DICIEMBRE DE CINE en el centro cultural de Cali

  

CINECLUB

DICIEMBRE 2022

Entrada libre

Centro Cultural de Cali

Cra. 5 #6-05.  Sala 218

Jueves 1 de Diciembre

Continuando con la proyección de cortos de colegios, esta vez un colegio público nos muestra la creatividad audiovisual de sus alumnos

MUESTRA DE CORTOS I.E TÉCNICO INDUSTRIAL MULTIPROPÓSITO 

Ciclo: Cortos de colegio

1.  Arrocito en bajo

COLOMBIA/ 8 MIN / 2019/

Dirección: Laura Martinez

2.  Irreversible (2019)

COLOMBIA/ 9 min/2019

Director: Leonardo Alonzo Quebrada

3.  Camino solitario

COLOMBIA/ 7 min/2019

Directora: Yurley Andrea Arias

4.  Cruzando la linea

COLOMBIA/ 7 min/2019

Directora: Valentina Tapias

5.  Encontraré mi camino

COLOMBIA/ 12 min/2021

Director: Victor Méndez

6.  El carnicero

COLOMBIA/ 6 min/2019

Director: Alejandro Giraldo

7.  Cambiando de fierro

COLOMBIA/14 MIN/2014

Directora: Kelly Sandoval

 Martes 6 de diciembre

 LOS AMIGOS DE PETER

Reino unido/102 min/ 1992

Ciclo: Día mundial de la lucha contra el SIDA

El SIDA irrumpió en la humanidad como un virus letal. El cine se preocupó desde un comienzo, en contar estas historias para dar aliento y esperanza

Peter (Stephen Fry) invita a sus mejores amigos, a los que no ve desde hace años, a celebrar la Nochevieja en su mansión: son los amigos entrañables del colegio, con los que representaba obras de teatro y revistas musicales. Juntos se divierten, pero también salen a relucir sus problemas, sus sueños y esperanzas rotas, pero lo que ninguno imagina es la sorpresa que Peter les tiene reservada para el final de la fiesta.

Martes 13 de diciembre

PRIDE (ORGULLO)

Ciclo: Celebración mundial de los derechos humanos

Reino Unido/120 min/2014

Dirección: Matthew Warchus

El 10 de diciembre de 1948, las Naciones Unidad adoptaron la declaración universal de los Derechos Humanos. Desde entonces, se celebran los 30 artículos de la declaración

En el verano de 1984, siendo primera ministra Margaret Thatcher, el Sindicato Nacional de Mineros (NUM) convoca una huelga. Durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres, un grupo de lesbianas y gays se dedica a recaudar fondos para ayudar a las familias de los trabajadores, pero el sindicato no acepta el dinero. El grupo decide entonces ponerse en contacto directo con los mineros y van a un pueblecito de Gales. Empieza así la curiosa historia de dos comunidades totalmente diferentes que se unen por una causa común

Jueves 15 de diciembre

HARRIET

Ciclo: Celebración mundial de la abolición de la esclavitud

USA/125 MIN/2019

Director: Kasi Lemmons

Una valiente esclava corrió 300 kilómetros para conquistar la libertad. Basada en hechos reales

Historia basada en la abolicionista Harriet Tubman (Cynthia Erivo), que liberó a numerosos esclavos tras haber escapado ella misma de la esclavitud en 1849

 Martes 20 de diciembre

QUE BELLO ES VIVIR

Ciclo: Homenaje a la navidad

USA/ 130 min/ 1946

Director: Frank Capra

La película más bella, más poética, cuya historia sucede en Navidad. Un relato de redención

George Bailey (James Stewart) es un honrado y modesto ciudadano que dirige y mantiene a flote un pequeño banco familiar, a pesar de los intentos de un poderoso banquero por arruinarlo. El día de Nochebuena de 1945, abrumado por la repentina desaparición de una importante suma de dinero, que supondría no solo la quiebra de su banco, sino también un gran escándalo, decide suicidarse, pero cuando está a punto de hacerlo ocurre algo extraordinario.

 Jueves 22 de diciembre

¡Lumière! Comienza la aventura

Ciclo: Homenaje al nacimiento del cine

Francia/ 2016/ Thierry Fremaux

El cine nació el 28 de diciembre de 1895 en París. Los responsables fueron los hermanos Lumiere. Aquí su aventura, la aventura del nacimiento del arte del siglo XXI

En 1895, los hermanos Lumière inventaron el cinematógrafo y dirigieron unas de las primeras películas de la historia del cine. El documental, dirigido por Thierry Frémaux (director del Festival de Cannes desde 2001 y del director del Instituto Lumière de Lyon), ofrece una selección de 108 películas restauradas que nos muestran un viaje a los orígenes del cine. Son una mirada única sobre Francia, el séptimo arte y el mundo que inaugura el siglo XX

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EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA: EL POSEIDÓN DEL CAPITALISMO

 

Ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2022

¿Puede un director empezar con Robert Altman (inicio) seguir con Fellini (desarrollo) y rematar con Luis Buñuel ( fin)? “El Triángulo de la tristeza” tiene tres actos, tres ángulos. Cada constelación avanza como la santísima trinidad de la dramaturgia. Tres actos distintos y una película verdadera.

Ruben Östlund, el sueco que se burla de la condición humana, ya se había mofado del arte contemporáneo en “The Square”. Ahora viene recargado y más ácido.

“El triángulo de la tristeza” nos regala un inicio a lo Altman (quien supo mirar el mundo de la moda en “Pret a porter”) pero va más allá y aquí nos retrata el mundo de la carne: los modelos. Luego los personajes se lanzan al crucero como el Fellini de “Y la nave va” (aunque con sorpresitas a bordo) para rematar como el Buñuel de “El ángel exterminador” y “Robinson Crusoe”

Es cierto que Östlund es una suma postmodernista de discursos diversos y nos prepara para darle duro al capitalismo desde el capitalismo mismo.

Charlbi Dean hermosa protagonista, fallecida en extrañas circunstancias en agosto de 2022.

¿Es posible desmontar este mundo desigual para armar uno mejor? ¿Se agotaron tanto el socialismo como el capitalismo? ¿De desigualdad nadie se ha muerto, como lo expresó un analfabeto colombiano? A Ruben Östlund no le interesa adoctrinar a nadie. De hecho, me parece el más anarquista de los directores actuales. Y más anarco que Buñuel ya son palabras mayores.

Un poco también como “El señor de las moscas” aunque con un pesimismo elevado al millón. “El triángulo de la tristeza” deslumbra, emociona, nos hace reír con culpas, con un final amargo que nos recuerda que el ser humano está condenado a la auto-destrucción, pues es la única especie que asesina por puro placer. Y la especie que prefiere destruir el planeta que cambiar la economía.

PURA SANGRE, 40 AÑOS DESPUÉS

 

Por Alberto Ramos Garbiras.

(Nota del Blogger: Este texto fue publicado originalmente por el autor en el diario “El Pais” de Cali, hacia marzo de 1983, lo reproducimos tal cual se publicó en su momento con motivo de los 40 años de la película dirigida por Luis Ospina)

Durante el XXII Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, "Pura Sangre" del director caleño Luis Ospina obtuvo 2 Indias catalina por el mejor sonido, a cargo P. Pearle y por la mejor actriz Florina Lemaitre. Este largometraje argumental, sobre el cual existían todas las expectativas para obtener el 1er. premio, recrea la historia del monstruo de los Mangones que asoló a Cali durante la década del 60s . Luis Ospina demostró su capacidad creativa pero no logró la obra anunciada. La historia se cae por la misma pasividad de los protagonistas y la ausencia de la violencia. El horror, el terror, los nervios crispados, no existen. Se había anunciado con estos ingredientes y la violencia se esfuma, la sangre queda reducida en bolsas de plástico. No es que se exija truculencia ,demencia y derroche de efectos especiales, como en "El Hombre Lobo en Londres" de John Landis o en "Zombie" de George Romero; pero si un mínimo espectacularidad en la acción. Todo se soluciona con simples cortes de plano (elipsis).

 

Facsímil de la publicación original

“Pura Sangre'', recrea también la a nocturna caleña y la fraseología de personajes medios de la ciudad, a través de los actores Humberto Arango y Carlos Mayolo. Los contrapuntos  incluidos denotan la habilidad del director. Es el caso del plano sobre el acuario ubicado a un lado del escritorio donde el hijo de Roberto Hurtado dialoga con el médico extranjero sobre él tratamiento curativo a seguir: las transfusiones. Una vez se explica el método para la sobrevivencia del monstruo, se observa con mayor énfasis cómo un cofre sumergido en el acuario ,se abre y se cierra, lleno de joyas; coetáneamente un esqueleto en miniatura se mece con fruición, indican pues estos objetos el valor del tratamiento y la presencia de la muerte sin lugar a dudas es un bello contrapunto.

 

Otro contrapunto acertado es el del palillo ensangrentado mientras Carlos Mayolo, solicita sangre, antes de iniciar la racha de asesinatos, afuera en el vehículo lo espera Luis Alberto García (Adolfo Hurtado), quien al extraer el palillo se da cuenta de su encía sangrante. Este efecto, también es premonitorio. El plano medio donde emerge la sombra del monstruo de los mangones, hasta ocupar toda la pantalla es sin lugar a equívocos de una perfección completa. Lamentablemente este recurso se utiliza 2 veces más, haciéndole perder el valor inicial dentro de la totalidad del film.

Gilberto Forero (Mr Fly) que desempeña el rol del monstruo (según el guion él no sabía que era monstruo Falencia – Ingenua), posee buena fisicidad, como diría Robin Wood, refiriéndose a los personajes de Arthur Penn. Ese acertado aspecto físico para el papel, se pierde con la falta compaginación de su voz para con el personaje enfermo, acabado, extenuado. El público se ríe cada vez que habla, es una voz vigorosa, juvenil que aísla y desdobla al personaje. Sin exageración y ánimo vituperatorio, allí se encuentra la mayor falla. Carlos Mayolo, logró un personaje cínico y demoledor, aunque se observa muy marcado por el guión.

Dos momentos de la película nos recuerdan y remiten ineluctablemente a filmes anteriores. Cuando Carlos Mayolo en su humilde casa, dentro del cuarto de fotografía hace posar a la niña que vive su primera comunión, el cinismo no se hace esperar y la remisión a Dios es satírica; esta secuencia es similar a la de "Ensayo de un Crimen", de Buñuel, cuando Archibaldo induce a Carlota para que rece e invoque a Dios. Es similar en la forma y el contenido, sólo difieren en la conducta del personaje. La niña de "Pura Sangre" es inocente e inconsciente y Mayolo consciente de la fanfarronada; la mujer de “Ensayo de un Crimen" es consciente de su conducta y de su pre- adulterio, y archibaldo consciente de la fanfarronada. En ambos films el sujeto activo se burla y el pasivo difiere pero acata las sugerencias: en ambos está presente el corrosivo cuestionamiento a la moral-cristiana.

El otro momento lo encontramos en la escena donde Roberto Hurtado se percata del origen de la sangre. Posteriormente en disputa con su hijo Adolfo rechaza esa conducta. Esa ingenuidad del personaje, ese vampirismo indeseado, no consentido, debilita la "calidad" del protagonista, por lo menos la que debía tener Klaus Kinski, un vampiro tan débil y humano en "Nosferatu", se deja extinguir por un rayo de sol para poder lograr el goce sexual con Isabela Adjani, pero alcanza su goce; el monstruo de Ospina destapa su vulnerabilidad (enemistándose con su hijo-protector, sin alcanzar el goce (obsérvese que ni satisfacción erótica con la enfermera, que el espectador imaginaba cuando le frota los pies); en el vampiro de Herzog existe la recompensa, el vampiro de Ospina no pide nada a cambio, he allí la gratuidad de su muerte: ambos eran vitales: dependían de la sangre.

La muerte de Nosferatu tiene un clima creado (la espera del amanecer), lógico, es el personaje central. La muerte de Hurtado se produce sin clima suficiente, desaprovechándose el suspenso. Pero esta falencia tiene inmediatamente su contraprestación. Al eliminarse el motivo de la hemofilia criminal y cesar los crímenes, con desfachatez los personajes secundarios instauran la Milagrería (explicada y justificada en el sermón del entierro, antes no); la suciedad de sus conductas encuentra allí la máxima expresión, escena que resalta toda la ingenuidad de un pueblo que pide favores por la exaltación de terceros, pero que desconoce la proveniencia del "santo". Pueblo desalentado y famélico que acude a cualquier Dorita(en Piendamo) o, a cualquier Leo S. Koop(en Bogotá).

Christian - Metz refiriéndose al concepto de lo verosímil después de la interpretación Aristotélica, dice... "es verosímil lo que se adapta a las leyes de un género pre-establecido. En ambos casos, lo verosímil se define respecto a los discursos, es más, a los discursos ya pronunciados, y, por consiguiente, se presenta como un efecto de corpus: las leyes de un género se obtienen de las obras precedentes de dicho género, es decir de toda una serie de discursos...". (1).

El género de terror ya con variantes múltiples ha abandonado el desangre natural (Succión), para abordar el desangre sofisticado (mutilaciones truculentas) y un subgénero como el horror, que estaría por definirse y adquirir su propio espacio, tiene inevitablemente que tomar elementos del terror o convivir con él (sucede lo mismo con el cine de Gánsteres y el cine negro o policíaco); entonces se podría justificar esa debilidad del vampiro, solamente después de las desmitificaciones que ha sufrido por ejemplo con un Mel Brooks. Esa sería la única explicación.

Las declaraciones del "negro-asesino", están nutridas de un texto acucioso de confesión, e inteligente del contenido. Allí está condensado todo el humor del director. Es de una hilaridad total. Lástima que no se haya filmado en betamax, para darle al espectador la presencia de la verdadera entrevista, y no tener que acudir al desplazamiento de la cámara desde atrás del televisor. Lo mismo con las declaraciones del reportero Ramiro Arbeláez.

Indudablemente "Pura Sangre" funcionará en el mercado colombiano y en el mercado latinoamericano, pero es una película que no trascenderá en el mercado internacional, no por herodianismo hacia las producciones de terror de "La Universal" sino por carencia de terror. De todas maneras es una película talentosa y de buena factura, atravesada por un humor corrosivo.

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(1) Christian Metz. "El decir y lo Dicho en el Cine". Escrito insertado dentro de la compilación "Problemas del Nuevo Cine". Alianza Editorial. Madrid 1971. Página 46.

RODANDO EN EL COLEGIO: NUNCA EL FUTURO FUE TAN CORTO

 

En una década muy, muy lejana también se soñaba con realizar algún tipo de audiovisual en el colegio. Pero el cine es un arte que se encuentra ligado íntimamente a la tecnología. Sin juguetes no hay cine. Es el arte del descreste. Por eso, en esa década lejana era impensable para un muchacho de colegio realizar un filminuto. La cámara BetaMovie aguantaba, el problema era el sonido y la edición. 

El sonido se disimulaba si ponías la lente cerca a la cara del actor. Es decir, se grababa en primeros planos (“apréndale a Bergman”- decían los más cuchos). El otro truco consistía en decir todos los textos en off. Entonces grababas las reflexiones en un closet bien alejado del mundanal ruido. (“apréndale a Jairo Pinilla”- aconsejaban otros). Sabido es que al gran Pinilla no le gustaban las voces de sus actores, entonces filmaba la escena pero en vez de los diálogos, los actores parlaban  “mil uno, mil dos mil tres...”  Luego contrataba locutores de voces potentes que doblaban los diálogos reales. Y editar? Por culpa de la edición, toda mi generación sufre de úlcera temprana.

 El único libro de cine que se conseguía era “El cine según Hitchcock” y eso porque Tovar (el ricachón del salón) lo había traído de México en la famosa edición de Alianza. La fotocopia del librito circulaba de mano en mano pero provocaba otra úlcera: era imposible ver las películas que mencionaban Truffaut y el Gordo. De pronto un cine club reponía “La Ventana Indiscreta” y vale… vamos a leer como la hizo. Pero, salvo las famosas cinco películas que restauraron, no había forma de videar más títulos Hitchcockianos. De manera que sólo sabíamos que para el Gordo la fase más importante del proceso era el montaje. Allí el hombre estaba en su salsa. 

Nosotros juntamos dos Betamax para ir compaginando escenas, Pero era imposible. El corte que dejaba el Betamax era un machetazo. Un atentado al arte del découpage . Aquellos cortos podían tener alguna idea interesante que moría en el proceso.

DEL GORDOMETRAJE AL CORTO

Hoy, la cosa ha cambiado radicalmente. Se puede realizar un corto de mil formas: con teléfono, con cámara chiviada, con Tablet, con cámara de vigilancia. Y se puede editar de otras mil formas: con software chiviado, con el computador del colegio, en el mismo teléfono. ¿Y el sonido?  Perfecto: un, dos, tres, probando. Lo que hay que tener es una historia que contar.

¿Y las referencias cinéfilas? Hay muchas, estos chicos ya nacieron con Youtube. Pertenecen a una generación que, mientras salían del vientre materno, se tomaban una selfi.  Se miran todos los días en los miles de espejos del mundo. Y eso quiere decir que su disposición para la imagen es total. Pueden bajar en PDF “El cine según Hitchocock” y ver una por una las películas del Gordo mientras leen cómo las filmó y editó. Ah y el video juego….

Por ello, la sala audiovisual del centro cultural de Cali, iniciará este martes 29 de noviembre a las 5 p.m la muestra de cortometrajes de los colegios   . Nunca el futuro fue tan corto y poco a poco nos acercamos a lo que será una gran muestra de video estudiantil. 

Salud!!

MARTES 29 DE noviembre de 2022

Centro cultural de Cali 5 p.m

MUESTRA DE CORTOS DE COLEGIOS

Cortos del Liceo Francés Paul Valery

SANDRO ( 2015)

Directora : Maria Camila Franco

13 min

ONCE  (2015)

Director: Juan Manuel Dorado

18 min.

CARRUSEL (2016)

Directora: Valeria Diago

14 Min

MÀSCARAS ( 2016)

Melissa Muñoz

14 Min

CIRCULO NOCTURNO DE ANIMALES ( 2017)

Directora: Sofia Quintero

15 min.

JUEVES 1 DE DICIEMBRE

MUESTRA DE CORTOS I.E TÉCNICO INDUSTRIAL MULTIPROPÓSITO

Ciclo: Cortos de colegio

1.  Arrocito en bajo

COLOMBIA/ 8 MIN / 2019/

Dirección: Laura Martinez

2.  Irreversible (2019)

COLOMBIA/ 9 min/2019

Director: Leonardo Alonzo Quebrada

3.  Camino solitario

COLOMBIA/ 7 min/2019

Directora: Yurley Andrea Arias

4.  Cruzando la linea

COLOMBIA/ 7 min/2019

Directora: Valentina Tapias

5.  Encontraré mi camino

COLOMBIA/ 12 min/2021

Director: Victor Méndez

6.  El carnicero

COLOMBIA/ 6 min/2019

Director: Alejandro Giraldo

7.  Cambiando de fierro

COLOMBIA/14 MIN/2014

Directora: Kelly Sandoval

GOLES EN CONTRA: COMENTARIO DE ALGUIEN QUE NO LE JALA AL FÚTBOL

 

Dejé de ver fútbol hace mucho tiempo. Estando en la primaria de la escuela San Roque, disfruté del amague de Willington Ortiz al Pato Fillol. Y ahí me quedé. Hasta la gorda Matosas quedó descaderada esa noche. Pertenezco a la generación que nunca había visto a Colombia en un mundial. De manera que Italia 90 fue el bálsamo del retorno.

" GOLES EN CONTRA" , miniserie de 6 capítulos, abarca un periodo de tiempo convulso ( existe algún periodo de nuestra historia que no sea convulso?) . Va desde 1987 cuando Francisco Maturana asume la dirección técnica del Atlético Nacional hasta el 2 de Julio de 1994 cuando asesinan a quemarropa a Andrés Escobar. Siete años donde ocurrió de todo. El Eme hizo la paz, volaron El Espectador, volaron el avión de Avianca, murió la vieja Constitución, nació la nueva, mataron a los candidatos que habrían podido cambiar a Colombia, masacraron a la UP, vino Yair Klein. En fin.

FUTBOL Y BALA

Hay un documental que me gusta mucho, “La patada final” ( 1994), donde 40 cineastas cuentan lo que sucede en sus respectivos países mientras se está jugando la final de la Copa Mundo USA-94. En sitios remotos de Rusia, Los pirineos, Irán, los andes bolivianos…Pero el segmento de Colombia rompe con todo: Víctor Gaviria no muestra a la gente frente al TV, sino que va a la escena del crimen de Andrés Escobar.

“Goles en contra” cuenta un desenlace que ya conocemos. El asesino es el lavaperros. El héroe muere acribillado. El capo muere acorralado en un tejado. Ya conté todo y, sin embargo, el guion te atrapa. ¿Cómo lo hace? Porque “Goles en contra” no es una miniserie sobre el futbol, sino sobre un país que cuenta muertos como quien canta goles. El futbol es el pretexto para llevarnos a la fosa común.

Las élites lo saben, de manera que desde tiempos remotos se lee el mismo titular: “La selección mantiene al país unido”. Los que nos dividen son las élites.

Me late que de todas las subtramas la más fascinante es la de Maturana. ¿Lo puedo comparar con Valdano, a riesgo de aparecer flotando en el rio Cauca? Si, ya sé que los sabios del Face me gritan que Valdano fue campeón mundial y es literato fino. Pero Maturana, le cambió la mirada al futbol. “Se juega como se vive”, “Perder es ganar un poco” “Aristizábal es el mejor jugador del mundo sin balón”. En medio de sus dichos, el odontólogo es sabio y sobrio, en un país donde escasean esas dos virtudes. Y el actor logra un perfomance perfecto. La mirada, el verso, la idea de que la selección representa a las  regiones de acuerdo a la geografía: paisas conservadores van para la defensa, los alegres costeños ponen la gambeta, los pujantes vallunos van adelante como una tromba.

“Goles en Contra” nos deja una lección amarga: Colombia es un país delirante. Eso ya lo sabíamos gracias a Gabo, A Victor Gaviria  y a otros.  Pero el delirio aquí es como lo decía Lacan: “es así el intento de curación del sujeto como respuesta a lo real del lenguaje”. Ya ven, Maturana intentó racionalizar la locura, moldear la tragedia.

BOMBA CAMARÁ

Los realizadores se la juegan con la cámara cenital. Con ello, se ahorran el plano multitudinario al estilo “El secreto de sus ojos” o “Invictus”. Combinan la crudeza del noticiero con la ficción de los personajes: ¿al que vemos es al malogrado Felipe Pérez o al “Torito” Cañas? ¿La gerente del equipo, está inspirada en una legendaria dirigente caleña?

Los personajes viajan en medio de los vasos comunicantes de la realidad y la ficción. No hay nada más ficcionado que el noticiero nacional. De ahi, nos queda la amargura de la repetición. Al final sólo cambiamos de cartel, porque al igual que el personaje de Luchino Visconti: “hay que cambiar para que todo siga igual”. Y, en la secuencia final, el proceso ocho mil siguió la cosa igual (o peor).

 

LAS PELICULAS DEL NOBEL 2022: LA AUTO FICCIÓN NUNCA SE HA IDO

 

Cada año por la época escorpión, otorgan el premio Nobel de literatura y uno, muy preocupado, corre hacia la librería Nacional a comprar, aunque sea, un libro y poder escribir en el Face: “me leí uno del nuevo Nobel de literatura”. Pero este año (el año de los grandes quiebres) me pasó que, cuando me ajustaba los zapatos para correr hasta la librería, llegan por distintas vías 9 novelas de Annie Ernaux en PDF. ¡Si nueve!! Me siento nuevecito.

Eso necesita una metodología. La mejor es iniciar viendo las tres películas basadas en tres de sus novelas. Para luego proceder a leer las novelas que inspiraron a los cineastas.

L'autre. 2008 Co-Dirección:Patrick-Mario Bernard, Pierre Trividic Basada en la novela 'L'occupation'

Fue la primera en adaptarse al cine. Si bien la idea de “el otro” la han trabajado desde Dostowieski a Borges, desde Poe a Saramago, Annie Arnaux también le mete muela llevándonos a una atmosfera asfixiante. ¿Que son los celos? “la escritura, a fin de cuentas, es como unos celos de lo real”, responde Ernaux.

Passion simple 2020 dirección Danielle Arbid. Basada en la novela “Pura Pasiòn”

Si en “L`autre” eran los celos posesivos en “Passion simple”  es dejarse llevar para compartir nada más el cuerpo del amante. Los placeres de la carne con el diplomático ruso. No sabemos muy bien si es diplomático, espia, farsante. Ella tampoco lo sabe. A ella solo le interesa compartir la piel mientras el hombre la visite.

El acontecimiento.2021. Dirección: Audrey Diwan. Basada en la novela homónima.

Si en las dos anteriores existía el otro para bien o para mal, en “El acontecimiento”, no hay otro. Aquí la lucha en contra su propio cuerpo.  El otro es la descendencia, el feto que la convertirá en una ama de casa cuando lo que ella desea es escribir y escribir.

Como a Annie Arnaux le clavaron la chapa de “Auto ficción” es inevitable ver las películas o leer sus novelas y pensar: “Oh, por todas las que ha pasado”. Si: aborto clandestino, celos destructores y enfermizos, sexo salvaje con un desconocido extranjero.

En un escueto comunicado la academia sueca escribió: “Annie Ernaux cree en la fuerza liberadora de la escritura. Su trabajo es intransigente y está escrito en un lenguaje sencillo, limpio.”

Dos minutos después, amplió la idea: “Con gran coraje y agudeza clínica, Annie Ernaux revela la agonía de la experiencia de clase, describiendo la vergüenza, la humillación, los celos o la incapacidad de ver quién eres, ella ha logrado algo admirable y perdurable”

No pronunciaron la famosa palabra “auto ficción”. Me parece que todo arte lo es. O como decía Borges: “toda opinión es autobiografía” O , como remataba Oscar Wilde: “Sólo publican memorias aquellas personas que ya han perdido totalmente la memoria.”

 

ALGO VA DE "A BOUT DE SOUFFLÉ" A "SIN ALIENTO"

 

Por: Jaime Alberto Urazán

(Nota del Blogger: Un pana cinéfilo , fundador de "Cine Ojo" en Cali, nos envía esta nota a raiz de la muerte del maestro Jean-Luc Godard)

 A bout de Soufflé es un ícono de la nueva ola francesa. Cuando uno lee sobre esta película encuentra comentarios como “es una película que cambió el cine”, es decir es una obra maestra difícil de superar. Me pregunto entonces, ¿porqué o para qué hacer una nueva versión de ella? Difícilmente esta segunda versión dejará de ser una película de segunda línea. Nunca una obra de arte que pueda superar la original, exitosa no sólo desde el punto de vista económico, sino también y sobre todo de la crítica. Y es una consideración que ha crecido con el tiempo

 Es lo que pasa con “Sin Aliento” con Richard Gere y Valerie Kaprisky. No es que estén mal.

Es que no pueden ni siquiera llegar a lo que hicieron Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. Ni los hermosos desnudos de la actriz francesa, ni la pinta de Gere alcanzan el refinamiento del trabajo de Belmondo y mucho menos el de la diva norteamericana, cuya vida terminó en tragedia. Su trabajo es fascinante y consistente durante toda la película, dando fuerza a la historia.

 

 Aunque Richard Gere consigue crear un personaje creíble y consistente, está muy amarrado al cliché norteamericano del “rebelde” con o sin causa. El gag en la universidad es una exageración que en realidad fastidia en lugar de divertir. Belmondo, el feo, podría ser un bandido colombiano o norteamericano, su actuación no tiene las barreras de la nacionalidad, ni la del tiempo. Sigue creciendo con el paso de los años. Es algo que se construye y se conserva, la eternidad de un personaje que puede llegar a ser icónico.

 Lo mismo puede decirse de Jean Seberg. La fresca belleza de su rostro, atrapa más que los bellos desnudos de Valerie. Uno quisiera de pronto ver algo más del cuerpo de la bella diva norteamericana, pero eso es un liviano pensamiento que se pierde en la fascinación de sus movimientos por la pantalla, soportados por la puesta en escena impecable y unos parlamentos precisos que dan fluidez y mantienen el interés de quien ve  la película.

                  
Uno podría pensar que el remake de esta joya puede apuntalarse en la utilización del color. Pero se pierde la posibilidad de tomar la belleza de los paisajes californianos que tienen la costa y las montañas y los bellos pueblos costaneros en los cuales habría sido mucho más rico visualmente un Porsche soltado a toda velocidad en las curvas de algunas carreteras estrechas de las montañas a la costa californiana. Por otra parte, las escenas urbanas a pesar de la acción de la persecución que se subraya en la versión norteamericana hacen ver muy pobre a Los Ángeles ante la sublime París, muy bien aprovechada por la película dirigida por el gran Godard.

 

El guion llevado a la pantalla es muy similar. Se habla de México en lugar de Italia. Los autos son espectaculares repitiendo el bello T-bird. Se subraya las escenas eróticas y los desnudos. Pero se llega al límite del melodrama en la relación de Mónica con el bandido de poca monta, cayendo de nuevo en el cliché del cine norteamericano, que se ha visto repetidamente en películas como El Graduado o en An officer and a Gentleman. La secuencia de Jean Paul Belmondo caminando moribundo en una huida sin posibilidades del acoso de los policías trató de ser superada por la danza de Gere, que de manera acrobática se agacha a tomar el arma. A pesar de su espectacularidad no logra causar el impacto del bandido sin futuro que cae ante las balas de la policía.

 En lo que se puede pensar que es más interesante la versión norteamericana, es en la música, California ofrece la riqueza del encuentro del rock y el jazz norteamericano con la música latina, su danza, que logran los mejores momentos de la película. Estos, sin embargo, son suplementarios, no agregan mucho al resultado final, aunque sí la hacen más interesante.