OPPENHEIMER, CHAPLIN, Y EL BRUTO McCARTHY

 

A todos nos pasó en algún momento de nuestra vida. Allá en la escuela San Roque del barrio Colón la profesora nos mostró la revista Life donde estaban impresas las fotografías de la bomba nuclear.  En dos detonaciones mataron 120 mil personas. A esa edad, imaginar 120 mil cadáveres apilados era demasiado. Como si de repente, mataran a todos los habitantes de Jamundí.

¿Quién tiró la bomba? ¿Quién dio la orden? Le hacíamos todo tipo de preguntas a la profesora Silvia Inés. Pero nadie hizo la pregunta más importante: “Quien inventó la bomba atómica?”

40 años después, Christopher Nolan nos responde con una obra maestra. Desde su primer corto, que dura apenas tres minutos, el maestro nos muestra a un hombre tratando de atrapar algo, que no sabemos que es y al final asistimos a un juego de espejos infinitos (podéis ver o descargar el corto aquí).  En ese cortico, del joven Christopher, podemos ver sus obsesiones posteriores. En su ópera prima ( Following) un hombre busca en la ciudad algo que ni el mismo sabe que es, nunca olvido el juego del tiempo, en la que sigue siendo mi película favorita ( Memento),  o el hombre que no puede dormir ( Insomnia),o el tipo que se mete en tus sueños y te planta ideas en el inconsciente ( El origen) o la hipótesis de que los extraterrestres somos nosotros mismos ( Interestelar)

De “Oppenheimer” me gustan muchas cosas. El manejo del croma. A veces Blanco y negro, a veces color y a veces sobreexpuesto. Porque no hay que olvidar que Nolan vuelve al cine clásico filmando en celuloide, en negativo de 70 m.m. Para las generaciones nuevas, resulta insólito complicarse con celuloides a estas alturas pues se tiene a la mano todos los recursos del cine digital. Pero Nolan parece sacado de los comienzos del cine. Tiene la magia de Grifith, el toque de Porter, juega a Meliés descubriendo la truca. Es un bicho raro en medio de héroes de cartón, que han ido invadiendo el cine de hoy.

Y el hombre se decanta por un anti-héroe. Mientras visionaba “Oppenheimer” no podía olvidar la historia personal que vivió Chaplin. Ambos eran héroes mediáticos cuando la caza de brujas los acusó de comunistas y de actividades anti-norteamericanas. La paranoia gringa en su máximo esplendor. Chaplin no les dio la ganga y se les voló. Orson Welles también se pisó. No se iban a humillar ante un comité que simplemente los necesitaba como chivos expiatorios. No era un juicio imparcial. Ese comité Macartista jugaba con las cartas marcadas.

 Robert Oppenheimer, se sometió. Se dieron el lujo de humillar al más grande físico de su época. El físico al que Albert Einstein le hacía reverencia.

II

Al cine lo vienen matando desde el mismo día que nació. Y cada vez que lo dan por muerto, el aparato renace. En los años 50, inventaron el Cinerama para enfrentar el auge de la televisión. El 3D pasó a darle la mano cuando el video y las antenas parabólicas vinieron a quitarle la clientela. Esta semana me gocé lo que ha venido pasando con las películas Barbie y Oppenheimer: la gente se volcó a los cines. Incluso, muchachitos aguantándose las tres horas de “Oppenheimer” en un mundo digital dominado por Tik Tok. La euforia de esta semana, me recordó la fiebre de “Tiburón” en el teatro Calima, “Jurassic Park” en el Bolívar”, “La ley del monte” en el cine México.

III

El punto de partida de la película es el libro “El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer” escrito al alimón por Kai Bird y Martin J. Sherwin Premio Pulitzer 2006 ( podéis descargarlo aquí )

Nolan inicia con la misma cita del libro:

“Prometeo robó el fuego y se lo entregó a los hombres. Pero cuando Zeus se enteró, ordenó a Hefesto que clavara el cuerpo de Prometeo al monte Cáucaso. Allí pasó muchos años encadenado. Todos los días un águila caía sobre él y le devoraba los lóbulos del hígado, que volvían a crecerle durante la noche. APOLODORO, Biblioteca, libro I, 7, s. II a. C”

La analogía con el mito de Prometeo ya la había hecho, en 1818, Mary Shelley al publicar la novela “Frankenstein”. Oppenheimer es exactamente un Víctor Frankenstein que creó una criatura. La ficción aterradora de Shelley se convirtió en realidad en manos de Nolan.

IV

Pequeñas apariciones, ninguna dura más de dos minutos. Personajes diminutos, pero potentísimos. Gary Oldman : un minuto y lo odias . Kenneth Branagh es el genio Niels Bohr, Rami Malek la buena conciencia, Casey Affleck , el burócrata militar. Tom Conti , el entrañable Albert Einstein. Un aspecto Tarantinesco que consiste el invitar a grandes estrellas a trabajar en una o dos escenas. ¿Por qué no otro actor barato y desconocido?  para que tu recuerdes por siempre esa aparición fugaz.

V

Al finalizar la proyección, algunos amigos salieron a comprar ibuprofeno porque la banda sonora les hizo dar dolor de cabeza. No es la banda sonora sutil de Interestelar, ni la tensionaste de El origen. Es cierto que tiene momentos de estridencia. Porque Nolan busca meternos en la conciencia de un hombre que ve cuerpos descuartizados y escucha bombas por todos lados. No es paranoia, es culpa.  Recuerdo que allá en la escuela San Roque la profe nos contó que uno de los pilotos terminó regalando la pensión del ejercito gringo y devolviendo las medallas. Y como la conciencia le decía que había obrado mal, se dedicó a realizar asaltos para que lo encanaran, cometía infracciones a propósito porque sentía que debía pagar con cárcel el crimen de lesa humanidad. Eso nos llenó de consuelo. Ahora sabemos que a Oppenheimer le sucedió lo mismo.

NOTA: Volví a ver películas sobre el tema Hiroshima y recomiendo

1, El documental Oppenheimer el dilema de la bomba atómica

2. La tumba de las luciérnagas (anime)

3. Hiroshima (anime). Allí está la mejor reconstrucción de cómo pudo haber sido lanzada la bomba

4. Fat man and the little boy (1989) de Roland Joffe. Paul Newman interpreta al general Groves y Dwight Shultz ( aquel loco Murdoch de la serie "Los Magnificos") interpreta a Oppenheimer

 5. Y el libro en el que se basa la película de Nolan

 https://www.youtube.com/watch?v=dcAsbqDlHts

“CALI: DE PELICULA” CUMPLE 50 AÑOS

 

El grupo de Cali había arrancado en firme con “Oiga, vea” (1971) filmada en el barrio El Guabal.

Ya tenían la mano caliente. Mayolo se ocupaba de la imagen en 16 m.m , Ospina registraba los sonidos de la libertad en la grabadora Nagra y montaba. Cortaba y pegaba como los rusos mandan.

Tenían muchas influencias y fetiches. Pero guardaban especial amor por Jean Vigo. Mayolo llegó a decir que contó uno a uno los planos de “A propósito de Niza” (1930). Tú ves ahora ese corto que tiene más de 90 años y quedas sorprendido de su poesía vigente. No es necesario que conozcas esa ciudad. Aplica para cualquier pueblo del mundo. La escuela caleña le debe mucho a ese corto. No solo al montaje, sino a la mirada.

Entonces, el grupo de locos por el cine se puso a la tarea. “Cali: de película” parte de una sola pregunta:

“¿Que hacen los caleños, la última semana del año?”

Y se tomaron las calles. El centro de Cali con la venta de chécheres, los diablitos que bailan y la gente les lanza una moneda, las reinas venidas del mundo entero, el año viejo, las chicas que salían a sextear cuando la avenida sexta era la pasarela viviente.

Ya habían realizado un montaje musical en “Oiga, Vea”, ahora llegaban recargados. Eliminar la voz en off, les había dado buenos resultados, pero ahora venían por más. Y la narración la hacen los sonidos ambientes y bandas sonoras reconocibles. Desde Jingle bells con ladridos de perro, hasta Ennio Morricone , rematando con Nelson y sus estrellas.

“En Cali, construyeron las tres cruces para que no entrara el diablo. Pero el diablo ya estaba adentro y no pudo volver a salir” – nos dice una voz de ultratumba y acto seguido, le dedican la película a Jovita Feijóo

“Cali: de película” quedo como testimonio de una ciudad que se fue. Alguna vez le pregunté a Poncho Ospina si esa ciudad soñada había existido de verdad o si ellos la habían inventado en la pintura, la literatura, la fotografía y el cine. “Es posible que nunca haya existido y que la hayamos creado en nuestros delirios”- contestó.

 

La tropa brava en rodaje. Jaime Acosta, Poncho, Mayolo, la mona Ute y la Rata Carvajal

 https://www.youtube.com/watch?v=OscPWk6Pydk

 

Sonido de Libertad : el tráfico de niños

 Se estrena “Sonido de libertad” una película que retoma la figura del héroe común y corriente que hace cosas extraordinarias. Imposible no pensar en “Taxi driver” y en “Hardcore” ambas escritas por Paul Schrader. En ambas , se busca rescatar a una mujer o una niña que está siendo explotada sexualmente. Nuestra película semanal para “Periodismo Libre”

https://www.youtube.com/watch?v=GzKt0ahRr60

Operación Jaque: 15 años después

 

El 2 de Julio del 2008 hubo pitos y timbales pues la seguridad democrática, con Santos y Uribe a la cabeza, anunciaba la liberación de Ingrid Betancourt y otros secuestrados en poder de las FARC. “Sin disparar ni un tiro”- dijo emocionado el reportero desde el lugar de los hechos. Sabemos que los documentales conspirativos son un género aparte. Pienso en el reportaje que duda de la llegada de los gringos a la luna. También se duda del ataque a las torres gemelas.

“Nos gusta la narrativa de no ficción, y vivimos tiempos ficticios, resultados electorales ficticios ganados por presidentes ficticios” – decía en la ceremonia del premio Oscar el gordo Michael Moore al recibir el galardón a mejor documental.

Hoy, 15 años después de la “Operación Jaque”, Gonzalo Guillén estrena el director cut de su documental “Una operación no tan maestra”. Lo que fue una negociación donde se compró a los captores, se mostró como una operación militar solo comparable a “Victoria en Entebbe”.

Esta operación ficticia, sucedió justamente cuando empezaron las sospechas de los falsos positivos y se necesitaba un golpe de opinión. Con el tiempo se ha ido develando los auto montajes del gobierno Uribe y las jugaditas de los funcionarios allegados. Al frente, estaban el general Mario Montoya y el comisionado de paz, hoy fugitivo, Luis Carlos Restrepo. A Montoya lo asedian todavía los muertos inocentes de los falsos positivos y Restrepo se voló cuando lo condenaron por falsas desmovilizaciones.

  Guillén desmonta uno a uno el juego de ilusiones en que se convirtió la tal operación de cartón. Aquí pueden verlo completo:

Operación Jaque

Cormac McCarthy, las novelas del sur , el cine y la maldad

 

Hace tiempo, nos pusimos a ver “The road “ en familia. La película es la adaptación de la novela mas famosa de Cormac McCarthy. Empieza el asunto y Viggo Mortensen le enseña a su hijo de 10 años a sobrevivir en un mundo apocalíptico: hay tribus caníbales por todos lados. Al que da papaya se lo manduquean. Escasea el agua. Hay que ser diestro con el arco y la flecha. El sueño del niño es conocer el mar y arrancan a pie sorteando todo tipo de riesgos mortales. Viggo añora:

“Una vez hubo truchas en los arroyos de la montaña. Podías verlas en la corriente ambarina allí donde los bordes blancos de sus aletas se agitaban suavemente en el agua. Olían a musgo en las manos. Se retorcían, bruñidas y musculosas. En sus lomos había dibujos vermiformes que eran mapas del mundo en su devenir. Mapas y laberintos. De una cosa que no tenía vuelta atrás. Ni posibilidad de arreglo. En las profundas cañadas donde vivían todo era más viejo que el hombre y murmuraba misterio.”

Ahora, la tierra era un campo lunar. Desértico y lleno de polvo. Ese viaje que emprenden padre e hijo, los lleva a conocer a los personajes más extremos, desarraigados. Terminó la película y las jovencitas del publico tomaron la decisión de no tener hijos. La mayor, estudiante de Ecología en ese momento, aseguró que era una gran decisión pues esta película empezará a hacerse realidad en el año 2050. “Yo no me preocupo- les dije- ese año ya seré abono”.

II

Las novelas de Cormac McCarthy han caído al cine en forma diversa.

THE ROAD (2009): Dirigida por John Hillcoat. Està entre mis favoritas, aunque sea tan pesimista y desoladora.

NO ES PAIS PARA VIEJOS ( 2007) Los hermanos Coen arrasaron ese año en los Oscar llevándose cuatro premios gordos: mejor película, mejor director, mejor guion y actor secundario para Javier Bardem. Casi nada. Una fiel adaptación. Un western crepuscular con la maldad al fondo. Un asesino en serie como nunca lo habíamos visto.

TODOS LOS CABALLOS BELLOS (2000) Billy Bob Thornton fue el primero que se fijó en la escritura potente de McCarthy. Aquí la frontera ya no es espacio de huida como en el cine de Sam Peckinpah, sino el paraíso perdido. Un paraíso que los yankees arrebataron a los mexicanos.

 

EL CONSEJERO (THE COUNSELOR) (2013) de Ridley Scott. No es adaptación, sino que es escrita directamente por el bueno de Cormac. La dupla de ensueño: el director de “Blade Runner” y el escritor de “Blood Meridian”. Los diálogos memorables, mostraron de lo que es capaz Cormac en Hollywood. Me recuerda en muchos aspectos a William Faulkner. No solo por la temática del viejo sur, sino por la coquetería con la industria del cine.

 THE SUNSET LIMITED (Al borde del suicidio) (2011). Tommy Lee Jones ya se había probado en el universo McCarthy interpretando al Sheriff en “No es país para viejos”. Y aquí dirige e interpreta un mano a mano con Samuel Jackson. Un duelo actoral memorable de dos hombres enfrentando a la muerte

 

THE CHILD OF GOD (2013) A James Franco le fascina la literatura del sur. No en vano también ha adaptado a Faulkner. Aquí están todos los ingredientes del maestro Cormac: La rabia, la venganza, la soledad extrema y el aislamiento.

Remato este inventario con un párrafo de la novela “Meridiano de sangre”. Hasta ahora, no ha podido ser adaptada al cine, cada vez que se ha intentado ha corrido con mala suerte:

 “Solo ahora se ha despojado completamente el niño de todo lo que ha sido. Sus orígenes son ya tan remotos como remoto es su destino y nunca más, por más vueltas que dé el mundo, encontrará territorios tan agrestes y bárbaros donde probar si la materia de la creación puede amoldarse a la voluntad humana o si el corazón no es más que arcilla de otra clase”

8 PELICULAS SOBRE SOBREVIVIENTES

 

(dedicado a los niños que aguantaron 40 días en la selva del Guaviare)

Todos crecimos con la imagen de Ana Frank encerrada en un armario apenas respirando o la historia de Robinson Crusoe en aquella edición de libro animado. También devorábamos, cada domingo, el comic de Tarzán criado por los gorilas. Ya se sabe que Colombia es un país de sobrevivientes: Los sobrevivientes de la UP, los del estallido, los de las masacres y los millones de héroes que llegan a fin de mes con el sueldo mínimo.

Aquí una selección de gente que le hizo pistola a la parca y desafió las leyes de la física.

1.          Viven (1993). El 13 octubre 1972, el avión donde viajaba equipo uruguayo de Rugby, se estrelló en los Andes peruanos a más de 4 mil metros de altura. Aguantaron 72 días con temperaturas que rayaron en los 40 grados bajo cero.  Solo sobrevivieron 16, incluso les tocó comer carne humana.

2.           Cerca de la libertad (1992). Cuando los británicos colonizaron Australia y Nueva Zelanda, crearon las casas de reeducación donde se separaba a los niños de su familia aborigen para “occidentalizarlos”. Tres niñas se les vuelan y caminan 1.400 kilómetros para ver de nuevo a su mamá. Más o menos como si camináramos desde Cali al departamento de la Guajira.

3.           Simone, la mujer del siglo. ( 2022) No se puede entender la Europa actual sin las luchas de Simone Veil. Liberada a la fuerza de Auschwitz a los 18 años, caminó la marcha de la muerte escoltada por los nazis que huían de los rusos. En esa marcha al que iba desfalleciendo lo iban fusilando. Simone logró salir con vida después de un mes caminando y comiendo barro y la vegetación que encontraban. Fue ministra de salud en Francia y la primera mujer en presidir el parlamento europeo. Muchas de las leyes que impulsó, hoy son leyes aprobadas en el mundo entero.

4.          El pequeño salvaje (1970) Francois Truffaut era el único capaz de contarnos que pasó con este niño de 12 años encontrado en el corazón del bosque. No tenía lenguaje, era una especie de eslabón perdido. Años más tarde, Jodie Foster protagonizaría “Nell” basada en un caso similar.

5.          Camino a la libertad (2010) Peter Weir nos cuenta la fuga real de varios presos en un Gulag soviético en 1940. Caminan casi 5 mil kilómetros desde Siberia hasta coronar la India.

6.          El señor de las moscas .(1990) al año siguiente de Gabo, William Golding recibió el premio Nobel gracias a esta novela brillante. Me encantan las dos versiones cinematográficas: la de Peter Brook y la de Harry Hook. Un avión que transportaba a un grupo de niños cae en alguna isla del pacifico sur. No sobrevive ningún adulto. Los niños deberán no solo conseguir alimento sino establecer relaciones de convivencia.

7.           La tumba de las luciérnagas (1988) Se han realizado dos versiones con actores reales y una en dibujos animados. Me quedo con ésta última. Auténtica obra maestra de la sobrevivencia. Dos niños, hijos de un militar japonés, corren de un lado a otro ante el bombardeo de la aviación norteamericana durante la segunda guerra mundial. El director no podría ser otro que el maestro Isao Takahata.

8.          El triángulo de la tristeza ( 2022) ganadora de la Palma de oro 2022 y nominada al Oscar 2023, pueden encontrar el comentario entusiasta aquí: http://ventanadelcine.blogspot.com/search?q=tristeza

CARTA ABIERTA A JOHN CASSAVETES. Por Jim Jarmusch

 

Siento algo muy particular cada vez que me dispongo a ver una de sus películas. Un sentimiento de anticipación: la llegada de algo que he esperado con ansiedad, una especie de iluminación cinematográfica. Espero un estallido de inspiración. Quiero ser un iluminado. Necesito que se me revelen las consecuencias secretas del corte de una escena a otra. Necesito entender cómo la crudeza de las posiciones de cámara o el granulado del material inciden en la ecuación emocional de sus films. Quiero aprender de actuación a partir de los personajes, saber sobre la atmósfera y la luz de determinados escenarios. Estoy listo, preparado para absorber “la verdad a veinticuatro cuadros por segundo”.

Pero lo que ocurre es que empieza la película, y la película me mete adentro, y de golpe estoy perdido en la oscuridad, solo, y los seres humanos ahora viven en ese mundo dentro de la pantalla y también ellos parecen perdidos y solos. Los miro. Observo cada detalle de sus movimientos; escucho con atención lo que dicen, los bordes gastados del tono de una voz, la malicia escondida en un fraseo. Ya no pienso en la “actuación”, ni en el “guión”, ni en la “cámara”.

La iluminación que esperaba recibir de usted ha sido reemplazada por otra. Una iluminación que no invita al análisis; sólo a la observación y la intuición. Sus películas, John Cassavetes, son sobre el amor, la confianza y la desconfianza; sobre la soledad, el gozo, la tristeza, el éxtasis y la estupidez. Son sobre la inquietud, la ebriedad, la resistencia y la lujuria; sobre el humor, la terquedad, la falta de comunicación y el miedo. Pero básicamente son sobre el amor, y uno se ve arrastrado a un lugar mucho más profundo que el que puede mostrar cualquier estudio sobre la “forma narrativa”. Lo que sus films iluminan y terminan revelando es que una cosa es el celuloide y otra son la belleza, la extrañeza y la complejidad de la experiencia humana.

John Cassavetes, me saco el sombrero. Y me lo pongo sobre el corazón.

VANGELIS, MÙSICA EXTRAÑA PARA UN PUBERTO

                             

 Blade Runner la estrenaron en el Cinema 1. No duró casi nada en cartelera porque no gustó. El voz-a-voz de radio bemba regó el cuento de que era confusa y oscura. Que había basura por todas partes. Hasta críticos respetables como Roger Ebert, Leonard Maltin  y Diego Galán le dieron duro.

"Nunca me interesaron los personajes, solo me gustaron los efectos especiales; es una película bonita de mirar, pero por la que resulta difícil preocuparse", apuntó Ebert. “Es un desastre en lo relativo a narración"- sentenciò Maltin. Y Galán la remató: "Más parece en ocasiones un spot televisivo que una película hecha seriamente. Debería costar menos la entrada"

El caso es que los pelaos del colegio salimos deslumbrados. Sólo conocíamos a Harrison Ford por su papel en “La guerra de las galaxias”.

También fue un fracaso de taquilla en el mundo entero. En fin, no iba a hablar de “Blade Runner” sino de su banda sonora. En ese momento era un sonido extraño. Nuestros oídos estaban preparados para el timbal de Tito Puente y los toques de la Fania. ¿De dónde habían salido esos sonidos metálicos? En la casa musical Alcibiades Bedoya habían traído el vinilo de la banda sonora. “Por error”- nos dijo el empleado en voz baja. Porque, ¿“a quien se le ocurre sentarse a escuchar eso en la casa?”. “Tal vez con un cacho de marihuana”- se respondía a sí mismo.

Vangelis no fue un músico prolífico en el cine como si lo fue un Ennio Morricone, por ejemplo. 15 películas parecen poco, pero lo de él era experimentar con muchas posibilidades y el cine era una más.

Más tarde, cuando hacíamos televisión agarramos el LP de “Carros de fuego” y le dimos como a violín prestado. En ese tiempo no había problema con los derechos de autor. En Hollywood no sabían que existíamos, de manera que se ambientaba con Vangelis cuanta cosa se estaba editando. Esa es su banda sonora más pegajosa y por la que ganó el Oscar.

Aquí mi lista del top de Vangelis en el cine.

1.Carros de Fuego

2. Blade Runner

3. Desaparecido

4. El año en que vivimos peligrosamente

5. Lunas de hiel

6. 1492: la conquista del paraíso

7. El Greco

8. Francesco

DOBLETE, CINE CONTINUO

 

Como en los viejos tiempos, hoy nos fuimos de doblete en el cine club de los sábados. Dos películas independientes, de bajo presupuesto, Yo le llamo "Oscares Chiquitos" a estas películas que clasifican a los Premios de la Academia que retratan pequeños universos y , a la vez, grandes dramas.

CAUSEWAY con la bella Jennifer Lawrence recién llegada de la guerra de Afganistán. Ya hemos visto el retorno del soldado a su país ? Si. Muchas veces. “Nacido el 4 de Julio” y “Regreso sin gloria”, por ejemplo. Acá no hay espectacularidad, ni siquiera escenas de guerra atronadoras. Jennifer regresa, no a pedir empleo como los excombatientes sino que se quiere curar para volver a la batalla. El escenario no podía ser otro que Nueva Orléans. Microcosmos donde se encuentran los dos personajes: Ella vuelve de la guerra enferma y él que nunca fue a la guerra vivió su propia guerrita interior y se encuentra mas mutilado que ella.

El título de la película remite a la acera larga que atraviesa un lago. Y el lago, como no, es el Pontchartrain que tiene uno de los puentes mas largos del mundo. Los personajes sufrirán y   encontrarán el agua como elemento purificador.

“EL IMPERIO DE LA LUZ” narra la muerte lenta de un teatro inglés en 1981. ¿Porque ese año? Es el año de “Carros de Fuego”, de “Cazadores del arca perdida”, “Reds”, “Mefisto”.  Es un año de quiebre en muchos sentidos. Es la popularización de la cinta de Betamax que llevaría el cine a la sala de la casa. Es el año en que Reagan y Margaret Thatcher nos metieron en la mentira del neoliberalismo, Y el año en que el imperio inglés se asusta porque las colonias que antes había saqueado, ahora mandan a sus habitantes negros a buscar trabajo a Londres.

En muchas ciudades del mundo, existió un teatro llamado “Imperio” pues se acuñó la máxima de que “el cine es el imperio de la luz”. Aquí en Cali existió uno en el barrio Belalcázar. Aunque el teatro de esta película se parece más al teatro Aristi, con su bello tapizado y el estilo art decó. Interesante que un director como Sam Mendes se le mida a una película de pequeña producción habiendo dirigido producciones de James Bond. Estuvo nominada a mejor fotografía, pero no ganó. El maestro Roger Deakins ya lo ha ganado todo.

FREUD : EL SECRETO DE ESTANISLAO ZULETA

 Uno de los placeres del cineclubista de antaño consistía en entrar a una bodega de películas de 35 m.m. En Cali había varias: la de Egidio Linares en Versalles, la de Mario Perlaza en San Nicolás, la de Elephant films en San Vicente, la de Cine Colombia en San Nicolás. El olor de las bodegas era único. Uno sentía el aroma de Marilyn (¿los caballeros las prefieren rubias?), de Brigitte (¿Y Dios creó a la mujer?), el olor a pólvora (¿El pequeño gran hombre?), el aroma del coño (¿El imperio de los sentidos?)

Sartre y Huston : amores difíciles

Eso hoy suena a Prehistoria, pero no es una galaxia muy lejana. Estamos hablando de los años noventa en el Cine Ojo del Teatro Calima. Una película tenía entre 5 y 8 rollos dependiendo de su duración. Cada rollo duraba 20 minutos por lo que era imprescindible que la sala estuviera equipada con dos proyectores para no interrumpir la película cada 20 minutos. Una película, que hoy cabe en una memoria USB, ocupaba la cajuela de un automóvil. La cultura pesaba mucho.

En medio del cine malo (que era la mayoría de títulos como siempre, como ahora) se hallaba una que otra película de autor, una joya de colección. Era como encontrar un delfín rosado en un mar infestado de pirañas.

Le montamos cacería a “Freud: Pasiones secretas” dirigida por John Huston. Estanislao Zuleta nos había advertido en la cafetería de Univalle:

- Si la encuentran les tengo una sorpresa

Empezamos el rastreo. No sabíamos si aún existía porque las copias se dañaban de tanto proyectarlas y la película había rodado en todos los cineclubes de Colombia. Aunque no era de las favoritas del cine club de Cali, la habían programado un par de veces.

Y la encontramos. Por allá en medio de porno-chanchadas y comedietas, reposaba el psicoanalista impasible interpretado por Montgomery Clift.

El Facebook de nuestra época era el cartel de la editorial La Linterna que se imprimía con caracteres de plomo. El cartelito se pegaba en el muro con engrudo de almidón de yuca.  Y una brochita.

SOÑAR ES DE MALA FE.

Teatro lleno en Unicentro. Break para almorzar y auditorio hasta las banderas en la U. Zuleta llega a mediacaña con un mamotreto debajo del brazo. Unas 800 hojas fotocopiadas en francés:

-      ¿Saben que esto? - Y levantó las hojas en abanico - Es el guion escrito por Sartre. Quien luego abominó de la película y pidió que lo sacaran de los créditos

Es cierto que la relación de Huston con Sartre fue la peor. “Una cosa peor que un genio, son dos genios” – me dijo una vez Fernando Trueba.

Huston revisó el guion y decidió que la película no podía ser muy larga:

-      Un espectador de Texas puede ver tres horas de gladiadores, pero no de complejos y paranoias.

Escogió la parte que le pareció mas atractiva. Esto es, el Freud joven que duda y casi abandona la búsqueda. Nos perdimos de ver a Marilyn Monroe en el papel de Cecily . La versión mas ajustada es que el psicoanalista de Marilyn le sugirió que rechazara el papel porque se podría enloquecer mas. ¡Una histérica interpretando a una histérica!

Es una lástima que en aquel momento carecíamos de los recursos audiovisuales de ahora. Nadie grabó la charla de 4 horas donde el maestro se paseó por la filosofía, el cine y el psicoanálisis. Nos echaron del auditorio y nos fuimos, de remate, a bailar pachanga en casa de Estanislao.

Aquí, pueden descargar el guion en español y en impecable edición.

https://www.mediafire.com/file/s42t1q85d3x5n86/Sartre_-_Freud._Un_gui%25C3%25B3n.pdf/file