúl Gómez Jattin:

“Descifro mi dolor con la poesía

Y el resultado es especialmente doloroso

Voces que anuncian: ahí vienen tus angustias

Voces quebradas: pasaron ya tus días.

 La poesía es la única compañera

Acostúmbrate a tus cuchillos,

Que es la única.”

YA INICIAMOS, EL CINE EN EL TEATRO SAN FERNANDO

 

El caleño dice: “Oiga, Vea” que es la base audiovisual del cine.

Los espectadores han conversado con los directores. Admiraron en “Tacones” una ciudad que ya no existe.

Admiraron al pianista pastuso Eddie Martinez. Eddie ha tocado con los duros de la salsa, con los tesos del jazz y le alcanzó la vida para meterle mano a James Bond, (al servicio de su majestad, el piano).

                           
Se asombraron con las nuevas narrativas de “Dopamina” . La realizadora cumple el vaticinio de Truffaut cuando en la década del 60 anunciaba: "la película del mañana será un acto de amor".

Y los más jóvenes, fueron a descubrir la figura inmensa de Estanislao Zuleta, nuestro gran pensador, filósofo, psicoanalista, literato.

Seguiremos en lo que queda de Agosto y Septiembre que ya llega.

Aquí, puede descargar la nueva programación completa:

https://www.mediafire.com/file/4zm6vwj6ibes110/teatro+san+fernando+agosto+sep.docx/file

CIne Club San Fernando. Inicia labores

 

CALI: UN SUEÑO ATRAVESADO POR EL CINE

Un recuento histórico al vuelo nos recuerda que Cali ha sido tierra de pioneros. Aquí se escribió la primera crítica de cine, se filmó la primera película de ficción, la primera antimperialista,  la primera sonora. Son muchas primeras veces para una ciudad que llegando a la década del sesenta aún no coronaba el millón de habitantes.

El historiador curioso puede mirar “El diario del Pacífico” y “El Ferrocarril” dos periódicos importantes del Cali viejo y podrá constatar que acá se creaban cine clubes desde la aparición misma del aparato llamado cinematógrafo.

¿Por qué los caleños se empecinan en amar el cine? Pocas ciudades latinoamericanas se dan el lujo de contar con tantos realizadores hechos, derechos y revelados.

Somos contemplativos por naturaleza. Nos gusta mirar el atardecer, ese de la luz de las 5 de la tarde. Nos gusta mirar a las mujeres caminando y el movimiento de las hojas al viento. Somos un puerto sin mar. Y, quizás, el estar rodeados de ríos nos hizo ver la vida en continuo movimiento. A 24 fotos por segundo.

El 4 de  agosto de 2025, iniciamos el Cine club del teatro San Fernando en Cali

Descargar programación aquí:

https://www.mediafire.com/file/vw12br8kiz8aoke/teatro+san+fernando+agosto+todo.pdf/file

KIDS, 30 AÑOS DESPUÉS

 

En la Universidad nacional sede Palmira, celebramos los 30 años de KIDS ( Larry Clark, 1995).

En su estreno, Kids fue vapuleada por los conservadores gringos que la vieron como un ataque a la familia, a las buenas costumbres y a la grandeza americana. La crítica especializada, en cambio, la defendió:

"La visión de Clark de sus personajes es tan sórdida y legítimamente impactante, que hace que casi cualquier otro retrato de la adolescencia americana parezca como el cuadro de Dorian Gray"- New York Times

"Perturbadora, precisamente porque es tan creíble, va más allá de cualquier película americana previa en describir con franqueza las vidas de al menos cierto grupo de adolescentes modernos"- Variety

Lo cierto es que un viejo amor nunca se olvida y Kids se quedó para siempre con nosotros. La primera escena te acuchilla los ojos: una niña de 13 años pierde la virginidad con uno de 17. No hay sexo explícito, pero casi. De ahí en adelante, nos damos cuenta que los chicos se dedican a rodar skate, a meter drogas duras y blandas, a coleccionar vírgenes, a pasar el día hablando mierda.

¿Y las familias? Escasamente las vemos. ¿Y la figura paterna? Totalmente ausente. ¿Y el tiempo libre? La vida de estos chicos es puro ocio. ¿Y el futuro? Nunca ha existido.

KIDS fue un fenómeno en todo sentido en 1995. Hoy, sería imposible rodar esa película. El mundo cambió. El neoliberalismo Tatcheriano se transformó en aranceles, el cuerpo se llenó de tatuajes y las minorías van resistiendo. Nadie hoy, soportaría la escena del gato. No quedó ni el gato, Cuquito se lo llevó.

Gracias a Germán Valencia por la invitación y a Oscar Losada por las fotos y la buena conversa.

PD: Se recomienda ver el documental “Una vez fuimos Kids”, para mirar que pasó con los actores. Que fue de sus vidas y sus desventuras.