Ventana Indiscreta

"La vida es un plano secuencia" Entrevista con Juan José Campanella

2012-01-15T17:01:00.000-08:00

Fotografías y entrevista : José Urbano

Latinoamérica ha subido al podio de los premios Oscar (en la categoría de Mejor película extranjera) solo en dos ocasiones. Y las dos, con películas argentinas. La primera fue “La historia Oficial”de Luis Puenzo en 1985 y la segunda, “El secreto de sus ojos” de Juan José Campanella en 2010. El triunfo se convirtió en epopeya porque el voto finish proyectaba a “La cinta blanca” de Michael Haneke como la más segura ganadora. “ Haneke venía de triunfar en Cannes y en los Globos de oro, traía todo el impulso- agrega Campanella- y a mí me parece una gran película antifascista”
Ambos retratan, desde ángulos diferentes, el nacimiento del fascismo. Haneke en Austria y Campanella en Argentina. Los dos hacen cine político sin demagogia y con un sentido del cine al mejor estilo clásico. Aunque Campanella , por sus orígenes italianos, es un romántico empedernido. “Acertaste- dice mientras sonríe-, admito la influencia de toda la literatura romántica existente, en especial ese libro monumental de Gabo “El amor en los tiempos del cólera”. Cuando ingresé a estudiar cine en Nueva York, conocí libros que en Argentina no me había dado a la tarea de leer porque estaba muy chico o por la dictadura. Y también una película que me marcó profundamente como “Nos habíamos amado tanto” de EttoreScola”
Juan José Campanella ha venido al XII Festival de cine de Santa Fe de Antioquia acompañado de toda su familia. Es su primera vez en Colombia y, como buen cineasta, es buen observador. Le deslumbra la belleza de la ciudad. “Me gustan más los festivales chicos donde hay contacto y diálogo. Los Festivales de alfombra roja crean una distancia enorme entre los artistas y la gente”
Ha sido una semana intensa, llena de entrevistas, cámaras y fotografías. Campanella los torea a todos con una amabilidad a prueba de balas. “El Premio Oscar ha incrementado el número de entrevistas”- dice con la modestia propia de quien ha dirigido películas tan humanas como “El Hijo de la novia”, “La luna de Avellaneda” y “El mismo amor, la misma lluvia”

Luego de estudiar cine usted se enfrenta a una película tan extraña como “El niño que gritó puta” y a otra en inglés como “Ni el tiro del Final”…
Bueno “El niño que gritó puta” yo la quiero mucho pero no tiene mi voz, es decir, era enfrentarme a mi primera película sin mucha experiencia y vale como un intento. “Ni el tiro del final” estaba basada en el escritor argentino José Pablo Feinmann. Ésta última me dejó una fobia inmensa de trabajar en Hollywood. Luego de este periodo caí en una profunda depresión de la cual me sacó el cine argentino.
Usted estudia cine en Los Estados Unidos. Se inicia allá y luego vuelve a trabajar en las entrañas del monstruo en series de televisión (La ley y el orden , el Dr. House, entre otras )…
No, lo de la televisión estuvo siempre. De eso he vivido y además estoy agradecido porque me brindó la posibilidad de trabajar con grandes actores, también me dio oficio y disciplina. Además creo que las serie televisivas norteamericanas se encuentran a años luz del cine americano. En las series se trabajan mejor los guiones, se busca sorprender, se busca humanidad, hay un exaltamiento del buen diálogo. En el cine americano de hoy, hay un desprecio al diálogo y a la sorpresa. Lo peor es la comedia que se hace hoy. Después de un periodo deslumbrante con Billy Wilder, Lubitsch, Capra, hasta los tres chiflados. Conocen ustedes a los tres chiflados?
Claro, yo por ejemplo, me crié viendo a los tres chiflados…
Me sorprende porque en Italia y España no los conocen. Considerar que una película de Jennifer Aniston es mediocre es hacerle una alabanza. Son realmente una basura. No despiertan ni una sonrisa y no entiendo la mente que las produce.
Al igual que Fernando Trueba, usted tiene una añoranza por el Hollywood clásico ahora que menciona a Wilder y Lubitsch…
Es cierto, aunque hay que mencionar también a Frank Capra con una de mis películas favoritas como es “Que bello es vivir”. Me parece que la década prodigiosa del cine americano es la década del 70. Y por otra parte la comedia italiana a la que quiero mucho y me dio las bases para escribir los guiones que escribo. Es mi voz.
Una vez, ganado el premio Oscar, que le falta al cine latinoamericano?
Eso tan lindo que ha logrado la música y la literatura no lo ha logrado el cine latinoamericano. Se habla mucho de la unidad latinoamericana pero no es más que un intercambio de autopartes. Nuestros líderes no tienen mucho aprecio por el cine. Yo en Argentina, salí de la secundaria con un montón de información sobre los fenicios y sin saber nada de los colombianos. Mientras la educación le brinde más importancia al imperio romano que a los vecinos, nuestra unión y nuestro conocimiento de amigos será un fracaso.
“El secreto de sus ojos” es una de las películas políticas más radicales que se han realizado en los últimos años, sin tocar directamente el tema de la dictadura…
Tanto el libro como la película se inician en el gobierno democrático de Isabel Perón. En Argentina, ahora hay una reescritura de la historia. Los chicos creen que la barbarie empezó con los militares. Creen que solo un gobierno militar es capaz de la persecución política. Esto no es así. Esto empezó con los gobiernos democráticos, prácticamente te diría que desde el 26 de Mayo de 1810. La democracia nunca ha sido garantía en Latinoamérica de respeto al opositor.
No hemos hablado de “Casablanca” de Michael Curtiz..
Acertaste de nuevo. Mi modelo en “El secreto de sus ojos” fue “Casablanca” en el sentido de que tiene como contexto la II Guerra Mundial pero no es una película sobre la guerra. Y en mi película nos enfrentamos al asunto del balance: hasta qué punto queríamos mostrar el tema político. Si vamos más allá en lo político vamos a querer saber más y nos vamos a quedar en las matanzas. El dilema era entonces: ni poco porque la gente se quedaría despistada, ni demasiado para que despertara la necesidad de saber más aún.
Bueno, no quiero terminar sin hablar del famoso plano secuencia de “El secreto de sus ojos”, la escena más maravillosa de toda su filmografía…
De hecho, le mostré al equipo técnico “La soga” de Hitchcock y le dije: “eso es justo lo que no haremos”. No quería encadenar las escenas tomando el cofre o la espalda de un actor como lo hizo Hitchcock. Me encanta el plano secuencia porque hace que el espectador se sienta allí mismo, que se encuentre adentro de la película. La vida es un plano secuencia. Entonces la filmamos con unos medios limitadísimos. No tenía más que 150 extras y tres días para filmarlo. Si lo hubiese filmado de la manera convencional podría haber llevado dos meses.
El espectador se siente en medio de la escena como si estuviese correteando a este tipo por todo el estadio. Finalmente, son 8 tomas distintas que están unidas de una manera imperceptible.

LAS MEJORES PELICULAS DEL AÑO: ÁRBOLES, PANES Y MELANCOLIA

2011-12-16T22:03:00.001-08:00

Según los profetas del diluvio, el 2011 puede llegar a convertirse en el penúltimo año del resto de nuestras vidas. De ser así, no fue en balde la cantidad de cine que devoraron nuestros ojos. Es saludable mirar cine hasta que las profecías Mayas lo permitan. Cuando ya no quede ningún hombre sobre la tierra, quienes se sentarán a mirar las bobinas de los millones de filmes almacenados? Una respuesta no muy alentadora la puede dar Lars Von Trier quien este año escandalizó al mundo con una de sus vagancias extras. Lo expulsaron de Cannes pero a pesar del linchamiento mediático, “Melancolía” se llevó el premio a la mejor actriz. Puede decirse que el 2011 fue el año del cine danés. Y, extendiéndose un poco, un gran año para la península escandinava.

1. EL ARBOL DE LA VIDA

Director: Terrence Malick. USA. Ya comentada en este blog.http://ventanadelcine.blogspot.com/2011/11/la-pelicula-del-ano-el-arbol-de-la-vida.html

2. PAN NEGRO

Director: Agustín Villaronga

España

Arrasadora de los premios Goya, Pan Negro se erige como la mirada triste de un niño a la guerra civil española. No tiene temas nuevos: ni la Guerra Civil, ni la mirada infantil pero la dureza, la fuerza de la puesta en escena, hace de Pan Negro una de las revelaciones del año. El colapso del caballo en la primera secuencia nos anuncia el despojo.

3. EN UN MUNDO MEJOR

Directora: Sussanne Bier

Dinamarca

Sussane Bier tiene muy presente aquella frase de Hitchcock según la cual “El cine es 400 butacas que llenar”, por ello ha confesado que le interesa que mucha gente vaya a ver sus películas. Sus películas tienen alma, porque tienen algo de melodrama, algo de tragedia Shakesperiana y grandes secretos por develar. Dos guerras paralelas (una “guerrita” en un colegio y la otra gran guerra en África) nos ponen a pensar que el cine danés anda volando alto.

4. TAMBIEN LA LLUVIA

Directora: Iciar Bollain

España

Otra mujer muy lista, en la lista. Iciair Bollain es española, actriz de Ken Loach, luego imbuida en la dirección. Viaja a Bolivia a contar esta doble historia del cine en el cine. Un reparto que combina toda suerte de actores sale airoso en el laberinto de la conquista española y la conquista indígena del año 2.000. Es la guerra y esta vez van “a por el agua”.

5. TODOS SUS MUERTOS

Director: Carlos Moreno

Colombia

Ya comentada en este blog.http://ventanadelcine.blogspot.com/2011/07/el-estreno-de-todos-tus-muertos-en.html

6. Nader y Simin UNA SEPARACION

Director: Asghar Farhadi

Irán

Que el cine iraní es capaz de contar películas a través de pequeños motores no es ninguna novedad. Contra todo pronóstico, la teocracia ha inspirado una casta única en el mundo que es como el revés de los Ayatollahs: “la cinematocracia”, quienes se han convertido en la piedra en el zapato del régimen. Dado que la censura es férrea los cineastas iraníes no han tenido más remedio que contar con los actores neutros por naturaleza: Los niños y los animales. Oso de Oro en Berlín a mejor película y Oso de plata a mejor actor y mejor actriz.

7. DRIVE

Director: Nicolas Winding Refn

Dinamarca

Jean-Luc Godard suele decir que lo único que se necesita para hacer una película es una mujer y una pistola. Acá tenemos: un conductor, un coche, una mujer y una pistola. El plato está servido para el mejor cine negro de los últimos tiempos. No es la mesura de “El hombre que nunca estuvo aquí” de los hermanos Coen, ni el arrebato de Tarantino en “Pulp Fiction” . Tiene algo de los anteriores pero con la violencia contenida y poética de Michael Haneke .Y tenía que venir de Dinamarca. Premio al mejor director en Cannes.

8. MELANCOLIA

Director: Lars Von Trier

Dinamarca

Lars Von Trier es el gran Danés. Dueño de una originalidad a prueba de todo. Ha realizado Melancolía, la película más inquietante del año. Qué pasaría si a la tierra le quedaran 24 horas ante una colisión inminente? Bruce Willis y su Armageddon se quedan con la boca abierta. Premio a mejor actriz en Cannes

9. Till det somar vackett - Un verano para recordar

Directora: Lisa Langseth

Suecia

Los suecos se reponen de lo que significó la grandeza de Ingmar Bergman. Y renacen con pequeñas joyas como “Un verano para recordar”. El réquiem de Mozart vuelve a vivir, vuelve a cantar. Una melodía compuesta para el entierro del propio músico es el pretexto dramático para narrar la vida de una adolescente tierna. De cómo la bobalicona comedia romántica norteamericana ha sido arrollada.

10. La Vida útil

Director: Federico Veiroj

Uruguay

Una película de cinéfilos para cinéfilos. Existen profesiones de profesiones pero a decir de Truffaut: “Ningún niño confiesa que le gustaría ser, de grande, crítico de cine”. Y programador de cinemateca? En estos tiempos donde cada día se mueren los teatros?

“La Vida útil”, flamante ganadora del premio de la crítica en Cartagena, supone la autorrealización de un programador de cinemateca y su posterior jubilación por sustracción de materia. Allí mismo donde quedaba “Lugares comunes” de Aristarain continua “La vida útil”: De que sirve ser cinéfilo en el mundo laboral actual? Gracias, de nada.

11. El niño de la bicicleta

Directores: Los hermanos Dardenne

Bélgica

La historia de un caperucito rojo cuya travesía en el bosque la realiza a bordo de una bicicleta. Viejos conocidos, los hermanos Dardenne vuelven con una historia neorrealista que continua la línea de sus anteriores “El niño” y “Rosetta”. En el bonus track del DVD de “Tiempos modernos” de Chaplin, los hermanos Dardenne aparecen comentándola y agradeciendo la influencia que ejerció sobre ellos tanto “Tiempos modernos” como “El Chico” ( 1921). Las dos fueron fundamentales para escribir el guion de Rosseta su opera prima. Y el resto de una obra que es sencilla, pero apasionante. Grand Prix en Cannes

12. Habemus Papam

Director: Nanni Moretti

Italia

Nanni Moretti , el italiano que vive mirando al Vaticano, esta vez monta una historia a caballo entre la farsa y el drama. La elección de Michel Picolli encarnando al Papa no es gratuita: su parecido con Juan Pablo II es enorme. Y Moretti se convierte en jinete del apocalipsis al colocar frente a frente al Papa v.s el psicoanalista. La razón y la fe jugando un guion que habría sido un bocatto di cardinale para el finado Luís Buñuel.

13. LA CUEVA DE LOS SUEÑOS OLVIDADOS:

Director: Werner Herzog

Alemania

Documental

Herzog viaja a la cueva Chauvet descubierta en 1994, a darnos cátedra de arte rupestre. Meterse a la cueva es viajar a nuestros orígenes. En qué momento el hombre paleolítico decidió convertir la pared en un lienzo? Chauvet es una inmensa pinacoteca cuya edad se calcula en 32.000 años.

14. IMPUNITY

Directores: Hollman Morris y Juan José Lozano

Colombia

Documental

Ya comentada en este blog.http://ventanadelcine.blogspot.com/2011/07/impunity-y-todos-tus-muertos-los-vasos.html

15. Caterpilar

Director: Koji Wakamatsu

Japón

Pegada al teatro Noh, “Caterpilar” recae en dos actuaciones memorables: Shinobu Terajima, Shima Ohnishi. Shinobu se llevaría, a la postre, el oso de plata a mejor actriz en Berlín 2010. Una historia dura y brava sobre las consecuencias de la guerra. Casi sexo explicito, casi bizarra y casi una obra maestra.

Descubrimientos maravillosos y tardíos:

Carta de una mujer desconocida

Dirección: Xu Jinglei

China. 2004

Sabíamos de esta película por la Concha de Plata en San Sebastián. Y porque está basada en la joyita homónima de Stephan Zweig. La misma directora la protagoniza, la misma que tiene el blog más visto del mundo: 100 millones de visitas en dos años!!! (http://blog.sina.com.cn/xujinglei). Jinglei traslada la acción original de Viena a China y cambia el momento histórico, ubicándola en plena invasión de Japón a China. Son 8 años donde el hombre se descubre a partir de una larga carta…

La chica del café

Director: David Yates

Bill Nighy, Kelly Macdonald

Gran Bretaña. 2005

Estrenada directamente para televisión cerrada y protagonizada por la chica de “Trainpotting”, tuvimos que esperar que HBO la comercializara para saborear esta rareza del cine actual. Es una mirada a la soledad, al amor y, cómo no, a la economía global y al capitalismo salvaje.

Antes de la tormenta (Före Stormen)

Director: Reza Parsa

Irán- Suecia

2000

Parsa ha realizado una película iraní en Suecia. Nunca el fenómeno de la inmigración fue tan doloroso, el pasado no perdona. San Sebastián: Concha de Plata al Mejor Director

La pivellina

Directores: Tizza Covi y Rainer Frimmel

Austria –Italia 2009

Que La pivellina lanza a la actriz más joven de la historia no hay duda. La pive aun no ha cumplido tres años y ya tiene actuación protagónica y con líneas de dialogo!!!. Otra vez el mundo del circo al cual se han acercado directores tan distintos como Chaplin, Fellini y Bergman

Morir como un hombre

Director: Joao Pedro Rodríguez

Portugal 2009

La vimos en el Festival de Cine de Cali -2010 y nos encantó. Una historia de El? Ella? Sumergido(a) en el limbo de género. La escena donde se explica el cambio de sexo es impagable.

Cortos para tener en cuenta:

Es muy difícil establecer un ranking anual de cortos pues habría que delimitar la curaduría. Del mundo entero? Imposible. De Latinoamérica? De Colombia?. Sólo en nuestro país se están realizando cerca de 500 cortos anuales, de manera que acceder a ellos ya es una labor titánica. Los siguientes cortos constituyen una mera sugerencia y dependen del azar: a diferencia del largometraje, los cortos lo buscan a uno y se le plantan al frente. Aquí van sin orden de preferencia y, en lo posible, los enlaces:

ENTRE LABORES de Didier Erazo http://vimeo.com/33826745

UNA VIEJA CONCIENCIA de Sandra Mera: http://vimeo.com/33818398

MERMELADA de Satiana Ordóñez: http://vimeo.com/33599328

COLUMBUS de Javier Guzmán http://vimeo.com/33640389

LAS RAZONES DE SOFIA de Carlos Jiménez http://vimeo.com/27686752

LA IRA de Francisco Brives http://vimeo.com/33781511

RETORNO de Darshi Velasco http://vimeo.com/33815896

PORQUE AHORA de Edwin Restrepo http://vimeo.com/34314096

La pelicula del año : El árbol de la vida

2011-11-26T20:36:00.000-08:00

TERRENCE MALICK O LA PRESENCIA DE DIOS

Las ultimas ganadoras de la Palma de Oro en Cannes nos sorprenden: LA CLASE (2008), LA CINTA BLANCA (2009) , EL TIO BOONME (2010) y EL ARBOL DE LA VIDA (2011). Las cuatro tienen la particularidad de enojar al gran público y emocionar a la crítica. Las cuatro fueron premiadas por distintos jurados y, aun así, se parecen. Lo que confirma, una vez más, que Cannes con todo y sus lentejuelas sigue siendo el motor del cine mundial. Es el desafío de la industria, la mala conciencia de la farándula cinematográfica.

El revuelo que ha causado el estreno de EL ARBOL DE LA VIDA, nos hace recordar muchas polémicas que generaron algunas de las ganadoras en su momento y que hoy hacen parte del patrimonio cinematográfico mundial. Dentro de 50 años EL ARBOL DE LA VIDA sobrevivirá a los ismos y a las modas? Digamos, tal como vemos hoy Viridiana de Luis Buñuel, es decir por encima de la historia misma?

EL ARBOL DE LA VIDA, es el quinto largo de Terrence Malick , hombre misterioso de quien no se conocen entrevistas, ni ruedas de prensa, ni caminatas por el tapete rojo. Tantas semejanzas con Stanley Kubrick lo han convertido en un deleite para los gacetilleros. En un mundo donde los artistas tienen página web y hacen giras como cualquier estrella del rock, Malick vive en el encierro. Es un asceta, un místico a prueba de medios y mediaciones. En tiempos de alardes multinacionales vive la utopía de la bondad. Como cualquier Thoreau sueña con la convivencia armónica del hombre y la naturaleza.

Pero EL ARBOL DE LA VIDA va más allá de todo. Incluso más allá de los sentidos. Es un sueño? Una declaración de principios? Una película ingenua? Un alarde de viejito new age? Una pretenciosidad de quien se cree reinventando el cine?

Primero digamos que Malick así como es de cerrado en su vida publica también es poco prolífico. Cinco largometrajes para un director que se acerca al séptimo piso parece poco (por ejemplo, si lo comparamos con su paisano y antípoda, Woody Allen, quien siendo contemporáneo ya se acerca a la cincuentena de películas)

Meticuloso, perfeccionista, obsesivo, pantagruélico, improvisador, derrochador de presupuesto. Una mezcla de Erich Von Stroheim, Orson Welles, Michael Cimino y Luchino Visconti. Como para quedar perplejo. Y perplejos nos deja desde la cita inicial del Santo Job:

"¿Dónde estabas tú cuando yo cimentaba la tierra?
Explícamelo, si tanto sabes.
¿Quién fijó sus dimensiones, si lo sabes,
o quién extendió sobre ella el cordel?
¿Sobre qué se apoyan sus pilares?"

Porque el hombre es panteísta, ve a Dios en todo lado: en el árbol, el agua, en una sonrisa. En un tiempo en que el pesimismo manda la parada en el arte, Malick todavía cree en la bondad y el perdón. Es por ello que se identifica tanto con las culturas precolombinas a las cuales rindió homenaje en su cuarto largometraje “New World” (2005 ).

El árbol de la vida se encuentra dividido en un Prólogo, tres capítulos y un epilogo. Parece poco para una película tan ambiciosa pero Malick no se va por las ramas. Lo suyo es una reflexión cósmica. Es por ello que la primera analogía que establece el espectador es con 2001 Odisea del espacio de Kubrick. Ambos van desde la Pre historia a la Historia y pasan de largo. Esculpen en el tiempo, dan grandes saltos. La elipsis les queda chiquita. Si Kubrick daba un salto mortal desde la escena del hueso (Edad de piedra, digamos) hasta encadenar con una nave espacial, Malick nos lleva del big bang , pasa por la aparición de la vida molecular y lanza el meteorito que desaparece a los dinosaurios. Una elipsis de 15,000 millones años en tan solo 12 minutos !!!.

PROLOGO

Desde los títulos de crédito Malick nos habla de la fe. “Se puede vivir de dos maneras: la naturaleza o la gracia” Sabido es que Job fue sometido a toda suerte de torturas por parte del demonio quien le puso a prueba la fe. Y Job, a pesar de los lamentos se mantuvo firme como un guayacán. La señora O’Brien (interpretada por la espléndida Jessica Chastain) inaugura el prologo aún siendo una niña y viviendo en medio de la naturaleza. Siempre de verde, siempre encarnado la bondad, la señora O’Brien recuerda en su porte y pinta a la Kim Novack de “Vértigo”.

Desde este momento sabemos que Jessica Chastain va a representar a la Naturaleza. Sólo la veremos con un vestido encendido en la secuencia donde baila con los hijos pero eso sucederá más adelante y por razones muy especificas.

Capitulo Uno: LA TRAGEDIA

Una tragedia en la lejana guerra de Corea nos sacude este primer capítulo. Son los años 50 en la conservadora Texas, el pueblito no podía ser otro que Waco, patria chica de Malick. Eisenhower es el presidente de una nación que acaba de ganar la guerra y que se opone al ateísmo soviético. Y entonces aparece el señor O’ Brien ( un excelente Brad Pitt) representando a la Ley, al Padre, al Dios amoroso y Autoritario. Bajo su tutela se amparan tres hijos: el mayor (virtuoso, músico y carismático), Jack, el del medio, celoso, ojeroso, y solitario. Y el benjamín cuya presencia pretende nada más que mostrarnos una triada infantil, donde imperan los varones y cuyo toque femenino estará representado en la Madre Naturaleza. Jack 0’Brien (las iniciales de su nombre nos remiten a JOB, como no) será el eje narrativo por el que pasa, como en un carrusel de emociones, el amor, el odio, el deseo y la pasión. “Esta es tu casa- le gruñe al Padre- tu puedes expulsarme, matarme si quieres”

En los felices años cincuenta Malick se esfuerza por encuadrar las ventanas, por allí se filtra la luz en grandes chorros. El árbol mirado por una cámara que siempre se encuentra en contrapicado, en posición de oración, recuerda aquella frase que dijera Carlos Mayolo de Robert Bresson: “El director que comulga antes de filmar un plano”.

Capitulo dos: SEAN PENN

Por primera vez en su filmografía, Terrence Malick vive el presente. En los anteriores largometrajes se fijaba en el pasado: En Badlands se concentra en la pareja de asesinos contemporáneos de James Dean. En Días de Gloria el capitalismo latifundista de la América rural de comienzos del siglo XX, en La delgada línea roja las gracias y desgracias de un pelotón norteamericano en la batalla de Guadalcanal en la segunda guerra mundial y en New World el amor imposible entre Pocahontas y el capitán Smith.

Sean Penn es Jack adulto, arquitecto de éxito, siempre vestido con trajes oscuros y rodeado de espejos. Su amplio apartamento loft apenas resiste un matrimonio a punto de colapsar. Aquí han desaparecido los colores vivos que componían el anterior capitulo. Nuestro tiempo, según Malick, está rodeado de espejos. Las ventanas han desaparecido, preferimos mirarnos el ombligo antes que mirar el mundo. Una época marcada por el narcisismo de las redes sociales. Repite los planos de oración de la cámara pero esta vez la luz no se filtra por las ramas de los árboles sino que apenas la dejan asomar los edificios. Puede parecer que en cada segmento Malick hubiese utilizado a dos directores de fotografía diferentes, pero no. El mexicano Emmanuel Lubezki se las arregló para trabajar con luz natural así los filtros fuesen en primera instancia claros y en segunda oscuros.

Hasta la preferencia por la luz natural, sin utilizar jamás un foco eléctrico, es una decisión mística de Malick: Por encima de Dios no hay nadie, ni Tesla, ni Edison.

Capitulo tres: EL FUEGO

Desde una vagina cósmica sale el fuego, la vida. Dado que el director realiza triples saltos en el tiempo, juega con tres ejes: los años cincuenta donde analiza a una familia de clase media en la América profunda, se devuelve a los tiempos de la creación de la tierra para luego traernos al 2011 lleno de marmolina, reflejos y sombras.

En el capítulo dedicado al fuego no solo se encuentra la gran explosión que creó la tierra y la piedra sideral que extinguió a los dinosaurios, también se encuentra el deseo de Jack adolescente quien mira al amor platónico en la lejanía de diez metros que los separan, pues no existe nada más lejano que la vecina amada a quien no se le puede ni dirigir la palabra. Jack se contentará con la bata de dormir de la amada y la arrojará al rio. Mientras suena el precioso tema “River” compuesto por Alexandre Desplat, la prenda se sumerge en las aguas permitiendo que el deseo fluya.

Y en este segmento, mientras la Ley se ausenta (El Padre se va de viaje) se arma la rumba en casa. Es la única escena donde la Madre Naturaleza se viste de un color encendido. Todo es fiesta ante la ausencia temporal de la Ley. También es la única secuencia donde la Madre Naturaleza va al pueblo con los hijos y sucede algo excepcional. Los chicos se sorprenden al conocer gente que ha violado la Ley (los presos son subidos a la patrulla). “A cualquiera le puede pasar”, reflexiona en voz baja la Madre Naturaleza mientras le da de beber a un preso. Acto seguido, un minusválido atraviesa la calle. Malick nos brinda entonces un apunte irónico: la naturaleza también se equivoca.

EPILOGO

Quizás la secuencia más loca, más rara, mas metafórica del cine actual. Todo se mezcla para que Jack (Sean Penn) logre atravesar la puerta. Una puerta en medio de la nada, como si el odio se pudiera dibujar en un paisaje árido, tipo cañón del Colorado. Todo se combina aquí: la aridez con el agua, los vivos con los muertos, los viejos con los niños. Se podría acusar a Malick de errores garrafales de raccord pues cuando el cine muestra el reencuentro de un Padre con el hijo adulto, el director se cuida de envejecer al Padre para que la cosa guarde lógica en el Tiempo. Malick se pasa eso por la faja. Un Director como él emula a Dios. Lo imita. Es el dueño de su pequeña creación y allí todo vale con tal que refleje su visión cósmica.

Terrence Malick ha realizado una obra maestra absoluta. Con “El árbol de la vida”, ha culminado la tesis sobre Martin Heidegger que dejó inclusa cuando estudió filosofía. Se dice que vive en un viejo castillo rodeado de literatura mística. Es una especie de monje del siglo XXI, como si San Agustín hubiese tenido la oportunidad de dirigir películas. Uno de sus libros de cabecera es “La imitación de Cristo” de Tomás de Kempis (monje alemán autor de un único libro, con múltiples traducciones desde el siglo XV ) quien le repite al oído todas las noches : "No eres más porque te alaben, ni menos porque te critiquen; lo que eres delante de Dios, eso eres y nada más.“

Andrés Caicedo: Sesenta años no es nada!!!

2011-10-13T12:14:00.000-07:00

Que Andrés Caicedo llegara a los 60 años nadie se lo cree, ni él mismo. Vivió rápido, murió joven, dejando un reguero de leyendas. Me pregunto si en el infierno habrá un patio dedicado exclusivamente a los escritores suicidas. De que hablarán Alfonsina Storni y Andrés Caicedo? Hemingway y Pizarnik? Se toleran aunque sea? Muchas neurosis juntas en un patio tan pequeño?
Me asombra la cantidad de documentales que ha inspirado. Cuando uno cree que se los ha visto todos aparece un tipo en Corea del Norte al que se le atravesó una edición pirata de calidad de El Atravesado y decidió filmar un homenaje. Incluso, la corporacion de turismo debería incluir en sus test de "Porqué visita usted a Cali?", el ítem "Para conocer la ciudad de Andrés"
Como un tributo, va este exquisito documental de Oscar Campo titulado Un Ángel del Pantano:

Medianoche en Paris: Un Yanqui en la corte del Rey Picasso

2011-09-10T21:38:00.000-07:00

Me parece que el punto de partida de la película MEDIANOCHE EN PARIS es la novela “Un yanqui en la corte del Rey Arturo” de Mark Twain (podéis bajarla aquí ). No en vano el personaje principal, interpretado por Owen Wilson, lo dice a viva voz : “Toda la literatura moderna proviene de Mark Twain”.

“Un Yanqui…” cuenta la sencilla aventura de un tipo que, en medio de una gresca, recibe un porrazo en la cabeza y despierta en un camino que no reconoce. Pronto se topa con un caballero “vestido con una antigua armadura de hierro”. El pobre yanqui se encuentra en pleno camino a Camelot en el siglo VI. Tanto Twain como Woody Allen evaden la molestia de explicar sus viajes en el tiempo. La cosa puede suceder como un hechizo, algo puramente mágico. No pretenden hacer ciencia ficción. Apelan a la nostalgia y se instalan en el sitio. Tanto la Camelot de Twain como la Paris de Allen son estampas que solo existen en sus cabezas. Ambas son ciudades de fantasía.

Usualmente se le reprocha a Woody Allen que rebobine tanto sus ideas. Pero el hombre simplemente busca la película total, sus ideas se alimentan y retroalimentan . Son tautologías. Los personajes se explican entre sí. No existen más allá de su propio universo idílico. Y el idilio es quizás el primer sello de fábrica del Cine de Woody Allen. Agárrese cualquiera de sus filmes, de cualquier época, y podrá pescarse ese ensimismamiento Allenieano. En El dormilón un nerd se despierta dos siglos mas tarde en medio de un futuro que no entiende, en Zelig un narizón tiene el don de la ubicuidad, en la rosa purpura del cairo el actor atraviesa la pantalla y vive un affaire con una grupie, en Edipo reprimido, el mago desaparece a la horrorosa mamá… y así.

Y el otro sello de fábrica en el fetichismo. El hombre se crió en la década del 40 cuando el cine negro y los musicales pululaban en las carteleras neoyorkinas. Conoció el mundo a través del cine primero, de la literatura después. Entonces el jazz lo inundaba todo. Pasó más tiempo en el cine que en la calle, mas horas encerrado en su cuarto leyendo que jugando en los patios. Woody Allen vive en la burbuja del arte desde que nació es por ello que sus películas suelen ser cotidianas pero descabelladas. A su modo, realiza realismo mágico . No es el realismo mágico una forma de narrar lo maravilloso de la manera más natural?. Por supuesto que Woody Allen es el prototipo de intelectual burgués - acomodado y desde allí escruta el mundo. Pero sus historias son universales. Por ello ha establecido Vasos comunicantes con directores como Bergman y Fellini.

Las mejores peliculas de la historia según Woody Allen

2011-08-22T19:26:00.000-07:00

El delicioso libro “CONVERSACIONES CON WOODY ALLEN” de Eric Lax tiene 486 páginas que se leen de un tirón. En la última parte, el autor lo agarra a quemarropa y le hace la pregunta clásica. Entonces el bueno de Woody contesta:

“Cuando me desvelo a mitad de la noche me dedico a elaborar listas mentalmente para tratar de conjurar el pánico existencial que me invade. Es algo que a veces me ayuda a conciliar el sueño de nuevo. Casi siempre se trata de listas de películas, en las que añado y elimino títulos, o sustituyo unos por otros. Mis gustos no parecen tener nada de extraordinario a mi modo de ver salvo en el ámbito de las comedias con argumento hablados donde registro un nivel de tolerancia bajo con cualquier filme, y nulo en caso de mis propias películas.

Películas estadounidenses, sin un orden particular:

El tesoro de Sierra Madre J. Huston
El delator. J. Ford
Perdición. Billy Wilder
The Hill (La colina) Sidney Lumet

Shame El desconocido, George Stevens
El tercer hombre. Carol Reed
Senderos de gloria. Stanley Kubrick
Encadenados. Alfred Hitchcock
El padrino: II parte. F.F. Coppola
La sombra de una duda. Alfred Hitchcock
Uno de los nuestros. ( Good fellas) Martin Scorsese
Un tranvía llamado deseo. Elia Kazan
Ciudadano Kane . Orson Welles
El halcón maltés. J. Huston
Al rojo vivo Raoul Walsh

Películas europeas y japonesas:

El séptimo sello. I. Bergman
El trono de sangre. A. Kurosawa
Rashomon. A. Kurosawa
Gritos y susurros. I. Bergman
Ladrón de bicicletas. Vittorio de Sica
La Strada. Federico Fellini
La gran ilusión. Jean Renoir
Los cuatrocientos golpes. F. Truffaut
La regla del juego. Jean Renoir
Al final de la escapada. ( Sin Aliento) J.L Godard
Fresas salvajes. I. Bergman
Los siete samuráis. A. Kurosawa
8 1/2. Federico Fellini
El limpiabotas. Vittorio De sica
Amarcord. Federico Fellinni

(Nota: si cogemos Ciudadano Kane de la primera lista y la ponemos en la segunda, esta sería para mí la lista de las mejores películas de la historia del cine).

El apartado de comedias mudas se ve ocupado en su totalidad por Buster Keaton y Charles Chaplin.

Podría elaborar una lista de musicales con una larga relación de películas que me encantan, pero las mejores para mi gusto cuando me desvelo en plena noche son las siguientes:

Cantando bajo la lluvia . Stanley Donen

Cita en San Louis . Vincente Minnelli

Gigi . Vincente Minnelli

My fair lady . George Cukor

Melodias de Broadway. Vincente Minnelli

Un día en Nueva York. Stanley Donen

Oliver .Carol Reed

Las películas de cine cómico más simples con las que siempre me rio son:

Sopa de ganso Leo McCarey y protagonizada por The Marx Brothers

Pistoleros de agua dulce Norman Z. McLeod y protagonizada por The Marx Brothers

Plumas de caballo Norman Z. McLeod y protagonizada por The Marx Brothers

Una noche en la opera Sam Wood y protagonizada por The Marx Brothers

Un dia en las carreras Sam Wood y protagonizada por The Marx Brothers

Monsieur beaucaire. George Marshall

You can’t cheat an honest man George Marshall

Never give a sucker an even break Edward F. Cline

La gran noche de Casanova Norman Z. McLeod

Aterriza como puedas Hermanos Zucker"

Conversaciones con Woody Allen. Eric Lax . Random House Mondadori. 2009 Serie Debolsillo

Nota del citador: He incluido los directores para que no haya lugar a equivocaciones con peliculas homónimas.

Harry Potter visto por los grandes directores

2011-08-14T10:13:00.000-07:00

Ahora que la famosa JK Rowling ha escrito en su web la enigmática frase "Los búhos se están reuniendo... Descubre pronto el porqué”, damos por sentado que la saga continuará.

Pues bien, deseando lo mejor para la humanidad y por una juventud desorientada, a punto de perderse, lanzamos desde estas páginas una humildes sugerencias pensando en directores con pulso y con obra. No hay que olvidar que nuestro personaje se está volviendo adulto y eso debe tomarse con responsabilidad.

VIII Episodio: Harry Potter y el gancho ciego. Director Víctor Gaviria. A los 22 años, Harry vive en un confortable edificio para magos en la comuna nororiental de Medellín-Colombia. Se involucra con dos rockeritos estratos seis que también resultan “mágicos” y deciden lavar dinero a través del temible profesor “Makako” Brown. Eso si, desconocen que el profesor es un ex –paramilitar amnistiado del proceso de paz de Ralito. Brown es extraditado a una cárcel de máxima seguridad norteamericana de la que se vuela, montado en la súper escoba de Harry, rumbo a la franja de Gaza.

IX Episodio: Harry Potter que estas en Los Ángeles. Director Quentin Tarantino. El joven y recién egresado universitario Harry, sale en busca del malvado Lord Voldemort (responsable de la muerte de sus padres y a quien se creía muerto). De la mano de su protector Dumbledore, Harry aprenderá las técnicas secretas del extremo-combate-con-escoba para encontrar al villano y pegarle la matada de canchilas.

X Episodio Harry Potter y la Chaveli. Director: Pedro Almodóvar. Harry se radica en Madrid siguiendo el rastro de Hermione quien se ha fugado con un Gitano. Andando por la Gran Via se hace amigo de Chaveli un transexual que se conoce al dedillo la movida de los bajos fondos. Chaveli lo introduce con la compañía Hogwart, Cabaret. Su sorpresa es mayor cuando descubre que la compañía la dirige Lord Voldemort quien es amante del gitano que se fugó con la bella Hermione…

XI Episodio Harry Potter y la muchacha de Manhathan. Director Woody Allen. El treinteañero Harry se ha reencontrado con Hermione, la chica de la cual se enamoró en la escuela Hogwarts pero a quien nunca le confesó su amor. Hermione le confiesa que también lo amó en silencio pero que su encuentro no llega en el mejor momento pues está casada con el profesor Sirius Black ( Gary Oldman en la tercera entrega) y tiene a su psicoanalista como tinieblo. Harry le suplica que se vayan a vivir juntos pero ella le dice que tomará una decisión después de terminar el curso de Feng-Shui que inició hace seis años.

XII Episodio: Harry Potter ,The Hard. Director Clint Eastwood. El veterano Harry , harto de un sistema penal imperfecto y de los trámites burocráticos, decide tomar justicia por su propia mano. Se convierte en Harry “el sucio” Potter al servicio de Su Majestad.

XIII Episodio Harry Potter, el Apocalipsis. Director Francis Ford Coppola. El anciano Harry vive sus últimos días en la Toscana italiana con una falsa identidad otorgada por la DEA. Un reportero avispado lo ubica y Harry decide contar toda la verdad. Mediante el relato en Flashback, el espectador conocerá los detalles de su ascenso y caída. Como mató al temible Lord Voldemort y se apoderó del negocio de la sanación en el mundo. Sus favores a algunos santos canonizados por el Vaticano a cambio de millones de dólares. Como logró que Hermione, su eterna enamorada, trabajara en Hollywood a pesar de ser una actriz mediocre. Y, finalmente, como construyó una familia basado en el poder de la magia.

XIV Episodio Y…donde está Harry? Directores: Los hermanos Farrelly. Guión de Gabriel García Márquez

Al cumplir 90 años, Harry Potter (feo, tímido y anacrónico) se regala una noche de amor loco con una adolescente virgen. Visita a Celestina Cabarcas, la dueña de “Hogwarts, polvos de la madre Celestina” que suele avisar a sus buenos clientes cuando tiene una novedad disponible. Decide, entonces, pedir una niña, hermosa ninfeta, y el máximo placer consiste en verla dormir, toda acurrucada, en forma de caracol. Cuando siente que el lento animal jubilado quiere despertar entonces se pasa al cuarto de la madama y se ayuda con la poca magia que le queda, dando una orden abracadabra: “Párate, carajo, párate”-grita- mientras agita las manos forradas en cuerina y movidas por el Parkinson.

"Oiga Vea" : Los 40 años de un documental caleño ( II Parte)

2011-08-06T19:57:00.000-07:00

EL CINE GUABALOSO

Los jóvenes directores Carlos Mayolo y Luis Ospina llegaron al barrio El Guabal, de la ciudad de Cali, el 3 de Agosto de 1971 a las 9 de la mañana. Mayolo era un cineclubista consumado. Carretos en mano se paseaba por sindicatos, plazas, parques y barriadas proyectando cine ruso, neorrealismo italiano y cinema novo. Ospina estudiaba cine en la prestigiosa UCLA donde Jim Morrison y demás cachorros se preparaban para arremeter contra la industria de Hollywood.

Ospina se encontraba de vacaciones, Mayolo siempre andaba en vacaciones. “Oiga, Vea” se había convertido en su segundo proyecto compartido (su primera co-dirección había consistido en incendiar juntos la loma de las tres cruces 10 años atrás).

Llegaron a la caseta comunal ubicada en la esquina de la Calle 14 con Carrera 39. Llevaban una cámara Bolex 16 m.m -de cuerda- y grabadora Nagra con sincronización deficiente. Mayolo, que era más entrador, preguntó por una familia que fuera numerosa, que botara corriente y que le diera duro al gobierno. “Y eso, como para que sería”?- le preguntaron.

- Estamos haciendo una película- contestó orgulloso-, es para entrevistarlos.

La señora los mandó directo, tres cuadras mas abajo, a la esquina de la calle 16 con carrera 40. Era la casa más fea del barrio, rodeada por una cerca de latas de guadua y forrada en esterilla. La puerta principal, tipo garaje doble, había sido construida con tinas de petróleo despachurradas, al estilo de las tapas de coca-cola para hacer sonajeros.

El casting no los defraudó: El viejo tenía 55 años, integrante activo del sindicato del Municipio, vigilante de profesión, carné del Partido Comunista. El hijo mayor había estudiado en Santa Librada College y las tres hijas militaban juiciosamente en la Juventud Comunista. Como valor agregado se encontraron en el patio con dos caballos y una mula: durante los fines de semana la familia entera se entregaba al oficio de la carretilla.

- Creímos que filmarían un western- dice Gustavo Grisales, quien tenía 7 años entonces- Esperábamos bala corrida con los caballos y la mula. No se olvide que en esa época los matinales infantiles no eran dibujitos como ahora.

- Los filmadores eran peludos y tenían cara de inteligentes- anota Bertha de Rodríguez fundadora del barrio

- Hoy en día ver una cámara por allí, filmando, es lo mas natural del mundo- afirma Nelson Palta- pero en el año 71 era muy extraño. Los tipos parecían caídos de otro planeta.

Entrevistaron, filmaron y se fueron con rumbo desconocido. Al año siguiente, en Agosto mismo, volvieron sonrientes. Traían dos carretes de 16 m.m bajo el brazo y un proyector Bell & Howell. Una sábana recién lavada sirvió como telón para el estreno mundial del documental “Oiga, Vea”. Lo demás es historia.

"Oiga Vea" : Los 40 años de un documental caleño (I Parte)

2011-08-04T05:54:00.000-07:00

Los VI Juegos Panamericanos realizados en Cali en el año 1971 inspiraron cuatro películas (1 largometraje y tres cortos). Los cubanos aportaron dos: “Un juego histórico” (9 minutos, Director Jorge Fraga) y “VI Juegos Panamericanos” ( 29 minutos. Director Jorge Fraga). Por su parte el gobierno de Misael Pastrana contrató a Diego León Giraldo para realizar “Cali ciudad de América” un largo documental perdido para siempre, del cual se conservan apenas los últimos 10 minutos en 35 m.m. Y, en última instancia, se encuentra “Oiga,Vea” (42 minutos) del tándem Mayolo- Ospina.

En las cuatro películas hay para todos los gustos. Desde la mirada oficial, hasta el panfleto cubano. Por un lado, Pastrana buscaba afanosamente lavar la imagen de una elección sospechosa y por otro, Cuba andaba en plena guerra fría con la crisis de los misiles todavía ardiendo.

En este contexto Mayolo- Ospina terminan filmando con pocos recursos el primer documental moderno en Colombia. “Oiga ,Vea” también es contemporáneo de “Chircales” de Rodríguez- Silva . Aunque sean muy distintos tanto en concepción como en mirada, ambos nos meten en la movida del cine contemporáneo en un momento en que lo “global” estaba lejos de inventarse.

Cuál es el encanto especial que encierra “Oiga,Vea” para que, 40 años después, se conserve fresco como una lechuga? En primer lugar, el manejo de la técnica tanto del montaje como de la cámara. El contrapunteo que se establece de entrada entre los de adentro y los de afuera hace que, por primera vez en el cine colombiano el espectador caiga en cuenta que a la cámara también la pueden marginar. Hasta ese momento el punto de vista de la televisión y del cine era desde arriba, desde el poder, desde los países de cucaña. La cámara de Mayolo es una subjetiva de los voyeristas, los que se acercan al estadio Olímpico Pascual Guerrero a mirar por el hueco de las gradas. Es decir, “Oiga,Vea” parte de la imposibilidad. Pero, a diferencia del panfleto muy en boga por aquellos años, la cámara no busca la miseria, ni la pornografía. Más bien, busca lo que no se le ha perdido: gestos cómplices, manos que se retuercen, al clavadista interruptus. Alguna vez le pregunté a Mayolo por ese manejo de cámara tan original para esos tiempos y me contestó muerto de la risa: “No era ninguna propuesta estética, es que nos prestaron una grabadora que solo conservaba la sincronización de los primeros 10 segundos de manera que para disimular el lip sync debía abandonar la cara del entrevistado y bajar a las manos o a cualquier otro plano que no fuera la boca”

En segundo lugar la música. “Oiga,Vea” constituye un mosaico del espíritu musical de la época. Hoy puede parecer recargado de melodía y esto se explica porque los realizadores se lanzaban a eliminar la voz en off, prácticamente de cumplimiento obligatorio en los documentales precedentes. Entonces, Richie Ray y Bobby Cruz terminan “narrando”, musicalmente hablando, el documento deportivo más esperado del año.

Y en tercer lugar, el sentido del humor. “Aquí se eliminarán las distancias”- dice Misael Pastrana en el discurso inaugural mientras vemos a un guambiano mirando la tele borrosa. O el plano antológico de la valla que reza: “Pasados los Panamericanos, Cali seguirá progresando: pague cumplidamente sus impuestos municipales”. A propósito de este plano, Andrés Caicedo anotaría en un sesudo ensayo: “Lo importante ha sido coger eso que mañana será orden en puro estado de fabricación, como quien dice aquí los cineastas le madrugaron al hecho, hicieron acto de presencia antes de que comenzara a circular”

O el sonido destemplado de la marcha olímpica en el momento en que la loca del barrio mira a la cámara. Así pues, a “Oiga, Vea”, la domina la patafisica, aquella “ciencia de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones”. Muy pegado a la ironía, al “medaunculismo” Caicediano y a la bacanería, el documental inaugura la escuela documental caleña; esa manera hacer cine en este puerto sin mar, en esta ciudad que se parece cada día más a una mujer atravesada por un rio.

La segunda parte en:

http://ventanadelcine.blogspot.com/2011/08/oiga-vea-los-40-anos-de-un-documental_06.html

IMPUNITY y TODOS TUS MUERTOS : Los vasos comunicantes de dos peliculas colombianas

2011-07-20T10:08:00.000-07:00

Por cosas del destino y de la vida, en la misma semana vimos TODOS TUS MUERTOS de Carlos Moreno e IMPUNITY del dúo Lozano-Morris. La primera viene siendo el primer plano de nuestra tragedia y la segunda una especie de plano general. Las dos se enfrentan al problema de “ Qué hacer con un muerto?”. En Antígona de Sófocles, la protagonista quiere sepultar a su hermano a pesar de la prohibición expresa del rey Creonte. Polinices no podrá ser sepultado con honras fúnebres por ser considerado traidor a la patria. Antígona desobedece la orden porque las leyes divinas están por encima de las leyes de los hombres. Creonte monta en cólera…

En IMPUNITY, una campesina le pregunta al temible jefe paramilitar H.H la razón por la cual no se les ha permitido enterrar a sus muertos y le suplica que por lo menos les digan donde están. H.H le contesta: “Nosotros en un principio asesinábamos y dejábamos los cadáveres en el camino pero resulta que se estaban disparando las cifras de asesinatos en el municipio. De manera que tocaba hacer fosas comunes o tirarlos al rio”.

Si en el siglo 19 la reina de las ciencias fue la física y si en el siglo 20 se impuso el psicoanálisis como forma novedosa de ciencia, el siglo 21 tiene a la estadística como la mandamás del poder. Ya el asunto no es de leyes divinas y humanas como en Antígona. Ahora se gobierna con sondeos semanales.

TODOS TUS MUERTOS se inicia con un polvo. El Protagonista (Álvaro Rodríguez) folla como los gallos de pelea que suele criar en su finca. Es decir, es un primer plano que incita a la vida en un pueblo cualquiera de Colombia. La cámara de IMPUNITY , vuela sobre el verde espeso mientras el narrador nos anuncia: "En esta selva no hay Estado. Aquí, hay guerra. Desde siempre. Guerra civil, un conflicto armado interno, amenaza terrorista, lucha ideológica. Los extremos: izquierda, derecha. Los mismos métodos: competencia de crueldad".

Si bien la película de Moreno es una fábula que puede parecer exagerada, IMPUNITY es un documental que a todas luces nos lleva a la exageración. En TODOS SUS MUERTOS, 50 muertos parecen muchos, como que ninguno de nosotros ha visto tantos muertos apilados. Sin embargo en IMPUNITY las cifras adquieren dimensiones surrealistas: 15.000 campesinos destajados con motosierra y cuatro millones de desplazados. Ya lo dicen los asesores de imagen: “Un muerto es una tragedia y mil muertos son una estadística”

El cine de Moreno tiene un fetiche especial con los animales. Son ellos los que presencian nuestra tragedia. Una especie de microcosmos voyerista. El perro, la tijereta, el gallo de pelea conviven en una armonía salvaje. Y nos miran como una especie rara, incomprensible, en medio de los entresijos del poder. En IMPUNITY somos animales sin ningún sentido del equilibrio. No existen leyes divinas ni humanas. La única ley que acatamos es la ley de gravedad.

Pues bien, asistimos a la maduración del cine colombiano. Son dos miradas a la misma barbarie desde dos estilos, géneros y generaciones distintas. De todas maneras uno nunca pierde la esperanza que nos brinda Sófocles: al final de Antígona el coro de ancianos realiza un llamado a la prudencia y al respeto de las leyes divinas.

El estreno de TODOS TUS MUERTOS: En busca de El Perro Andaluz

2011-07-10T19:12:00.000-07:00

SE viaja desde Cali unos 100 kilómetros mal contados y estás encima de la mesa de billar. Andalucía es un villorrio fundado en 1836 y, coincidencias o no, sobresale en la historia por ser el primer municipio colombiano cuyo bautizo corresponde a una elección popular. La última función de cine se hizo hace 23 años cuando aún era posible soñar con los teatros de pueblo. De manera que hay por lo menos tres generaciones que crecieron sin conocer la magia del “Cinema Paradiso”

TODOS TUS ROLLOS

El coliseo es el improvisado teatro donde se ha adaptado un proyector Bell and Howell de 35 m.m, traído desde Pereira , y al cual le han acomodado un carrete único a la manera de los proyectores último modelo. Nadie sabe como enrollará la cinta que va pasando, pero el cine es el único arte que se da el lujo de tener Meliés en toda parte. El proyeccionista de cine es un bicho raro mezcla de plomero, electricista y brujo. Un proyeccionista puede hablarte de óptica sin ser físico, de cine sin ser cinéfilo, de acústica aún siendo sordo, de lentes siendo miope. Es un showman con alicate en mano, da órdenes, levanta el pulgar a sus dos asistentes como un césar romano. Es el hombre del carreto y de la luz.

TODOS TUS EXTRAS

Se anuncian dos funciones porque el coliseo se encuentra abarrotado y afuera hay otro tanto. Por un momento tuve la ilusión de estar de nuevo en el Teatro Calima en función sabatina del medio día. Todo el mundo en Andalucía tenía algo que ver con el estreno de TODOS TUS MUERTOS el 9 de Julio. Había orgullo, curiosidad, desparche y ganas de tomarse la foto con los actores. “ Y ese calvo, no es el papá de Betty La fea?” Jorge Herrera sonríe y va abrazando a todo el que se le atraviesa. “Los extras de la película me parecen uno verdaderos héroes, soportaron 40 grados a la sombra durante 40 días”- dice Álvaro Rodríguez el inolvidable detective cornudo de “La gente de la Universal”. Dado que es una película de bajo presupuesto, la producción echó mano de actores naturales del pueblo. Digamos que no actúan, son lo que el Neorrealismo Italiano llamaba figurantes, pero “película es película, home”, me dice un paisa parroquiano que figura brevemente en la escena del directorio político.

TODOS TUS GRITOS

Después de una fila estoica, lenta y con amago de lluvia, el coliseo repleto me recuerda a aquellos teatros de los años cincuenta: niños corriendo, viejitos hablando de la violencia conservadora, viejitas play indignadas con la inseguridad. Falta el olor a pollo frito y empanada para completar el sancocho ideal del teatro de barrio. Las presentaciones y los discursos de rigor dan paso al momento más emocionante de mi infancia: se apaga la luz. No falta el silbido y el grito, “ayyy no me muerdan” . Con la aparición de los primeros créditos viene el silencio. Qué verde era mi valle!!

TODOS TUS VERSOS

Los pesimistas somos optimistas bien informados, desconfiamos de la felicidad. Tanta dicha y tanta añoranza se vio interrumpida a los 20 minutos. Antes de finalizado el primer acto, Meliés nos falló. Nada pudo el alicate mágico. El cine ha muerto, sobre su cadáver se yergue el videojuego. Los románticos, los que vivimos en la burbuja del pasado, pasamos el trago amargo. Con el pucho de la vida apretao entre los labios. Desengañado de bares y cantinas.

Mientras llegaba el poco romántico Video Proyector con su mejor amigo el DVD, alcanzaron la tarima el chistoso del pueblo (“Había una vez un pastuso tan bruto que lo invitaron a una fiesta de un grado y llevo chaqueta pa’ no resfriase”) y la coplera (“La mujer en el amor / se parece a la gallina/ cuando hacen falta los gallos/con cualquier pollo termina”). Una velada que le habría encantado a mis viejos, home.

TODOS TUS DISCOS

Los románticos tenemos razón. La fotografía orgullosa de Sundance y que en el rollo de Meliés nos había deslumbrado, en el disco no pasaba de ser una iluminación correcta. Pero nada de nervios película es película, home. Estrenos como éste no se ven todos los días. Ahora si, después de tanto susto, ahora si a videar la historia que tanto gustó en Rotterdam y en el pueblito de Robert Redford.

Hay tantas cosas para decir de la película del tándem Moreno- Ramírez-Torres... Inicialmente, los coqueteos con Antígona de Sófocles el cual me parece un punto de partida para la discusión. Que hacer con un muerto?. Bueno, hay que verla con un pase de gelatina.

X Festival de Cine Tandil ( Argentina)

2011-07-04T09:27:00.000-07:00

Nuestra amiga y parcera Eliana Orozco, da muestras de vida desde cualquier Festival del mundo. Éste es su reporte desde tierras Argentinas

X TANDIL CINE, se sobreimprime sobre una imagen que juega la materialidad del juego visual, la idea de una tridimensionalidad al interior de una bidimenionalidad. Un día alguien dijo, desprevenidamente, que mientras una idea quiere decir, la imagen dice, he de ahí la posibilidad de jugar a improvisar dimensiones a las pretensiones de nuestra mirada por captarlo todo tal cual nos han dicho que son (deben ser) las cosas. En un primer nivel tenemos el cruce de dos cintas de negativo de 35mm formando una “X”. Atrás, en un segundo nivel esta el Quijote, armado de estandarte y escudo, emblema turistico de la ciudad de Tandil. El hidalgo, a su vez, esta sobreimpuesto a un cielo cuyas nubes misma ya tiene una fuga al horizonte. EL TANDIL CINE es un festival argentino competitivo, de 6 días de duración. (del 21 al 26 de Junio de 2011). Las categorías son largometraje ficción, largometraje documental, y cortometraje. La noche del 26 de Junio de 2011 se premiaron respectivamente La Cantante de Tango (Martinez Vignatti), Un Arriero (Juan Baldana) y Piedras Preciosas (Yanina Fernández Nuñez). Esta décima edición el festival tuvo además de los diferentes primeros premios, varios reconocimientos por sus virtudes dramáticas y formales. Por seis días vimos pasearse por las empedradas calles tandilenses a los jurados Ana Katz (directora de cine), Luciano Barandiaran (Historiador), Hugo Colace (Director de Fotografía), para la categoría de largometraje Ficción. Pablo Mazzola (programador artístico de espacios INCAA), Sergio Wolf (programador artístico del BAFICI) y Jorge D. Tripiana (Lic. en Historia) , para la categoría de Largometraje Documental. Y para elegir el cortometraje estuvieron Eduardo Calagno (Director-documentalista), Mariela Cantú (curadora de artes visuales) y Mariano Schettino (diseñador industrial y docente universitario en facultades de diseño).

Este fue un Festival informal, con “frío y Glamour”, como bien comento una de las asistentes. Se vieron nuevas formas de encarar el dispositivo y darle forma cinematográfica a las realidades que nos rodean. Uno de los encuentros mas fructíferos del Festival fue una charla con diferentes directores. Entre los ejes de la producción, la distribución y las formas de representación, nos permitieron rastrear una nueva tendencia, la de un MRA, Modelo de Representación Autoral, que no es lo mismo que la ya categoría hecha de “cine de autor”. Mas que un todo sistemático y bien articulado, se trata de ojos que ven desde las aceleradas condiciones tecnológicas del cine, se dan otras relaciones y articulaciones entre la forma y el contenido, en cada film de un mismo director. Conforme organizan sus historias, parece que primero se la cuentan a ellos mismos en condiciones de enunciación cinematográfica y luego la gritan a voces en películas bien pensadas para los demás. Paradójicamente el Festival abrió con una película de corte institucional Dreaming Nicaragua, dirigida por Marcelo Bukin, de quien hubo retrospectiva durante el Festival, y cerro con SoyHuao de Juan Baldana, documental sobre las comunidades Huaories de Ecuador. Mientras el film de Bukin tiene una deliberada intención de solidarizarse con las campañas de sensibilización de la fundación Febretto, Baldana se acerco por un día al caserío indígena para registrar imágenes para una ficción, y se quedó 17 días trayendo material para un documental de autor.

Lo que si quedo claro en esta pulsada fue la pisada fuerte de las nuevas tendencias, como gesto de resistencia bajo el yugo del sistema de producción, distribución y exhibición gerencial y comercial. Esta claro que en el nivel de la producción se juegan varias cartas, pero también es cierto que cada convocatoria para subsidios exige un Az diferente de la baraja, lo cual funciona como un filtro para que ganen los de siempre o los que supieron darle la vuelta al juego. En Argentina las quejas mas frecuente son contra los regimenes de exhibición comercial, el complejo Hoyts tiene amplia recepción de propuestas, pero parece ser que son legajos haciendo equilibrio uno encima de otro en algún escritorio, por que las copias nunca llegan a programarse. EL Malba , pese a ser una ventana con vistas mas panorámicas suele tener la dificultad del acceso y, siendo sinceros, ya tiene un circuito de publico especializado, no es una plataforma muy democrática. Los espacios INCAA no tiene mejor fama entre los realizadores argentinos actuales. ¿Qué queda? La herramienta es una y hegemónica, la Web es el trampolín a la exhibición independiente, los propios realizadote tiene sus websites y suben personalmente sus películas, generan foros con su publico, sin legajos, contestadotas virtuales o estar detrás d eun agente de prensa. Este tipo de alternativas permiten desmontar uno del os principales mitos sobre los cuales se encabalgan las cadenas de distribución y agentes de venta en Argentina para justificar la no proyección de los Films: “al publico argentino no le gusta ver cine nacional”. Las películas duran dos semanas en cartel, sin mas publicidad que la prensa que cada cual pueda hacer de u film y el boca en boca, mientras la televisión ofrece 24hs al día todo un mundo de captación enviciador. Es una realidad, en todas las casa hay un televisor, pero no un primo cineasta. Rodolfo (Fito) Pochat director de Tren a Pampa blanca (2010) afirma haber encontrado que proporcionalmente por cada película extranjera que se estrena en el país, son menos los argentinos que la ven en relación a la cantidad que de ellos encontramos sentados disfrutando de unos de los pocos estrenos locales. Los medios de exhibición underground ha aumentado mucho en los últimos 14 años, acompasados en parte con la proliferación de escuelas privadas de cine en Buenos Aires. Si bien conseguir la producción material de la película es difícil a la hora de hacer un trasferí a DVD, los recursos también son un tema extenso. En el marco del Festival los realizadores confiesan repetidamente una frase que bien podría sintetizar el MRA: “somos concientes del cine que hacemos” con esto quieren decir que se hacen cargo de su situación al margen, y de echo es casi un espaldarazo cantado a las ya caducas hegemonías de masividad, abriendo a su vez, las alas de sus expectativas a la democratización virtual. Esta claro, las mismas políticas de exclusión del circuito comercial han llevado a que el tema ya no sea de taquilla, sino de alcance. En este sentido el Festival de competencia nacional, como el caso de Tandil, es el espacio premier para este tipo de iniciativas, y es un evento respecto al cual los realizadores noveles sienten la responsabilidad de, como se dice, “bancar y ponerle el cuerpo” Pero de todas las alternativas la menos frustrante es la propia, “hágalo usted mismo en la red”. Sin embargo, reconocen con pena que “todavía no llega la forma ideal a la cual aspirar, y le siguen dando la vuelta a los modos de producción, distribución y exhibición”.

En el nivel del modo de representación, la articulación forma-contenido, nos encontramos ante propuestas estilísticas, desde la conciencia del uso y la condición de mediador del dispositivo, se trabaja la coherencia en el nivel del “Cómo”, en relación al que: si se filma con una cámara pequeña, grande o de fotos, según el espacio y el tema a registrar. La contundencia se busca en el nivel de la construcción de sentido, en la articulación entre la historia y la forma de registrarla, no de cómo contarla. La tendencia estética de este MRA es la intima relación entre la materialidad tecnologica del cine y lo que se va a filmar, la pregunta por qué dispositivo es el mas adecuado para registrar el aquí y ahora, es en el presente mas evidente que en el pasado; no tiene que ver con el modo trasparente de contar una historia, por el contrario, la trasparencia es tenida en cuenta desde el otro lado, de la pantalla hacia el proceso de realización, ya no tiene que ver con el fenómeno receptivo. Por ejemplo, la película El mensajero es registrada en blanco y negro. A la hora de viajar al norte argentino Martin Zolá sabia que iba a tener que registrar mucho en plano general, así que su principal temor era caer en la foto de postal turística. El blanco y negro funciona como técnica de distanciamiento de esta tendencia. A veces las cosas se logran y a veces se pierden, esta es la apuesta que caracteriza al modo de representación autoral MRA.

En suma, coincido en haber estado en un festival con mucho frío y glamour, con un salpicado todo un poco pero que nos deja una tercera oleada de ese ya utilizado concepto de un “nuevo cine argentino”. Después de la generación del 60´, los pizza, Birra y faso, sábado y rapado de los 90, estamos siendo testigos de toda una generación de autores maduros, entre 30 y 45 años, con ánimos no de generar sino de aprovechar al máximo los juegos tecnológicos que ofrece el sistema cinematográfico actual. Ya no se trata de un autor proclamando ideas cinematográficamente , sino de imágenes que hablan por si solas y enarbolan otros manifiestos y formas de ser y expresar.

FERNANDO TRUEBA PASO POR AQUÍ: EL DIRECTOR QUE NO DICE ACCION

2011-05-07T11:21:00.000-07:00

“Nunca pronuncio en un rodaje la famosa palabra “acción!!” , porque pierdo concentración. Estoy pendiente del resto: el cuadro y el actor. Lo que si me gusta decir es “Corte” pues espero al final una improvisación o una frase espontánea“. Fernando Trueba lo dice con voz ronca y pausada. Mueve los ojos en un tic tac. Nunca se sabe para donde mira realmente porque cada globo ocular tiene su propio radio de acción. El estrabismo Truebiano es un arma para despistar al contertulio. Ya en el “Diccionario de Cine” ( Editorial Galaxia Gutemberg) Trueba advierte que John Huston había intentado hipnotizar a J.P Sartre sin éxito porque “el colmo de la pretenciosidad es pretender hipnotizar a un estrábico”

Trueba ha venido a Cali al evento “VASOS COMUNICANTES: DIALOGOS DE CINE” . Es la semana del 12 de Octubre. También están presentes Ciro Guerra, Nicolás Buenaventura, Alonso Torres y el cubano Luciano Castillo.

Trueba reivindica su condición de cinéfilo antes que la de realizador: “En un rodaje no se aprende nada de cine. Es viendo películas, saboreándolas”.

Se pasea a lo largo y ancho de la historia del cine. Va de Renoir a Berlanga. De Billy Wilder a Azcona. Incluso se detiene para hablar de Salvador Dalí (“Un lameculos y pésimo pintor, vamos” ) y de Pepín Bello , el confidente de la plana mayor del surrealismo. A quien Buñuel, Lorca Y Dalí le contaban las intimidades.

Trueba ha sido, toda la vida, amigo de ancianos. Muchos de sus compadres le doblaban o le triplicaban la edad. Se hizo amigo de Pepín Bello cuando éste superaba los 90 años y juntos se pegaban monumentales borrachera. “Pepin me enseñó que el secreto de la longevidad radicaba en dos cosas fundamentales: nunca trabajar y nunca casarse”

Para Trueba los amigos lo son todo, incluso recuerda que siendo un chaval terminó siendo amigo del gran Bresson. “A los 17 años yo me la pasaba metido en el cine. Tenía un amigo macarra, de esos que roban coches y tal. Un día, caminando hacia el cine me lo encuentro. El chico se me pega pero le insisto que esa película no es para él, que se va a aburrir. Le digo que es una película de Robert Bresson llamada “El condenado a muerte se ha escapado”. El titulo le entusiasma. Yo me la estaba repitiendo y a él le encantó la película. Me pregunta que si he visto más películas del tal Bresson y le contesto que me las he visto todas”.

- Bueno y porque no le buscas?

- Porque no sé donde vive, hombre, que le voy a decir?

- Pues lo ubicas en la guía telefónica y le dice cuanto lo admiras..

- Pero mira- le digo muerto del susto- debe haber muchos Bresson en Paris.

- Los llamamos a todos- insiste

En la guía no figuraba más que un Robert Bresson!!!. Al marcar yo guardaba la esperanza que contestase la secretaria o que se cayera la llamada. Y al otro lado una voz firme “Robert Bresson cest moi..”. Titubeando le digo que me gustan mucho sus películas.

- Bueno, cuando vengas a Paris ven a verme

III

Va de auditorio en auditorio. Hoy en la Universidad Autónoma al sur de la ciudad, mañana en Comfenalco en pleno centro, luego a la Fundación Hispanoamericana al norte. Termina en Tuluá en un encuentro casual con Gustavo Álvarez Gardeazábal.

- Te va a caer bien este tío- le digo en voz baja- también es ateo y provocador.

Pero al abrirse la puerta nos reciben estatuillas de la virgen María de todos los tamaños. Trueba voltea los ojos preguntándome si lo de ateo era una ironía caleña.

- Es la casa de mi madre – aclara Gardeazábal- dando inicio a un delicioso intercambio entre dos personajes que han nadado a contracorriente en sus respectivos países- Se acaban de ir lo de editorial Mondadori y me han ofrecido contrato pero el negocio ha cambiado radicalmente porque ahora a ellos no les interesa publicar novelas sino enganchar escritores. Imprimen lo que caiga.

- A mí me han ofrecido varias veces publicar una novela- acota Trueba- pero como voy a firmar si no la he escrito aun. Les digo que soy director de cine!!!

Gardeazábal le cuenta sobre los peores males que les heredamos a los españoles: la burocracia y la mojigatería. Luego se decanta en un plano secuencia donde expone los orígenes de nuestra intolerancia visceral. Trueba conoce muy bien Latinoamérica, no en vano ha dirigido “El milagro de Candeal” en Brasil , “El Baile de la victoria” en Chile y es amigo de la plana mayor del latín jazz.

Le pregunto por qué la paella en varias de sus películas. “Hombre tengo una costumbre, si aguanta la escena me invento que un personaje se antoje de paella. Yo mismo la preparo, la filmamos y luego todos la comemos. Es mi ritual”. Su gusto por la cocina va a más allá y se faja una apología al aceite de Oliva. Ha sido catador oficial y jurado en varios concursos aceitosos en España. “El mejor aceite de Oliva del mundo lo hacen en un pueblecito de España pero no doy más detalles porque la producción es muy artesanal y yo la compro casi toda”

Pues sí. Oficialmente, Fernando Trueba es el primer premio Oscar que arriba a nuestra ciudad. Lo ganó por Belle Epoque (1992) una frescura de película que aguanta de maravilla el paso del tiempo. En Belle Epoque sucede la imposibilidad cinematográfica: la única violación carnal y poética en la historia del cine, la escena es tan agradable que al espectador le entran ganas de repetirla. Me parece que al cine moderno le quedan tres últimos románticos: Clint Eastwood, Wong Kar-Way y Trueba. Los tres creen en el amor, viven la utopía de que el arte puede mejorar nuestras vidas, ayudar a construir un mundo mejor.

Después de una semana intensa, Trueba se despide con el sabor del jazz caleño, se va encantado del sonido que emana la marimba de chonta. Nunca había probado el chontaduro, ni sabia quien era Andrés Caicedo. Se lleva 45 películas colombianas y unos 7 libros de historia y ficción. Se asombra del movimiento cultural de Cali. Piensa en una serie de televisión que vaya de pueblo en pueblo contando las historias cinematográficas de cada lugar.

Al final se va recitando su clásica historia sobre cómo se enamoró del cine:

“Cuando yo era niño, en mi barrio (Estrecho), la gente hasta cenaba. Era un caos 'felliniano'. En el cine Montija, en Bravo Murillo, había hasta una 'pajillera', en el Europa, en la misma calle, un tipo mató a otro mientras veíamos 'West Side Story' y familias enteras cenaban en los cines. En el Bellas Vistas, cuando era un niño, vi a una pareja follando durante un documental de Disney sobre lobos. A pesar de todo eso, o gracias, quién sabe, aprendí a amar el cine. Yo a veces como palomitas. Otras me da vergüenza”.

Para ver homenaje a Trueba en video , pique aqui:

http://vimeo.com/16110644

Las mejores películas del 2010: Ebrio de conciertos y pintura

2011-01-01T19:51:00.000-08:00

Antes de la revolución digital hacer antologías cinematográficas era más fácil. Porque había menos de donde elegir y porque existía una cosa llamada sala de cine (donde se proyectaban películas con personajes cuyos conflictos buscaban hacer la vida mas llevadera). Hoy existen ...

Para leer articulo completo:

http://mismejoresfilmes.blogspot.com/

Programación confirmada de PANCE : TRES DIAS DE PAZ Y CINE

2010-12-26T03:42:00.000-08:00

Durante los tres dias de Paz y cine se estrenarán las peliculas triunfadoras de los dos Festivales mas importantes del año: por un lado la flamante ganadora en Cannes ( El Tio Boonme recuerda sus vidas pasadas) de Apichatpong Weerasethakul, director Tailandés de quien se ha dicho que sería el adaptador perfecto para "Cien años de soledad" y Reino Animal , pelicula australiana revelación en el último festival de Sundance. Estarán invitados dos realizadores caleños: Carlos Moreno y Carlos Fernandez. Y el guionista Alonso Torres.

Para consultar la programación completa pique aquí: http://eventosventana.blogspot.com/

Para consultar las fichas técnicas y sinopsis de las peliculas programadas pique aqui:

http://tresdiasdepazycine.blogspot.com/

Para bajar la programacion en formato word a su computador:

http://www.mediafire.com/?7ukgg0a37u3t0ft

Para bajar las fichas técnicas y sinopsis a su computador:

http://www.mediafire.com/?c6r5hf5bkdh288q

Criterios y secciones de la programación de "Pance: tres dias de Paz y Cine"

2010-11-21T16:49:00.001-08:00

Las Películas iniciarán a las 5:00 de la tarde y finalizarán a las 2: 30 de la mañana. Antes de cada largo va un corto. El mayor desafío de la programación consiste en que más de la mitad de las películas sean “invisibles”. Conozco 3 personas en Cali a las cuales es muy difícil sorprenderlas porque mantienen al día en materia cinematográfica. Si la programación logra “chiviarlas” entonces hemos cumplido el objetivo.

Las secciones serán las siguientes
Cuando los grandes eran cortos: Cortometrajes iniciáticos de los grandes autores. Allí se encuentran muchas claves del desarrollo posterior de las ideas de estos directores.

Cine de culto muy oculto: Películas que en el momento de su lanzamiento las vio muy poca gente pero que, poco a poco, han ido ganando adeptos.

El cine revelado: Directores jóvenes y desconocidos que un día se lanzaron a realizar una película de bajo presupuesto y clasificaron a grandes Festivales

El cine que nos anima: Verdaderas joyas de animación que no han sido suficientemente difundidas.

En realidad...: Documental de Autor, de creación o documental-ensayo.

Conversatorios:
Se programarán dos conversatorios con realizadores, en el horario de las 3: 00 p.m

Para consultar precios y ubicación de la Reserva pique aquí:
http://eventosventana.blogspot.com/

Diario del festival: Porqué los foros con los cubanos siempre son lo mismo?

2010-11-01T07:24:00.000-07:00

Hace unos años Silvio Rodríguez fue invitado al Festival de Cine de Cartagena y la rueda de prensa se convirtió en un cuadrilátero donde se habló de todo menos de música, cine o poesía. No sé porque se asume que el foro con un intelectual cubano es una balanza donde se va a medir fuerzas, a ver quien defiende o quien ataca la revolución.

Edmundo Desnoes, alto, ligeramente encorvado, firme como un guayacán, vino a Cali paseando sus 80 años recién cumplidos. Habla fuerte como todos los cubanos, bigote pasado tipo Bienvenido Granda, lúcido y con una memoria que asombra en estos tiempos de fragilidad mnémica. Puede recitar a Neruda o a Martí. Puede citarse a sí mismo en las frases que escribió con Tomas Gutiérrez Alea para el clásico”Memorias del subdesarrollo”( 1968). Antes de la realización del filme escribió en el texto “Una aventura en el trópico”: “Tengo sentimientos encontrados. Siento amor y odio hacia Hemingway; lo admiro y al mismo tiempo me humilla. Como mi gente: es lo mismo que siento cuando pienso en Fidel, en la Revolución”.

Pues bien, el conversatorio con Desnoes siguió la línea de lo esperado: cuando algunos queríamos dedicarnos a hablar de Literatura y Cine, la cosa se nos iba hacia cualquier extremo. Jab de izquierda, jab de derecha.

Porqué no sucede lo mismo si el forista es argentino? Ser cubano en el exilio es como ser pastor de una religión. Y la gente va armada para adularlo o darle en la mula. “Dentro y fuera de Cuba- dice un viejo refrán habanero- todas las discusiones terminan en Fidel. Incluso si tu mujer te ha sido infiel, es culpa de Fidel”

Desnoes dora la píldora con una explicación cortante: “Creímos que por haber desafiado a la gran potencia, podíamos adueñarnos del mundo. La Revolución nos hizo perder el sentido de las proporciones”

Precisamente como la reunión convocada llevaba por título “Las dos caras de Cuba” , Desnoes se estrenó con el Ying y el Yang: “Se han creado clichés de los países. Usualmente se piensa que si uno es cubano, es alegre y fiestero. Pero ese sol Caribe también tiene su noche. Y es la revolución la que nos quitó esa alegría. El Ché no sabía bailar, tampoco Fidel”.

Pero teniendo 40 siglos de literatura y un siglo largo de cine, vale la pena girar siempre alrededor de 50 años de Revolución? Por ejemplo, volví a ver hace poco “Memorias del subdesarrollo” y me parece que aguantaría un remake: el mismo personaje caminando por el Malecón , un treintón buena vida soñando con lo que no hay. Pero el viejo me baja de la nube:

“Eso no es posible. Porque el personaje de Sergio estaba dentro de un contexto específico: la presencia de Rusia como potencia, las nuevas expropiaciones. Sergio sentía que la Revolución reemplazaba el goce y la diversidad por el sacrificio”.

Desnoes publicó hacia el año 2003 una novela llamada “Memorias del desarrollo”. No es un auto-remake sino la lectura de su propia vida moviéndose entre dos culturas que inicia así:

“Antes de desertar, de abandonar la isla y venir a vivir y morir en los United States yo había sido durante veinte años un verdadero creyente en la Revolución cubana, un marxista comprometido, estremecido de fervor revolucionario. ¿Cómo podía dedicarme ahora a enseñar si mi vida era un error? Creo en las devastadoras virtudes de un loser. La cultura anglosajona me ha penetrado, violado, revelado facetas de mi personalidad que hasta ahora desconocía. Soy un loser, un perdedor, y en realidad no me importa ganar, solo me interesa la intensidad de mis sentimientos. Me regodeo en la caída. La tragedia me asienta mucho mejor que el éxito. Don Quijote jamás deshizo un entuerto. Bolívar murió convencido de que había arado en el mar. Ahora y solo ahora –después de mi crueldad con las tiernas y hermosas mujeres, de mi desastrosa entrega al sueño encarnado del socialismo, de haber contribuido a la polución del ambiente, de haber escrito y hablado mierda hasta por los codos, y de contemplar en el espejo las devastaciones del tiempo en mi cuerpo ruinoso– comprendo y aprecio a fondo los humillantes pleasures of loserdom, aprecio los placeres de la perdedumbre.”

Diario del Festival: Para que sirve un festival de Cine?

2010-10-30T13:32:00.000-07:00

Al ingresar al Auditorio de la Cámara de Comercio en pleno centro de Cali, me aborda un viejo amigo que susurra con sorna: “Estoy promoviendo un referendo para que dejen en paz a Andrés Caicedo”. El hombre se refiere a que el programa del 2º Festival de Cine Caleño es generoso en películas y charlas sobre nuestro escritor suicida.

- -Yo no me siento saturado – le digo haciendo las veces de abogado del diablo- , supongo que el Festival quiere mostrar la cantidad de audiovisuales que ha generado la figura mítica de Andrés. Para nosotros es pan comido pero para los extranjeros es una novedad, lo descubren a diario.

- - Entonces que lo hagan en el extranjero y no jodan más con eso…

- -Yo mismo, que creía haber visto todo lo de Andrés- le digo en tono de chico regañado- estoy sorprendido de la cantidad de documentales que se siguen produciendo con el tema.

El hombre me deja hablando solo y se sienta en la segunda fila mientras maldice, tuerce la boca y le da golpecitos al aire. Personaje mas caicediano no puede haber.

Y llegó el invitado, Sergio Wolf , líder vocal del BAFICI (Buenos Aires Festival de cine independiente), canoso, guionista y curador. Pocos asistentes (ya se sabe que los sábados hay resaca en Cali y que 10 de la mañana es un madrugón) pero bastante entusiasmo y ganas de conversar.

- - Lo primero- dijo con acento cordobés- es que hay que diferenciar a los Festivales. Los hay de vieja data (con alfombra roja e invitados famosos) y los nuevos Festivales que son punto de encuentro entre cineastas y que continuamente se están haciendo preguntas en torno al cine.

Entretanto, el neurótico del primer párrafo volvía a torcer la boca: “Como así que estos que se dicen marginales y vanguardistas siguen viviendo en la Cali de los años 70” – pensó y me clavó la mirada por encima de los culos de botella.

- - Estos nuevos Festivales tienen una curaduría minuciosa. Tienen un criterio amplio y puntual a la vez. Son programados por cineastas o por críticos. Hacen visible lo invisible, lo que no circula. Más películas con menos plata. Además constituyen plataforma de lanzamiento de películas pequeñas que de otra manera no se proyectarían. Poco a poco, los Festivales independientes han ido formando una hermandad, hemos creado un engranaje por el que circula el cine digital.

“He visto mucha mierda por el cine digital. Mas películas, menos calidad”- masculla el neurótico, se quita las gafas.

- - Eso puede ser cierto – le reviro- pero el cine industrial tampoco es gran cosa. A nuestros realizadores no les queda otra alternativa que abaratar costos.

Sergio Wolf continúa hablando de su experiencia como director de uno de los Festivales más prestigiosos de Latinoamérica. A sus escasos 47 años, es un viejo lobo de las nuevas generaciones de cinéfilos que llegaron con otro criterio a programar cine, a ayudar a ver, a descubrir talentos.

- -En BAFICI tenemos salas en todos los formatos y lo que sucede ahora es que no tenemos películas para proyectar en 35 m.m. Estamos asistiendo a la muerte de los procesos químicos. Nuevos formatos, nuevas tecnologías que le dan oportunidad a los chicos de hacer un cine personal, arriesgado.

El segundo festival arranca lento y quedamos a la espera de los demás invitados internacionales. Casi 200 películas en escena. “El conversatorio de Alberto Fuguet- se despide el neurótico- si Dios quiere me lo pierdo”- y se va caminando en zigzag cual personaje buñueliano.

Bienvenido Mr. Trueba ( homenaje-montaje)

2010-10-22T21:20:00.000-07:00

Bienvenido Mr. Trueba from Cortos Sabrosos on Vimeo.

Mario Vargas LLosa en el cine

2010-10-20T19:33:00.000-07:00

PIZZA DE PELICULA

CICLO : NOVELAS DE VARGAS LLOSA LLEVADAS AL CINE

JUEVES 7:00 P.M- Entrada Gratuita
Cra 12 # 2-81
Barrio San Antonio

Como homenaje al Premio Nobel de literatura 2010, presentaremos las tres adaptaciones que se han realizado hasta ahora.

Octubre 21

LA CIUDAD Y LOS PERROS

Director: Francisco Lombardi

La película condensa en sus 144 minutos de metraje lo esencial de un material literario tan vasto como complejo. Evita abordar el rico perfil social y psicológico que la novela ofrece sobre un grupo de cadetes del colegio militar Leoncio Prado, y en su lugar privilegia la perspectiva de uno de ellos (El poeta) como narrador de la historia. Del mismo modo, concentra casi exclusivamente las acciones fílmicas en el espacio de la escuela -recinto opresivo y represor donde impera la ley del más fuerte- dejando a un lado el rol que jugaba la ciudad de Lima dentro de la novela. A este tratamiento se suma el estilo característico de su director: una narración lineal y clásica, una puesta en escena contenida y austera.

Octubre 28

PANTALEON Y LAS VISITADORAS

Director: Francisco Lombardi

Pantaleón Pantoja, capitán del ejercito peruano, es un hombre integro, responsable, excelente profesional y mejor esposo. La nueva misión de Pantaleón es organizar un servicio ambulante de prostitutas para aplacar las necesidades sexuales de los soldados que se encuentran en los asentamientos militares de la Amazonia.

Noviembre 4

LA FIESTA DEL CHIVO

Director Luis LLosa

Santo Domingo (República Dominicana), 1992. Urania Cabral regresa a su ciudad natal. Apenas reconoce al viejo calvo y desdentado que yace en su lecho, mudo e inmóvil, casi inerte. Es su padre, Agustín Cabral, alias "Cerebrito", Presidente del Senado y mano derecha del dictador Trujillo durante muchos, muchos años. Hasta que cayó en desgracia. Pero de aquello ha pasado mucho tiempo. Todo ello lo recuerda Urania 30 años después. Se lo cuenta a su tía y a sus primas, que no entienden por qué ha estado tanto tiempo sin venir a verlos, a ellas y a su propio padre.

Programación de VASOS COMUNICANTES Y EL DOCUMENTO PARA LA DISCUSIÓN

2010-10-01T20:42:00.001-07:00

PUNTO DE PARTIDA PARA UNA DISCUSIÓN ( DESCARGUE AQUI LOS DOS TEXTOS QUE SE HAN PROPUESTO COMO PUNTO DE PARTIDA PARA LA DISCUSION DEL JUEVES 14 EN EL HISPANO)
http://www.mediafire.com/?pr14abiswr5x0bn

Descargue la programación completa en formato word aqui:
http://www.mediafire.com/?f1rlxhbe8gdqxk9
Descargue la programación completa en formato JPG. Cara 1 http://www.mediafire.com/imageview.php?quickkey=eephr1vm9oxogsf&thumb=4
Cara 2 http://www.mediafire.com/imageview.php?quickkey=m6261tp9kyy2ry7&thumb=4
Descargue la entrevista de GACETA de EL PAIS : http://www.mediafire.com/i/?leaulmhvqj77cua

Spot de VASOS COMUNICANTES DIALOGOS DE CINE

2010-09-28T05:38:00.001-07:00

En busca de la poesía en el cine con Ciro Guerra

2010-09-05T06:51:00.000-07:00

Entre el 11 y el 16 de Octubre Ciro Guerra dictará el taller EN BUSCA DE LA POESIA EN EL CINE

Lugar: COMFENALCO Calle 5 Carrera 10- Cali

Hora: De 5 de la tarde a 9 de la noche

Informes, programa e inscripciones: Ventana Indiscreta Cra 27 # 2-05 oeste. San Fernando Cali

Tels: 556 47 40 / 316 739 7176.

Aporte: $99.000.

Descargue el programa del Taller picando aqui:

http://www.mediafire.com/?ud7q36g7scl8abr

FERNANDO TRUEBA EN CALI

2010-08-31T21:10:00.000-07:00

Como antesala al evento VASOS COMUNICANTES, diálogos de cine, Pizza de Película presentará un ciclo de los directores CIRO GUERRA ( Colombiano ) y FERNANDO TRUEBA (español)
Programación PIZZA DE PELICULA (Ubicada en el Barrio San Antonio Cra 12 # 2-81)
JUEVES 7 P.M
Entrada Gratuita

CICLO FERNANDO TRUEBA EN CALI
Septiembre 16
BELLE EPOQUE ( 1993)
Director: Fernando Trueba
Con: Penélope Cruz
Fernando, un joven desertor que recorre los campos, conoce a Manolo, un viejo pintor, sabio y escéptico, retirado de la pintura y del mundo, que le ofrece ayuda y cobijo. Y sobre todo, su amistad. Pero llega el día en que Fernando debe irse, pues las cuatro hijas de Manolo vienen de Madrid a pasar unos días con su padre. Días de amor y amistad, de alegría y tristeza, de placer y dolor, que serán los mejores de su vida, que serán su "belle époque".

Septiembre 23
CALLE 54 (2002)
Director: Fernando Trueba
Documental sobre el Jazz
Calle 54 es mi manera de saldar una deuda de gratitud con el jazz latino, una música que me ha hecho disfrutar y me ha ayudado a vivir como ninguna otra. Para mí, la película es un musical. Un musical sobre música, sobre cómo se crea, sobre cómo surge. Su argumento, su guión, son las piezas musicales elegidas. Sus protagonistas, los músicos.

Septiembre 30
El BAILE DE LA VICTORIA ( 2009)
Director: Fernando Trueba
Con la llegada de la democracia, el presidente de Chile decreta una amnistía general para todos los presos sin delitos de sangre. Entre ellos se encuentran el joven Ángel Santiago (Abel Ayala) y el veterano Vergara Grey (Ricardo Darín), un famoso ladrón de cajas fuertes. Sus planes no pueden ser más opuestos. Mientras Vergara Grey sólo quiere recuperar a su familia y cambiar de vida, Ángel sueña con vengarse del alcaide de la prisión y dar un gran golpe.Pero en su camino se cruza la joven Victoria (Miranda Bodenhöfer); las vidas de los tres sufren un cambio total que les llevará a enfrentarse con un nuevo destino.

Fernando trueba recuerda su Oscar por "Belle Epoque"

2010-08-29T10:14:00.000-07:00

Especial Oscar 2009: Fernando Trueba recuerda 15 años después su Oscar

Fernando Trueba en Cali en Octubre 11

2010-08-25T23:40:00.001-07:00

I Muestra de Corto Caleño

2010-07-27T08:52:00.001-07:00

PIZZA DE PELICULA Y La Videotienda Ventana Indiscreta han recopilado lo último de los trabajos de cortometraje ( Ficción y Documental) para proyectarlos los dias miércoles a las 7 de la noche a partir del 4 de Agosto. Aún puede enviar sus trabajos o llamarnos para recogerlos.

PROGRAMACION:

Cra 12 # 2-81 Barrio San Antonio-Cali 7 p.m

ENTRADA GRATUITA

Miércoles 4 de Agosto: 7p.m

INAUGURACION: Corto consagrado"Imágenes preciadas" ( Ganador del Oscar a Mejor Corto 1995)

Cortos de EGRESADOS Escuela de Cine Digital PAKIKO ORDONEZ

LA VOZ QUE SUEÑA
DOCUMENTAL
7:15 MIN

DUDA JURIDICA
FICCION
5:36 MIN

LO QUE ME VAYAN A DAR
FICCION
3:32 MIN
Director: Alberto Castellanos

VOLAR
FICCION
17:00 MIN

DULCE
FICCION
3:33 MIN
Director: Juan Martin Mejía

EL PAPEL ES TUYO
FICCION
4:00 MIN
Director: Luis Gabriel Velásquez

FORO CON LOS REALIZADORES

..............................................................................

Agosto 11

Corto consagrado: El cumpleaños de mi mejor amigo (1989)
Director: Quentín Tarantino
El che feliz en la estrella - Documental
Director: Pablo Poveda
Barberías- Documental
Directora: Ángela María solano
La sagrada eucaristía- Ficción
Directora: Ángela María solano
La última vez- Ficción
Directora: Silvia Alejandra moreno
El amor , el amor…- Ficción
Director: Joaquín calero

Agosto 18

Corto Consagrado: Anima Mundi (1992)
Director: Goofrey Reggio
Hernán Hoyos un escritor de mala reputación- Documental
Director: Carlos Fernando Rodríguez
San Antonio es otro cuento- Documental
Directora: Laura Muñoz

Agosto 25

Corto consagrado: La CORBATA (1959)
Director: Alejandro Jodorowski
Irrumacion Ortodoxa - Ficción
Invierno y Xanax- Ficción
La vida según Don Tulio- Ficción
Director: Andrés Villada
Gato - Ficción
Movilidad- Ficción
Director: Javier Guzmán

Delirio- Ficción
Directora: Ángela Gómez

Parque de las Garzas- Documental
Director: Gabriel Linares

El vuelco del cangrejo o el poder de sugerir

2010-04-06T04:51:00.000-07:00

Por Luis Alberto Díaz Martínez *

Nuestro espectador promedio de cine, tan acostumbrado como está a las ofertas hollywoodenses de adrenalina audiovisual en todas sus variantes o al lenguaje telenovelesco de los bandidos autóctonos hábilmente condimentados para cada ocasión, es muy probable que se sentirá huérfano cuando enfrente una estética nada complaciente con los modelos estándares del entretenimiento que siempre riman o sincronizan con el engullido de crispetas y mecato en las refrigeradas salas múltiplex del nuevo milenio.
Entonces, si por algo sorprende de entrada El vuelco del cangrejo es justamente por poner patas arriba las convenciones ya codificadas del lenguaje cinematográfico habitual y situarse a prudente distancia de los consabidos ingredientes del cine-distracción que inevitablemente conducen al consumo recurrente, casi adictivo, de la evasión forzosa en la realidad presente. Al rompe, se trata más bien de una manera de contar desparpajada, no sujeta a cánones reconocibles de inmediato, y donde la naturaleza de selva y mar imponen su ritmo milenario y moroso, en esta ocasión para esperar y acompañar el arribo a La Barra de un nuevo forastero: Daniel, quizá uno más que como los llegados antes no dejarán de mantener su pugna inconsciente o adrede contra el arraigo de los moradores nativos y sus particulares costumbres.
Y claro, escuchar el silencio y contemplar la vastedad de la manigua o del océano es llevar la contraria hasta el extremo, máxime si al espectador le corresponde hacerle frente a la sucesión de hilos sueltos con los cuales el director le sugiere –como en todo arte verdadero– ir anudando a su manera cada uno de los aspectos que van siendo tocados por la historia propuesta: Daniel está de paso porque necesita irse más lejos (¿hasta la muerte?) para librarse de un presumible desengaño amoroso y existencial, apenas insinuado por una chaqueta, una fotografía de pareja, un diario y un tomo de obras completas rellenando su mochila; los pescadores deben remar cada vez mayores distancias para buscar sus presas de subsistencia, mientras la comunidad se los encomienda a las deidades mediante ritos ancestrales; la sorprendente y bella niña Lucy tiene que saciar su natural curiosidad de infante precoz y ayudarle a su mamá a vender almuerzos al mismo tiempo que asiste a la escuela; el Paisa está empeñado en construir su hotel Paraíso con piscina mientras mantiene sus negocios visibles o clandestinos y ensordece con sus bafles al vecindario; el líder cívico del lugar (Cerebro) debe enfrentar para resolver el asedio de la agresividad foránea y el eterno pendiente de la titulación que no llega de las tierras que ocupan generaciones ha; a la curvilínea sobrina de Cerebro le toca resistir la asechanza de la población masculina del lugar incluidos los muchachos desempleados cuya única ocupación es el fútbol playero y la rumba…
Por supuesto que en esa sucesión casi casual de los hechos, donde no se les impone a los personajes un derrotero previsto de antemano y ellos parecieran que pueden contrariar los esquemas al uso con su fluir desmañado, sumada a la naturalidad y frescura de la representación de los roles desplegada por los actores nativos y forasteros (citadinos), allí reside otro de los atractivos y logros singulares de esta nueva incursión de las generaciones recientes del cine caleño, con la cual le hacen honor a ese rasgo pionero distintivo de abrirle nuevas rutas creativas y ampliar las fronteras en una propuesta de autor y periférica que ha entendido muy bien la importancia de no hacer concesiones y seguir explorando a toda costa el afianzamiento de la dignidad que se expresa dibujando de cuerpo entero lo que somos con nuestras fortalezas y debilidades.
Además, El vuelco del cangrejo logra –así no se lo proponga expresamente– evidenciar con sutileza metafórica la insania del conflicto colombiano (no declarado por torpeza y cálculo mercantil de nuestros gobernantes y los dueños de los poderes económico y político), donde unos pocos privilegiados se sienten y se creen mejores o con mayores derechos que el grueso de la población, hasta el punto de hacerlos sentirse culpables por ser como son: ocupantes ancestrales de un territorio donde la economía de subsistencia se resiste a jugar la lógica de la economía de mercado o del expolio mercenario, la misma que le pone precio a la conciencia y no se detiene hasta producir el desplazamiento forzado para abrirle de par en par las puertas a la “confianza inversionista” tan especializada en los monocultivos industriales o en los megaproyectos que reemplazan la alimentación del pan coger con los pingues ingresos de la degradación ambiental que no cesan de engordar los bolsillos de los regentes de turno.
Pero lo que más impresiona, precisamente de este tratamiento frentero y sin ambages de nuestra realidad, es el asumir un lenguaje y ritmo inusitados donde la proverbial e incomparable agresividad y violencia colombianas (omnipresente a lo largo y ancho de nuestra historia), quedan en suspenso ante las oportunidades que se le brindan a la sensatez expresada con razones de entendimiento y malicia aborigen para que con nadadito de perro sólo suelte sus amarras cuando la paciencia se agote o “la taza se llene”, pero de todas maneras se desborde en su justo momento, preciso cuando la imagen de los integrantes de la Junta Comunal con sus machetes arriba se congela para darle término inesperado a la película.
Vaya, pues, un aplauso general con ¡bravos! y pitos eufóricos incluidos para celebrar la ópera prima de un equipo bien probado de muchachos y muchachas (director, productora, fotógrafa, ambientadora, asistentes, actores, etc.) que sin tener que irse y renegar de Cali, o yéndose para ganar experiencia han vuelto para vivir el goce de crear lo máximo con lo mínimo, siempre en función de transmitir a sus contemporáneos y a las nuevas generaciones la constancia de un aprendizaje que no cesa y sobre la marcha tiene que seguirse consolidando para entregarnos el reflejo creador de lo que somos como idiosincrasia local y regional.
* Escritor y comunicador independiente, cofundador de la Escuela de Cine Digital de Cali.

El cine de Semana Santa

2010-03-28T21:03:00.000-07:00

Luego de las sorpresas de los premios Oscar, se viene la Semana Santa llena de cine y recuerdos de viejos tiempos, de amigos muertos. Aquí una lista básica, si Dios quiere:
ROMERO (1989) dirigida por John Duigan. Raúl julia interpretó dos personajes soñados por cualquier actor: El salvadoreño Monseñor Oscar Arnulfo Romero y el brasilero Chico Méndez. Ambos enfrentados a sueños imposibles, ambos arrasados por un insólito paramilitarismo y asesinados por el capitalismo salvaje. Los 30 años del crimen sirvieron para leer la tenaz crónica de la Revista Semana (http://www.semana.com/noticias-america-latina/asesinaron-monsenor-romero/136723.aspx) y recordar la última homilía : “Que este cuerpo inmolado y esta sangre sacrificada por los hombres nos alimente también para dar nuestro cuerpo y nuestra sangre al sufrimiento y al dolor, como Cristo, no para sí, sino para dar conceptos de justicia y de paz a nuestro pueblo. Unámonos pues, íntimamente en fe y esperanza..”. Como datos cinematográficos adicionales, Romero constituye la primera aparición de Damían Alcázar (protagonista de la cinta colombiana Satanás) y los primeros pinitos de los hermanos Cuarón (como asistentes del director)
CRAZY HEART de Scott Cooper. Un inmenso Jeff Bridges se llevó el Oscar a mejor interpretación masculina con esta road movie de un borracho cantante de country. Uno no sabe en qué momento se ve al personaje y en cual al actor, Una fusión esplendida de alcohólicos. Un Bukowski de la canción popular. Bridges , todo un experto en el tema, logra brindar al cine una nueva resaca a la galería de empinadores del codo. Una vez más Hollywood se rinde ante un tufo.
THE COVE de Louie Psihoyos. Financiados por Luc Besson esta tropa de defensores de la vida infiltra a la Yakuza acuática asentada en el pueblo de Taiji en Japón para brindarnos una denuncia espeluznante sobre la masacre de delfines. Ponen en riesgo sus vidas desde los campeones mundiales de apnea hasta un famoso realizador de efectos especiales. Al final comprobamos que ante la muerte del cine de Terror como género en nuevo terror lo encarnan los documentales.
FOOD INC. de Robert Kenner Otro documental aterrador sobre el proceso de la carne y los mataderos. L alteración genética y los pollos Terminator al banquillo.
BURMA VJ de Anders Ostergaard. Los monjes budistas desafían a la dictadura y ohh!! sorpresa: otra vez la religión al lado de las víctimas. “Jodeer- me dice un amigo español- no todos los religiosos son como vuestro Monseñor Rubiano, vamos”
TOKYO SONATA de Kiyoshi Kurosawa. Aclaremos que no existe parentesco entre el director y el gran Akira. Kiyoshi se la juega con el realismo puro y duro. Si analizamos películas de distinta procedencia ( Up in the air de USA , El empleo del tiempo de Francia), nos damos cuenta que el desempleo se ha globalizado.
VINCERE de Marco Bellochio. Con 71 años a cuestas el viejo Bellochio nos ofrece una nueva perspectiva de Benito Mussolini y sus amores clandestinos. Es una historia de locura colectiva y locura personal. Un paralelo maravilloso entre los fascistas camisas negras y las camisas de fuerza del manicomio. Ya Michael Haneke nos había mostrado algo parecido en LA CINTA BLANCA. “Hoy el fascismo se ha sofisticado, ché” – me dice un amigo argentino.
Y, para terminar este día que ya pasó y la noche que llega, se sugieren otros títulos non santos:
- AJAMI de Scandar Copti ( Israel)
- EL SECRETO DE TUS OJOS de J.J Campanella ( Argentina)
- BAARIA de Giuseppe Tornatore ( Italia)
- BOOGIE , EL ACEITOSO de Gustavo Cova (Argentina)
- IN THE LOOP de Armando Ianucci ( Inglaterra)
- EL MENSAJERO de Oren Moverman ( USA)
- UN PROFETA de Jacques Audiard ( Francia)
- LOGORAMA de François Alaux ( Puede verse en este blog)
- LA DAMA Y LA MUERTE ( Puede verse en este blog)

SIENDO JURADO EN UN CONCURSO DE CORTOS

2010-02-13T22:00:00.000-08:00

Los cortometrajes están de moda. Prueba de ello son los cientos que se graban en todos los rincones del mundo. Sólo se necesita una cámara (así sea de pedal), un computadorcito (de 400 dólares) y tener una historia que contar. Existen cortos para gustos y disgustos. Los hay experimentales, escatológicos, sangrientos, chistosos, existencialistas, incomprensibles, obvios, plagios, con moraleja, pesimistas, de superación, esotéricos…
En Cali, Pizza al Paso se le midió a convocar a los realizadores del corto y los resultados fueron bastantes halagadores. De una calidad impecable tanto técnica como de lenguaje.
Es un lugar común que un jurado diga antes de emitir el fallo:
- Todos merecían ganar pero había que tomar una decisión
Boogie el aceitoso lo dice de manera mas directa: Es un oficio sucio pero alquien tiene que hacerlo
Si. Como solía gritar Samuel Goldwing , el mandamás de la Metro: “Tráiganme clichés nuevos!!!”.
Uno se enfrenta a juzgar los trabajos aferrado a sus propias fobias y aberraciones, con sus prejuicios y frustraciones, sueños y pesadillas para, al final, inclinarse por el que mas se acerque a todo ese sancocho de emociones.
Usualmente se dice que la crítica se encuentra a la espalda del público y, en este caso, sucedió tal cual. El premio de público votante en la red concedió el primer puesto, por arrollador plebiscito, al corto de Oscar Hincapié OJO SALOMÉ , sabrosa combinación de caleñidad, percusión y barriada.
El jurado, en cambio, prefirió a LINEA DE TIEMPO de Fernando López, exquisito trabajo poético y mesurado que explora la anatomía femenina, las líneas del cuadro y del tiempo. Y, acto seguido, el segundo puesto se lo llevó SIN DECIR NADA de Diana Montenegro narrativa clásica que rueda por ahí, de mano en mano, y que gusta tanto porque los personajes son cálidos y nos atraen por lo que dejan de decir, por la forma como afrontan el silencio.
En el 2011 la convocatoria será a lo grande y los cortos se triplicarán. Tocará realizar la ceremonia en un auditorio gigante y múltiples pantallas. Y el espacio de MARTES VISUALES será el sitio a donde confluya la producción de los noveles realizadores. Como sentenció Joseph McCarthy : “Volveremos”

PANCE: TRES DIAS DE PAZ Y CINE ( segunda parte)

2010-01-24T09:02:00.000-08:00

Escenas del capitulo anterior: En Pance, a 40 minutos de Cali, se realiza una maratón de cine para recibir el poco venturoso y nada próspero año nuevo.
Salvo dos películas de terror, que no valen la pena enumerar, continuó la tanda de estrenos:
Up in the air: Deliciosa comedia del joven Jason Reitman. Es éste su tercer largo luego de los sorprendentes “Gracias por fumar” y “Juno”. Reitman se crió en medio de cables y rodajes por lo que su afición al voyerismo es de absoluta precocidad. “Up in the air” recoje lo mejor de la comedia americana tipo Lubitch y Hawks pero con un componente postmoderno. Es un filme bastante raro en el cine actual. Reitman trabaja en el corazón de la industria pero su mirada es completamente personal, tierna y ácida a la vez, moderna y clásica. Escribe comedias como si Jhon Ford lo estuviese asesorando. De hecho, en el futuro se mirará “Up in the air” como hoy vemos “Las uvas de la ira”: un imperio que va cayendo poco a poco.
Cuando los diques se rompieron . Spike Lee ha viajado a su amada Nueva Orleans para contar la tragedia del huracán Katrina. Una ciudad donde los bebés nacen cantando, multicultural, que fue arrasada por un fenómeno natural que estaba anunciado. Spike Lee filma con rabia. Un Presidente que llevó a su país al nivel de República Banana. Llegó primero la policía montada de Canadá, primero la ayuda de Venezuela que la presencia física del analfabeto más famoso de la historia contemporánea.
El dique fue volado para que no inundara el barrio de los blancos? O lo rompió la presión del agua? Queda flotando una idea perversa.
Lovely Bones. El gordo Peter Jackson se ha metido con los muertos. Un asunto que no le es ajeno del todo si recordamos que le burló del mas allá en “Muertos de miedo” (The Frighteners-1996).
Pero esta vez el gordo se la tomó en serio. Si la vida es truncada repentinamente por un ser malvado, que le sucede a esa alma? Entonces Jackson nos brinda su propia versión del limbo: llena de color, de seres atormentados y de necesidad de evolución. Logra un nivel poético muy extraño en Hollywood donde el más allá es tan evidente que a uno le da como pereza morir.
Brothers. Jim Sheridan nos ofrece un remake al calco de Brødre de Susanne Bier ( 2004). A pesar de ser una película correcta y bien dirigida queda la sensación de lo ya visto. Pues el original se encuentra muy fresco en la memoria y los actores daneses impregnaban un aire sombrío a los personajes que los gringos no tienen.
Y finalizaron la degustación visual:
-Precious
-Una educación
-500 días juntos

PANCE: TRES DIAS DE PAZ Y CINE (Primera parte)

2010-01-05T23:21:00.000-08:00

Tener agüeros es confiar en los dioses. Tener fetiches, y más cuando son cinematográficos, es tener la certeza de que en algún lugar viven los personajes que nos han conmovido. Pues bien, con algunos amigos tenemos el agüero de empezar el año mirando cine. Con ello se garantiza que los siguientes 12 meses nos depararán un infinito plano secuencia. El lugar elegido no podía ser mejor: Pance, ubicado a 40 minutos de Cali (el tiempo que gastan dos rollos de celuloide en 35 mm).
Uno va dejando atrás Qué verde era mi valle y se dirige hacia las Montañas de la Luna, le toca bordear el Río Bravo y allí se encuentra Pancewood en medio de un Gran Cañón. Previamente, como ejercicio de calistenia retiniana, habíamos videado Taking Woodstock de Ang Lee. Sentido tributo al concierto más famoso de la historia. De ahí sacamos la parodia.
Ang Lee se ha tomado el trabajo de explicarnos como a un campesino arruinado, analfabeta y a punto de perder la finca se le aparecen unos hippies excéntricos proponiéndole realizar un concierto para delinquir. No es un musical. No vemos a Hendrix, ni a ningún otro genio. Lee, un maestro de la verosimilitud, sabe que cualquier imitación resultará falsa. Más bien se concentra en la historia de esta familia que se encuentra acorralada. Por eso, sabiamente, nos ha contado en tono de comedia la historia de un enclenque hijo de granjeros que logró reunir a 300.000 personas y puso en jaque a la ciudad de Nueva York. Hasta la pantalla dividida es un nostálgico homenaje al jovencito Scorsese.
Nuestra costumbre sana consiste en iniciar la maratón con una obra maestra. Una película que ya haya superado el juicio de la Historia. Este año se eligieron dos: TESTIGO DE CARGO (1957) de Billy Wilder con un inmenso Charles Laughton y una pálida y ronca Marlene Dietrich. Wilder se había impuesto el desafío de realizar una película de suspenso con el toque Hitchcock. El austríaco apostándole al inglés, auténtico duelo de titanes. Al final al bueno de Alfred no le quedó más remedio que sentenciar: “Hoy el cine tiene nombre propio: Billy Wilder”. La otra sacrosanta elegida fue WINCHESTER 73 (1950) de Anthony Mann. Western con el debutante Tony Curtis, la jovencísima Shelley Winters y el insuperable James Stewart en mano a mano con Rock Hudson. Mejor platillo de entrada no se podía pedir.
Luego vino la tanda de estrenos:
CAPITALISMO, UNA HISTORIA DE AMOR de Michael Moore. Me llama poderosamente la atención que en el pasado festival de Cine de Cali la moda consistió en rajar del gordo bonachón. Escuché sentencias como esta: “El culpable del desprestigio de los documentales del YO es Michel Moore, no sólo porque abarca demasiado espacio en la pantalla sino porque sus películas son cada vez mas demagógicas”. Un documental demagógico es, por ejemplo el que se regodea con la miseria o también el que esta al servicio del poder. El demagogo en vez de principios tiene intereses, lo delata el hambre de burocracia y la falta absoluta del sentido del humor.
En su nuevo documental Moore vuelve a recorrer la propia existencia para realizar un desnudo total de la sociedad norteamericana convertida en un Estado Corporativo. Vendida a los bancos por un puñado de dólares, dominada por una legión de bastardos malditos. Veo a Moore mas como un quijote, un loco solitario, luchando contra gigantes de hierro.
(Este informe continuará)….

ASI QUEDO LA VOTACION A LA MEJOR PELICULA DEL 2009

2009-12-29T00:44:00.000-08:00

Para nuestros clientes y amigos la película del año es SLUMDOG MILLONAIRE del británico Danny Boyle. En el segundo lugar se registró un triple empate entre MILK, VICKY CRISTINA BARCELONA Y EL LECTOR.

Para bajar la tabla completa con los nombres y las calificaciones de cada persona, por favor pique aquí: http://www.mediafire.com/?ln1mnh2z5lu
Si usted envió lista, puede acercarse a nuestra sede y reclamar la película que desee ( siempre y cuando sea un titulo que tengamos en nuestro stock)

OTRAS LISTAS:
REVISTA SEMANA (Colombia)
1. Gran Torino
2. La duda
3. La clase
4. Slumdog millonaire
5. Distrito 9
6. Vals con Bazhir
7. Al otro lado
8. Ponyo en el acantilado
9. Hace tiempo que te quiero
10. Up

REVISTA CAHIERS DU CINEMA ( Francia)
1. Les herbes folles ( Las hierbas locas ) de Alain Resnais
2. Vincere de Marco Bellochio
3. Bastardos malditos
4. Gran Torino
5. Singularidades de una chica rubia de Manoel de Oliveira
6. Tetro de Francis Ford Coppola
7. The hurt Locker de Kathryn Bigelow
8. El Rey de la evasión de Alain Guiraudie
9. Tokyo Sonata de Kiyoshi Kurosawa
10. Hadewijch de Bruno Dumont

REVISTA TIMES ( USA)
1. Tiana y el sapo. El regreso a la animación convencional de Disney es un musical que recupera el tono logrado por la compañía en sus años de oro de los noventa, cuando dio lugar a títulos como La sirenita o La bella y la bestia, entre otros.
2. Up. La joya de Pixar seguramente figurará en todas las listas del año, a juzgar por su combinación maestra de aventuras, humor y emoción.
3. Fantastic Mr. Fox. La cinta de animación de Wes Anderson combina su personal mirada indie con un cuento infantil de los de toda la vida. 4.The Hurt Locker. La cinta dirigida por Kathryn Bigelow analiza el conflicto irakí en un thriller de acción que dicen que deja aplastado en la butaca.

5. Up in the air. Paramount ha depositado en la cinta de Jason Reitman infinitas aspiraciones de premios. Lo cierto es que, sin ser de Oscar, sí puede calificarse como un film estupendo, de los mejores del año. George Clooney demuestra que es un intérprete maduro en una película divertida y hasta bonita, pero para nada complaciente.
6. La cinta blanca Michael Haneke disecciona con su habitual precisión y crudeza los orígenes del nazismo en la Alemania de la Primera Guerra Mundial. La ganadora de la Palma de Oro en Cannes ha dejado con la boca abierta a todo el mundo.
7. A single man. Drama protagonizado por Colin Firth, que interpreta a un profesor universitario homosexual que sufre por la trágica pérdida de su pareja. Contará con el apoyo de su mejor amiga (interpretada por Julianne Moore).
8. Of time and the city. Terence Davies analiza el Liverpool de los 50 y los 60 en n documental que trata el inevitable paso del tiempo en una ciudad a la que su director dedica una sentida oda.
9. District 9. El debut de Neil Blomkamp es un cóctel de mil títulos de ciencia ficción integrados en una trama excéntrica y llevada con magistral pulso por su director. Un film muy bien interpretado y de una épica apagada y emocionante, que tiene trasfondo detrás del bien llevado espectáculo.
10. Thirst. La cinta de vampiros de Park Chan Wook relata la metamorfosis de física y psicológica de un sacerdote que se transforma en chupasangre. Un festival para los admiradores de Old Boy

ASI VA LA VOTACION DE LAS MEJORES DEL AÑO

2009-12-22T21:11:00.000-08:00

Los resultados parciales dan el primer lugar a EL LECTOR ( The Reader) la exitosa película de Stephen Daldry. Le sigue de cerca GRAN TORINO de Clint Eastwood. En el tercer lugar se ubica sorpresivamente MILK (premio Oscar a mejor interpretación para Sean Penn) . En el cuarto SLUMDOG MILLIONAIRE de Danny Boyle. Y en el quinto otra sorpresa: VICKY CRISTINA BARCELONA de Woody Allen.
Para bajar toda la tabla de puntuación en excel pique aquí: http://www.mediafire.com/?ijlmdduunrn

NO OLVIDE QUE RECIBIMOS LISTAS HASTA EL 28 DE DICIEMBRE (día de los Santos Patronos Luis y Augusto Lumière)

MIS MEJORES PELICULAS DEL AÑO (II PARTE)

2009-12-18T06:09:00.000-08:00

6. SYNECDOQUE NUEVA YORK. Charlie Kaufman se inició escribiendo unos guiones muy originales y extraños para gente diversa como Spike Jonze y Michael Gondry. Su debut como director es una película pantagruélica, presuntuosa si se quiere, y poéticamente descabellada. Por ahí derecho Kaufman se faja un homenaje al teatro, No les parece una utopía que un dramaturgo se proponga montar un documental en las tablas?
7. EL LECTOR. De Stephen Daldry. La chica está madurita, nos pone los pelos de punta desde que Peter Jackson la descubriera en “Criaturas celestiales”. Porque la chica se convirtió en una bastarda con gloria. Y se le mide a todo. Daldry , por su parte, gusta de chicas maduras desde “Las Horas”.En general, sus personajes no han variado desde “Billy Elliot”: Se flagelan, se esconden, quieren huir pero no saben muy bien para donde. Y acá nos mete en la cuadratura del círculo: el lenguaje escrito, el placer de la lectura, el encoñe y la imposibilidad de refugio.
8. RAF: FACCION DEL EJERCITO ROJO: de Uli Edel. “La sensación de que la celda se mueve. Uno se despierta, abre los ojos: la celda se mueve. Después de mediodía, cuando el sol entra en ella, se queda, de repente, parada. No se puede apartar la sensación de que se mueve(..)La sensación de haber sido despellejado” . Ulrike Meinhof escribía estas palabras en “Carta de una presa en la galería de la muerte”. Ulrike era la mas sensible y cualificada del grupo radical “Facción del ejército Rojo”. Por ello Edel la toma como eje central. Superproducción que recrea en forma impresionante la Alemania de los setentas.
9. REVOLUCIONAY ROAD de Sam Mendes. La chica realiza la que me parece la mejor interpretación de su carrera. Bajo las órdenes del consorte, se pone en la piel de April ama de casa desesperada en medio de la “felicidad” que reflejaba la Norteamérica victoriosa y perfecta de los años 50. April no sabe que le pasa. Se siente loca porque tiene muchas preguntas, solo que las repuestas adecuadas aparecerán diez años después. Ni el éxtasis del naciente rock and roll la pudo salvar.
10. CEREZOS EN FLOR de Doris Dörrie. La directora, nuevo estandarte del cine alemán, mantiene deslumbrada con oriente. Como mantiene Peter Greenaway, como lo estuvo en su momento Sergio Eisenstein. Porque oriente, es para Dörrie, la posibilidad de salvación, la posibilidad de morir es paz.
11. GRAN TORINO de Clint Eastwood. Uno podría morir tranquilo si le ha protagonizado una trilogía a Sergio Leone, si ha hecho llorar a medio mundo besando a Meryl Streep (Los Puentes de Madison), si ha logrado que el western no muera del todo (Los imperdonables), si ha planteado una profunda discusión sobre la ética en una sociedad tan compleja como la gringa ( Río Místico), si se ha dado el lujo de retar a Cortázar ( Bird)… Sin embargo, el viejo sigue realizando clásicos en serie. A sus 79 añitos le da por filmar, protagonizar y le queda cuerda para darse trompadas con los jovencitos asiáticos que le invadieron el barrio… y les gana.

MIS MEJORES PELICULAS DEL AÑO (I PARTE)

2009-12-15T21:56:00.000-08:00

UN AÑO LLENO DE BASTARDOS

La cinefilia produce nostalgia en los viejos (ya no se hacen películas como antes) y ansiedad en los jóvenes ( Porqué no ha llegado la última de Gaspar Noé?). Un viejo podrá parafrasear a Nietzche: “El cine ha muerto, sobre su cadáver se yergue el video juego” . Un joven exclamará con optimismo: “El cine es un bebé, tiene toda una vida por delante”. Por eso digamos que el 2009 será recordado por su eclecticismo cinematográfico. Un año dominado por bastardos de todo tipo: bastardos históricos, histriónicos, histéricos. Al punto que terminamos dándole la razón al Jurado de Cannes y a la factoría Oscar Inc.
La mejor del año:
LA CINTA BLANCA de Michel Haneke. Es el año 1913, en un pueblito atiborrado de Dios y Haneke se hace la pregunta del millón: Cual es el origen del mal?
Así como nos deleitamos visitando la escuelita donde Gabo aprendió a leer que tal ir a la escuelita donde estudió Hitler, Goebbels y Mengele?. Que profesores formaron a estos tipos? Y he aquí que Haneke nos deja deslumbrados con una puesta en escena que le debe todo a la estética del cine mudo. Planos generales, larguísimos, donde los personajes entran y salen de cuadro. Planos donde los personajes ingresan a un cuarto y la cámara se queda a fuera, esperando que vuelva a salir. Justo en un tiempo dominado por el corte clipero, el montaje que no deja ver nada, Haneke nada a contracorriente con una película en blanco y negro llena de preguntas más que respuestas, llena de perversión más que de inocencia. Me acuerdo de Pierre Badiou cuando en su “Ensayo sobre la conciencia del mal” define: “El Mal es aquello a partir de lo cual se define el Bien, no a la inversa. Los "derechos del hombre" son los derechos al no-Mal: no ser ofendido y maltratado” Palma de Oro en Cannes.
2. EL ANTICRISTO de Lars Von Trier. Y pasamos a la culpa. El director parece preguntarse: Cual es el origen de la culpa? O, quien puede matar a un niño? Pareciera que el gran danés (Lars Von Trier) se hubiese planteado una apuesta con el gran austriaco ( Michael Haneke) porque las dos películas prácticamente se complementan, Forman un díptico donde la una es el derecho y la otra es el revés. Cara y sello de la tragedia, un viaje al interior del inconciente: el uno colectivo y el otro personal. Premio Cannes a la mejor interpretación femenina.
3. DEPARTURES de Yojiro Takita. El Oscar de la academia fue para esta joya del cine japonés. Sencilla, minimalista. Un repaso a la muerte, al no-vivir, a las salidas. Departures como metáfora de un viaje incierto.
4. AL OTRO LADO de Fatih Akin. Por su carácter de ciudadano bicéfalo el cine de Akin se mueve con un pie en Turquía y el otro en Alemania. El resultado es un drama impactante sobre cuatro vidas cruzadas por la frontera, por la vida y por la fatalidad. Desde su anterior “Contra la pared” Akin mata sus fantasmas de identidad yendo de un lado a otro en unos deliciosos y a veces misteriosos viajes.
5. BASTARDOS MALDITOS: Quentin Tarantino es, quizás, el director más famoso de la actualidad. Él mismo se ha convertido en su propio personaje cosa que solo directores de la talla de Hitchcock han logrado. Más allá de su gusto por la sangre lo que hay en Tarantino es una veneración al cine clásico. En este caso, el gran cine de Guerra. Bastardos malditos es un divertimento, una gracia histórica que le permite a Tarantino retornar a sus raíces: a esos diálogos anodinos repletos de sorna y de un amor infinito por el cine.

CALIFIQUE LAS MEJORES PELICULAS DEL 2009

2009-12-07T19:57:00.000-08:00

Cada año la video Tienda Ventana Indiscreta le propone a clientes y amigos elegir las mejores películas. Por favor califique las que haya visto de acuerdo a la siguiente escala:
5… Me encantó
4….Buena
3….Regular
2….Mala
1….Pésima.

Si no ha visto alguna, sencillamente deja la casilla en blanco. Si usted cree que se nos escapó una que otra pues la propone con su respectiva calificación.
Se recibirán listas hasta el 28 de Diciembre (día oficial del nacimiento del cine). Todas las listas serán premiadas.
Al final se computarán los puntajes y se elegirá la película del año.

Puede entregar su lista en nuestra sede del barrio San Fernando Kra 27 # 2-05 oeste Tel 556 47 40 o enviarla a:
ventanadecine@gmail.com

CALIFICACION
DEPARTURES

EL ANTICRISTO

AL OTRO LADO

EL LECTOR

REVOLUCIONARY ROAD

CAMINO

SILENCIO DE LORNA

LA PROPOSICION

LA PASION DE GABRIEL

LOS GIRASOLES CIEGOS

ESCONDIDOS EN BRUJAS

EL ARRIERO

2012

EL GRAN TORINO

THIS IS IT

BASTARDOS MALDITOS

VICKY CRISTINA BARCELONA

RAF ( FACCION DEL EJERCITO ROJO)

EL DOCTOR ALEMAN

EL ENCIERRO

EL SOLISTA

VALS CON BAZHIR

PERSEPOLIS

SLUMDOG MILLIONAIRE

LA SANGRE Y LA LLUVIA

COCO CHANELL

CONVERSACIONES CON MI JARDINERO

DEJAD DE QUERERME

VALKYRIA

LA CLASE

REVOLVER

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN

CHE: EL ARGENTINO

CHE : GUERRILLA

SIETE ALMAS

LA DUDA

SICKO

ANGELES Y DEMONIOS

ARRANCAME LA VIDA

EL LUCHADOR

UP

DISTRITO 9

DEJAME ENTRAR

MILK

ENEMIGOS PUBLICOS

LA TETA ASUSTADA

CEREZOS EN FLOR

CAFÉ LUMIERE

SYNECDOQUE NEW YORK

THE WATCHMEN

LA CINTA BLANCA

Para bajar esta misma lista en tabla excel pique aqui:
http://www.mediafire.com/?zmmjly3yqlt

No llegó Oliver Stone, ni Chomsky pero la paz no se rinde

2009-11-16T09:50:00.000-08:00

Los cinéfilos empedernidos madrugamos al aula máxima de la Universidad Santiago de Cali para hablar con Stone. Llegamos armados de preguntas:
Es cierto, como lo sugiere un reciente video divulgado en internet, que a JFK le disparó su propio guardaespaldas?. Hay luz al final del túnel en Palestina?. Es Obama una esperanza o un producto de marketing?
Y armados de películas:
Maestro ahí le dejo mi documental. Podría leer mi guión?. Ha visto cine colombiano? Pero Oliver no llegó. Su lugar lo ocupaba Lisandro Duque , director de la bella cinta“Los niños Invisibles”. Tampoco arribó Chomsky. Pero ubicamos a Iván Cepeda, autor de “A las puertas del Ubérrimo”, libro imprescindible para entender la Colombia contemporánea. Ni Calle 13, pero igual mandaron la camiseta. Ni Galeano, en su reemplazo fue grato escuchar a Jorge Enrique Botero:
“A medida que los grandes medios son devorados por los monopolios económicos, se hace importante apoderarse de la comunicación alternativa”- dijo Botero en la rueda de prensa inicial.
El caso de Botero es ilustrativo pues ha transitado la gran prensa para llegar al documental independiente, marginal.
- Lo más importante que le sucedió a Latinoamérica en materia de comunicación fue la creación de Telesur- agregó
Estuvo la negrona Piedad Córdoba quien se fajó un discurso antológico. “Nos negamos a aceptar que Colombia se convierta en el Caín de Suramérica”. Un discurso donde combinó todas las formas de humor, pasión, sensibilidad, humanismo y sentido común.
Lo mejor: un encuentro organizado por unos chicos que apenas nacían cuando el Palacio de Justicia era aniquilado. Los pibes impulsan una papeleta que simplemente se hace una pregunta con dos opciones:
Para solucionar el conflicto social y armado, cree usted que la mejor opción es?
Solución política…
Uso de la fuerza militar..
Como en Fuenteovejuna, todos a una. Campesinos, cinéfilos, estudiantes, indios, mestizos, mulatos, periodistas, carretilleros, profes…todos dijeron como aquel niño de “La vendedora de Rosas”:
Pa'qué zapatos si no hay casa?.

Llega a Cali Oliver Stone y el resto de la tropa brava.

2009-11-07T21:56:00.000-08:00

Para cerrar un año redondo en la movida caleña (Festival de Arte, Festival de Cine) llega a Cali Oliver Stone acompañado de la pesada gringa: Noam Chomsky y James Petras.
No sabemos si Stone trae bajo el brazo el documental “Al sur de la frontera” pero, adelantándonos al debate, es sano decir dos o tres cosas que sabemos de él.
1. Juegos patrióticos: El joven Oliver se alista en el ejército de su país soñando con una vida militar. Va a Vietnam como soldado raso, es herido dos veces y recibe la medalla Corazón Púrpura.
2. Marcha atrás: Descubre que Vietnam es una farsa y una derrota inminente. Se abre paso como activista anti- imperialista. Quema cédulas en las marchas que luego recreará en “Nacido el 4 de Julio”
3. Plano a plano: Luego de desempeñar los oficios básicos del rebusque va a Hollywood a probar suerte como guionista. Prueba con el terror serie Z (“Queen of Evil”-1974) . Eso no es lo suyo y da un giro escribiéndole a Alan Parker “Expreso de Medianoche” (1978). Aunque son guiones de encargo, empieza a conocer las entrañas de la creación fílmica. Incluso vuelve a dirigir una peliculita pequeña pero curiosa: ” La Mano”(1981). Me aterrorizó cuando la vi en el Viejo teatro Variedades del barrio Colón. Michael Caine interpreta a un pianista amado por el mundo entero. En un accidente pierde las manos. Los melómanos están compungidos de solo imaginar que nunca más volverá a tocar en vivo. Pero resulta un donante: un convicto próximo a morir en la silla eléctrica. La operación resulta un éxito pero nadie se percata de lo terrible: el donante era ahorcador profesional y a nuestro concertista le pica la mano.
4. Disolvencia: Se apunta varios hits en seguidilla como guionista. Le escribe al loco Michael Cimino“El año del dragón” y al gran Hal Asbhy“8 millones de formas para morir”. A Brian de Palma el remake de “Scarface”. Incluso trabaja para el facho de Jhon Milius en “Conan el bárbaro”.
Todo guionista exitoso termina tras las cámaras y Oliverio viaja por primera vez a Centroamérica a contar la lucha del frente Farabundo Martí en “Salvador”(1983). Con James Woods en la plenitud de su carrera, la película marcará su estilo realista de la puesta en escena, también muestra su idea del montaje rápido y a los personajes solitarios enfrentados a un sistema corrupto.
Le obsesiona contar la vida de personajes que marcaron la historia: JFK, Nixon, Alexander, Fidel Castro, Yasser Arafat, Bush. Se fajó un homenaje al poeta maldito Jim Morrison en “The Doors”. Trabajó con Tarantino en “Asesinos por Naturaleza” y también tiene en su filmografía una hermosa radiografía sobre la América profunda: “ U-Turn”.
Ese es Oliverio, un tipo controvertido que ha utilizado el dinero de Hollywood para criticar la arrogancia de su propio país. Wellcome…vé.

Nota: El evento al que asistirá Stone se llama “Encuentro nacional e internacional por el acuerdo humanitario y la paz en Colombia” los días 13,14 y 15 de Noviembre en Cali. Con concierto de de la banda Calle 13, incluido.

Esto es CALIWOOD !!! Diario del Festival

2009-10-31T11:18:00.000-07:00

El conversatorio “Caliwood: Ayer, hoy y mañana” fue uno de los platos fuertes del Festival porque esta palabra es un punto de referencia histórico, clave, si se pretende reflexionar sobre nuestro acontecer audiovisual.
“Eso del Caliwood es un invento de chicos ricos setenteros”- me dice a la entrada un viejo amigo de la U ( que de todas maneras vino al foro así sea a rajar)
“Decir Caliwood es aceptar el colonialismo audiovisual gringo, es querer decir que nuestro cine es como el de la cultura hegemónica”- agrega su compañera socióloga
Si se busca el origen del término fue más un invento de los medios de comunicación que del mismo grupo. “La prensa insiste en llamarnos lúcidos cuando no somos mas que unos lucidos”- escribía Andrés Caicedo en un editorial de Ojo al Cine.
“Caliwood es un mito, desde luego. Y como todo mito hay que nombrarlo, invocarlo. Es también un juego de palabras con California y el Valle del Bollywood de la India”- Agrega Poncho Ospina antes de dar la largada al conversatorio.
Ramiro Arbeláez oficia de moderador en una mesa integrada por realizadores de la región: Oscar Campo( Yo soy otro), Toño Dorado(El Rey), Carlos Fernández ( Acto de fe) , Andy Baiz ( Satanás), Carlos Moreno ( Perro come perro) y Oscar Ruiz ( El vuelco del cangrejo) . De entrada propone una idea muy sana: encarrilar la conversación hacia temas estéticos, temáticos, de escritura y demás pero sin tocar el tema económico. Casi todos los foros sobre cine en Colombia derivan en que no hay plata.
Un recuento histórico al vuelo nos recuerda que Cali ha sido tierra de pioneros. Aquí se escribió la primera crítica de cine, la primera película anti-imperialista, la primera coloreada a mano, la primera sonora…
- A pesar de ese pionerismo no ha habido continuidad- agrega.
- Este foro demuestra, por el contrario, que la continuidad hoy es una realidad- dice Fernández- Ninguna región colombiana se da el lujo de tener tantos directores en ejercicio sentados en una mesa.
- Afortunadamente a mi me tocó la continuidad- dice Moreno - “Rostros y Rastros” fue nuestro referente y se convirtió en un espacio donde pudimos experimentar tanto el documental como la ficción. La escuela de Comunicación social de Univalle me parece la punta de lanza audiovisual de la región.
Y aquello no es una exageración. A excepción de Andy Baiz todos los ponentes invitados tienen que ver de algún modo con Univalle, bien sea como profesores o como egresados.
- Yo quiero saber si por el hecho de pertenecer al grupo de Caliwood tenemos que tener las mismas posturas ideológicas y porqué en Cali nos fascina tanto el cine- se pregunta Baiz tímidamente para responderse a sí mismo: Tal vez porque hay mucho marihuanero.
- Cali es una ciudad contemplativa. De hecho el caleño dice “Oiga,Vea”, que son las dos palabras básicas del cine.- contesta Poncho- Una de las cosas que me llama la atención del caleño es que le gusta la pantalla, le gusta que lo filmen, es decir le encanta perder el tiempo.
- La otra cosa es la cinefilia- anota Toño
- No creo que aquí haya cinefilia. – contragolpea Oscar Campo-La cartelera comercial no ofrece nada y tampoco hay movimiento cultural. Existen ciudades mas pequeñas que Cali que tienen una oferta artística más amplia, No pienso tampoco en el regionalismo, necesitamos realizadores que piensen en el mundo.
El auditorio del Centro cultural de Cali se encuentra lleno. Ha venido mucho veterano escéptico pero la mayoría es joven y entusiasta. No en vano hay un ambiente de admiración:
- Esta gente ha hecho cine en unas condiciones completamente adversas- me susurra un pelao a mi lado.
- Hoy, un periodista me contó que un comerciante dueño de un depósito de madera registró el nombre CALIWOOD. Ya ven como ha avanzado la idea. Incluso he soñado con colocar las letras grandes en el cerro de las tres cruces.
El auditorio se anima y la bella dama de todos los días realiza la pregunta del millón:
- Es indispensable estudiar cine en una academia?
- No es indispensable- contesta Baiz categórico- Yo estudié cine en la escuela de Nueva York y nunca nadie me ha exigido el diploma.
- No es indispensable pero la Academia te brinda un método- vuelve y ataca Campo- te enseña a pensar con orden. Aunque a mi me gustaría que en Cali floreciera la filosofía pero parece que el calor no deja pensar.
- Y ustedes porqué se dedican a hacer películas?- pregunta un muchacho bogotano
- Para no enloquecerme- dice Campo
- Porque uno tiene una historia que contar- dice Tony Golding
El foro se despide con la esperanza de un nuevo largo: “El vuelco del Cangrejo” del joven Oscar Ruiz. Por ahora degustamos su tráiler aplaudido y premiado en festivales europeos. La puesta en escena nos recuerda a los trabajos de Jean Rouch y la mirada de Jorge Silva. Si señores: hay Caliwood para rato.

Podrá Freud derrotar a Marx?

2009-10-29T16:21:00.000-07:00

En el Festival de La Habana, un comensal le preguntó a Ettore Scola su opinión sobre los nuevos directores italianos:
- Tienen demasiados espejos en sus casas. Nosotros teníamos ventanas.
Un muchacho se sintió aludido:
- Maestro, y que tiene de malo contar la propia vida en una película?
- Bambino- lo miró con ternura el abuelo Ettore- si la vida de todos nosotros fuese como la de Hemingway ...
Recordé la anécdota a propósito de las tendencias que aparecen de cuando en cuando en el cine. En Latinoamérica, por allá en los lejanos 60, el Nuevo Cine proponía que la cámara se convirtiera en un fusil. Las películas contribuirían a tumbar un sistema injusto cuya razón de ser era la opresión.
El tema se agotó y aparecieron nuevas generaciones llenas de espejos. Ahora se ven documentales tipo Nanni Moretti (Abril, Querido Diario) donde el hombre cuenta que la hija perdió el examen de matemáticas, que el médico le diagnosticó cáncer y que Berlusconi es un tal por cual.
La proliferación de egofilmes hoy es proporcional a la cantidad de panfletos políticos. Jinn Finn, invitado gringo al Festival ha mostrado un paneo del cine tipo Leni Riefenstahl: Cuando el poder utiliza al cineasta como propaganda. El poder es igual llámese Kim Jong II en Corea del Norte o Montesinos en Perú. Realizar documental político hoy es más fácil en el sentido de que el fascismo se ha sofisticado, es decir hay mas temas pero también se puede perder el equilibrio, es decir la poesía. En el documental político el cineasta construye al personaje con relación a la ideología y a las estructuras del poder. Nunca aislado.
Claro que en el conversatorio “El Documental del Yo” la cosa tampoco fue tan esquemática:
- No hay nada mas político que los documentales del Yo- afirma Andrés di Tella, invitado argentino y realizador del documental Eyoico “Fotografías” y añade: “Desconfío mucho de aquel documental donde el realizador se distancia y pareciera que nadie entrevistara y que nadie estuviera manipulando”
- Como contar mejor: el primera persona o en tercera?- se pregunta Oscar Campo
- Que fue primero el entorno social? O el Yo?- interpela una bella dama
Ni panfletos, ni masturbaciones, pienso yo…Espejos siniestros y ventanas…indiscretas.

Sangre y Falsos documentales dan inicio al festival de Cine Caleño

2009-10-28T14:23:00.000-07:00

Sin poder entrar a la premier de “La sangre y la lluvia” (ópera prima del caleño Jorge Navas) iniciamos el viaje por el Festival de cine. Como en aquel documental Mayolesco, “Oiga, vea”, empezamos viendo la cosa desde afuera. Pero la emoción es igual. El cine es el cine así toque imaginárselo.
De “La sangre y la lluvia” nada mas conocíamos la primera versión del guión y algunos apuntes del natural, un par de ideas para la puesta en escena y los comentarios entusiastas de Robert Redford.
Pero luego de la largada frustrada se puede botar corriente con la gente. La rueda de prensa con el staff estuvo de lo mas movida. Se habló hasta de Hugo Chávez (lo cual es un deporte nacional que ya supera al fútbol).
Ante la eterna pregunta: Porqué los directores colombianos no son mas imaginativos y cambian el mismo temita? Navas contesta:
“Julio Sánchez me preguntó lo mismo al aire y le devolví el mandoble: ‘Porqué los periodistas no son mas imaginativos y cambian la cantaleta de Chávez y la Reelección? La respuesta es clara: porque es imposible meterse en una burbuja y alejarse del mundo que nos rodea. Cuando mi esposa saca a mi hijo al parque a mi me da miedo .Yo no puedo hacer una película de dos gays que, paseando por la playa de Providencia, se les extravía el perro”
Parece que nadie quedó indiferente:
“No me gustó la mezcla de actores naturales y profesionales. Eso le da un desequilibrio dramático que se habrían podido ahorrar”- dice un realizador caleño.
“Visualmente es una maravilla pero el guión es flojo, definitivamente los comunicadores sociales no somos dramaturgos”- anota un profesor curtido en cine.
“Es una de las mejores películas colombianas, no sólo por la factura impecable sino por la audacia a la hora de abordar la violencia. Nunca el cine colombiano llegó tan lejos con la sangre”- tercia un cinéfilo optimista.
“No se trata de copiar la realidad tal cual porque eso es imposible. Se trata de la expresión del personaje, de sus emociones. Uno nunca quedará satisfecho con la película terminada aunque siempre me emociono cuando veo al personaje materializado en un actor”- Dice Carlitos Way Henao- coguionista.
Otra pregunta infaltable para un realizador tiene que ver con sus influencias. Una bella dama le dice a Navas que siente la sombra de Michael Mann en la película.
“En el Festival de Venecia algunas personas me dijeron lo mismo. Pero no recuerdo haber visto muchas películas de Michael Mann. En cambio si tengo referencias de directores que admiro como Abel Ferrara ( EL teniente corrupto) y Fatih Akin ( Contra la pared). Y fíjense como es la vida. En Venecia levanto la mirada y en el auditorio está Ferrara, me le acerco para que me firme el libro oficial del Festival y , por la noche, en la fiesta coincido con Akin. Compartir estos espacios con ellos es una satisfacción que no tiene precio”
Yo parecía un espectador de los que asisten a un partido de tenis. Tomando apuntes, pensando que al mal tiempo buena imagen, ya la veremos el viernes cuando la pelicula se enfrente al público de las salas comerciales.
Previamente en la Cámara de Comercio el mejicano Matías Meyer conversó sobre el extraño caso de la Ficción y la No Ficción. Meyer habló de falsos documentales (algo que los colombianos padecemos a diario) y la relación de los personajes con el tiempo y el espacio. Vimos algunos trabajos del británico Peter Watkins y de cómo viene siendo mas sincero un falso documental que el noticiero nacional.
Primeras puntadas de un Festival gótico de tierra caliente, que nos dará en la vena, que agarrará bastante pueblo, Un Festival del Calicalabozo, por eso yo regreso a mi ciudad y Lulita: que no quiere abrir la puerta?

Tu querida presencia: 42 años sin el Ché

2009-10-04T11:44:00.000-07:00

El 8 de Octubre de 1967 fusilaron al Ché y nació el mito. Se han realizado tantas películas que cuando uno creía haberlas visto todas aparece una nueva alimentando la epopeya. En internet se encuentran solo en español un millón de sitios que lo idolatran o lo laceran.
Pero, más allá de los ideologismos, existe una faceta poco apreciada y es la del Che escritor. Mientras hacía la guerra, tecleaba la máquina o devoraba a sus poetas favoritos. Siempre tenía un cuaderno al lado donde iba anotando las heridas.
Sus diarios son impresiones realizadas al vuelo, al fragor del combate. Establecía un diálogo con la página en blanco como quien le confiesa sus fantasmas al terapeuta. Los surrealistas lo habrían adorado porque en el Ché se aplica la famosa técnica de la escritura automática. Las palabras van directo del corazón al papel sin mediar la razón. Y se leen de un tirón porque los escribió sin pensar en publicarlos. Sin la promesa de una editorial o un agente literario.
Por ello, cuando se habla del Boom de la literatura latinoamericana, es fundamental mencionar al Ché, por lo menos en lo que se refiere al género de la crónica. Y nada mejor que el protagonista de la guerra escribiendo los pormenores y sin un biógrafo metido entre el personaje y el público.
Pocos personajes en la historia se dan el lujo de vivir a toda velocidad, morir jóvenes y dejar una obra tan monumental. Tal vez Cristo (33 años), Juana de Arco (19), Andrés Caicedo (25), Jim Morrison ( 27) , Jean Vigo ( 29) y Alejandro Magno (33)

Programacion:

Octubre 9
Mi padre el Ché
Ernestico, como lo llaman en Cuba, el quinto hijo del CHE, emprende un viaje tras los pasos de su padre, para buscar al hombre detrás del mito.
Así recorre su lucha, desde sus comienzos, reconstruyendo historias que vivió Ernesto Guevara, mientras se convertía en el comandante CHE Guevara.
Director: Marie-Monique Robin
Idioma: Español
País: Cuba / Francia
Género: Documental
Tiempo: 61 minutos

Octubre 16
Diario de Bolivia
Director: Richard Dindo
En lo fundamental, esta película está hecha a partir del recorrido por los mismos lugares por los que circulara Guevara durante su tiempo como jefe guerrillero en Bolivia. La estructura básica, después de la introducción de carácter histórico acerca de los motivos de la partida del Che desde Cuba hacia Bolivia, consiste en lo fundamental en filmaciones hechas en lugares mencionados en páginas del diario que Guevara llevaba y que se ha convertido en un documento de culto de los movimientos libertarios del mundo entero

Octubre 23
El sacrificio

El documental permite una reinterpretación de hechos históricos de relevancia internacional” y parece difícil no coincidir con ese fallo. A partir de una minuciosa y compleja investigación, que llevó a los realizadores a entrevistar protagonistas y testigos clave en puntos tan distantes como La Paz, Miami, París y Malmö, Sacrificio descorre el pesado telón con el que hasta ahora había estado prácticamente oculta la historia de Bustos. De hecho, en el capítulo final de su monumental biografía Che, una vida revolucionaria (1997), el historiador norteamericano Jon Lee Anderson –a diferencia de los trabajos del mexicano Jorge G. Castañeda y el francés Pierre Kalfon– ya había redimido a Bustos de su papel de Judas, pero ahora este documental producido por la televisión sueca se concentra exclusivamente en develar la verdad de aquellos días de 1967 que determinaron la captura y la ejecución del Che.
Octubre 30
CHE EL ARGENTINO
Director: Steven Sodherberg
Con Benicio del Toro

“Para el Che la revolución estaba relacionada con lo militar pero también con lo ideológico y lo sentimental. Quería derrotar por las armas pero también ganar los corazones”. Así define el director a su impresionante película filmada con alto presupuesto pero con estilo independiente.

LUGAR:
RESTAURANTE EL PESCADOR
Calle 9 # 4 – 27 telf. 8894055 Cali- Colombia
Cels. 3188287791 – 3147224720 - 3006388099

Contribucion al proyecto: $3.000 ( tres mil pesitos)
7: 00 p.m

Película El Doctor Alemán: Achtung Parceros !!!

2009-09-26T10:35:00.000-07:00

Siloé es barrio loma, ubicado al oeste de Cali. Una especie de pesebre permanente, que culmina, como no, allá donde brilla una Estrella. Un buen día llega un médico alemán a trabajar al hospital universitario del Valle. Un hospital de guerra, prácticamente, donde los pasillos son improvisados quirófanos. Como el alemán mantiene aburrido en la tierra de Günther Grass decide realizar una pasantía en la tierra de Andrés Caicedo.

Una puesta en escena bastante sobria y correcta nos prepara para el choque cultural tipo Joseph Conrad. Digamos que se inicia como un viaje al corazón de las tinieblas. Un viaje no siempre placentero porque puede resultar que nuestro héroe termine enfrentado a una realidad tanto desconocida como agresiva.
Siempre será interesante la mirada que, de nuestra realidad, realizan los artistas extranjeros. Ellos suelen ver cosas que nuestra cotidianidad nos esconde. Estar inmerso en un conflicto nos ha hecho perder la capacidad de asombro. Por ello, mirar un noticiero en Colombia puede producir el efecto anestesia.
Pues bien, un director foráneo puede tener múltiples miradas sobre nuestro acontecer:
1. La mirada compasiva y miserable tipo Schwarzenegger
2. La mirada pseudo-antropológica y primitivista tipo “Dos bribones tras la esmeralda”
3. La mirada crítica a nuestra historia tipo “Cobra verde “ de Herzog
El director Tom Schreiber mete a su personaje en las entrañas de la pequeña delincuencia colombiana.. Y al hombre le patina el coco. Y no vamos a hablar aquí de la mala imagen y que ayyy nos estigmatizan. La verdad es que en Colombia existe un conflicto cuyas raíces son cada vez más sólidas bajo el amparo de la injusticia social.
La famosa estigmatización por la que gruñe siempre la gente no es más que el afán por meter la basura debajo de la alfombra. Cuando Scorsese, por poner un ejemplo, hace una película sobre la mafia neoyorkina no quiere plantear que todos los gringos sean mafiosos. Eso sería un juicio de generalización incompleta que no cabe en ningún análisis.
No nos equivoquemos: a cualquier película se le exige que esté bien contada y que, sin importar el origen del director, se realice un planteamiento honesto y humano.
Ajá…El Doctor Alemán no es una película honesta y tampoco es humana. La honestidad de una película pasa por un asunto de sensibilidad del artista. No consiste solo en armar el combo de malos y los justicieros buenos. Y la humanidad de una cinta es la manera como los personajes entran en conflicto con sus matices, carencias, fobias y aberraciones.
La fatalidad, si es que el realizador pretende un alegato en torno a esto, no es un asunto del destino. La fatalidad de nuestra realidad está marcada por unas limitaciones objetivas y a la vista. Pero Tom Schreiber no las ve. A él le parece mejor que el galeno alemán venga en una versión reencauchada de Charles Bronson a matar escoria humana. Gente por la que ya nada se puede hacer. Incivilizados, digamos, cuyo único lenguaje es la bala.
Dentro de 50 años, cuando algún chico cine clubista quiera mirar cómo fueron estos tiempos fascistas nada mejor que programar el Dr. Alemán y darse un banquete de limpieza social, de cómo librar a la sociedad de la basura. Así la metamos debajo de una alfombra alemana.
Al doctor Alemán le caen de perlas las palabras de Gabo al recibir el Nobel:
“Tal vez la Europa venerable sería más comprensiva si tratara de vernos en su propio pasado. Si recordara que Londres necesitó 300 años para construir su primera muralla y otros 300 para tener un obispo, que Roma se debatió en las tinieblas de incertidumbre durante 20 siglos antes de que un rey etrusco la implantara en la historia, y que aún en el siglo XVI los pacíficos suizos de hoy, que nos deleitan con sus quesos mansos y sus relojes impávidos, ensangrentaron a Europa con soldados de fortuna. Aún en el apogeo del Renacimiento, 12 mil lansquenetes a sueldo de los ejércitos imperiales saquearon y devastaron a Roma, y pasaron a cuchillo a ocho mil de sus habitantes.”

La literatura y el cine dieron inicio al FestiArte de Cali

2009-09-19T09:12:00.000-07:00

Con la notable ausencia de Víctor Gaviria, se inició el FestiArte con el conversatorio “Cine y Literatura” en la Biblioteca Departamental. Poncho Ospina, Roberto Rubiano y Carlos Moreno contaron sus experiencias al respecto pero quedó flotando la sensación de un debate estéril. Digamos que el intercambio de ideas entre artistas siempre será bienvenido pero en el caso del cine y la literatura en estos tiempos de extrema fusión donde los escritores se mueven con solvencia en cualquier área, donde los cineastas escriben y graban video clips...
Existe además un hecho adicional: hoy manda la fragmentación del conocimiento y la lectura total ha ido desapareciendo. Hoy es muy difícil que un estudiante se lea un texto integro. Lo encuentra descuartizado en Google o citado en una fotocopia. De manera que esta fragmentación es la que manda a la hora de rendir cuentas en un trabajo o monografía. En el siglo XIX, por ejemplo no sucedía esto pues no existía el audiovisual y la novela mandaba la parada.
Hoy todo producto artístico es una reescritura por eso el concepto de adaptación prácticamente no existe. Que es El Quijote sino la reescritura de la novelas de Caballería?
Que el cine le robó a la literatura la estructura narrativa en los tiempos de Griffith es un hecho histórico que recordó Poncho Ospina. Que “Perro come perro” nació como un proyecto de novela pero que luego derivó en largometraje lo confesó Carlos Moreno.
De todas maneras, bien por el FestiArte y esperamos al maestro Eliseo Subiela que llegará, mirando al sudeste, la próxima semana.

La tetas si importan: Cine dirigido por mujeres

2009-03-03T06:14:00.000-08:00

Usualmente se acusa a los directores de desnudar más a las actrices que a los actores, a lo que Isabel Coixet suele contestar: “Aunque las feministas lo critiquen, las tetas importan y mucho”

Existe alguna diferencia si una obra artística es realizada por un hombre o por una mujer? “Es un debate vacío, existe buen cine y mal cine- aclara una directora colombiana- lo demás es separación de géneros y no más”.
Hay directoras como Mimi Leder que filman cine de acción, género reservado a los machos. Así como hay directores como Rodrigo García conocedores a fondo del universo femenino.
Pero, definitivamente el cine es un arte machista. Una lista de las directoras actualmente en ejercicio es bastante corta. Uno piensa por ejemplo en Leni Riesfensthalt ( la alemana que renovó el documental en los años 40), o en Agnés Varda ( la francesa que continúa aferrada a su cámara) y constituyen mas una excepción.
Para realizar una mirada a la sensibilidad femenina cuando se ponen tras la cámara va durante el mes de Marzo un ciclo de cine dedicado a las mujeres que gritan: Acción!

MUJERES EN DIRECCION
MARTES PIZZA AL PASO- CALI
7:30 p.m. ( Calle 18N # 9N-29) Teléfono 6836974.
MARZO

3
LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS (2005)
Directora: Isabel Coixet ( España)
Con: Sarah Polley, Tim Robbins
Un lugar aislado en medio del mar: Una plataforma petrolífera, donde sólo trabajan hombres, en la que ha ocurrido un accidente. Una mujer solitaria y misteriosa que intenta olvidar su pasado (Sarah Polley) es llevada a la plataforma para que cuide de un hombre (Tim Robbins) que se ha quedado ciego temporalmente. Entre ellos va creciendo una extraña intimidad, un vínculo..

10
AGUA (2005)
Deepa Metha ( India)
El reparto coral de mujeres en la casa de viudas es excepcional: intimistas, dolidas, heridas, envidiosas, corruptas, tiernas, duras. El fluido lirismo de la cámara contrasta extrañamente con las áridas dificultades de las vidas de los personajes.

17
GRBAVICA (2006)
Jasmila Zbanic(Sarajevo)
Esma es la madre de Sara, una niña de doce años. Viven en el barrio Grbavica de Sarajevo donde la vida todavía no ha vuelto a la normalidad después de la Guerra de los Balcanes.

24
VIRGENES SUICIDAS (1999)
Sofia Coppola (USA)
Con: James Woods
En un tranquilo barrio de una ciudad de Estados Unidos vive la familia Lisbon, dos autoritarios y rectos padres con cinco hermosas hijas que provocan los deseos de todos los chicos de la zona. Sin embargo toda la inocencia, belleza y armonía del lugar estalla en pedazos…

31
A MI MADRE LE GUSTAN LAS MUJERES (2002)
Directora: Inés París ( España)
Elvira (Leonor Watling), una chica de veintitantos años, tan guapa como insegura, coincide con sus hermanas, Jimena (María Pujalte) y Sol (Silvia Abascal) en casa de su madre, Sofía (Rosa Mª Sardá), una célebre pianista separada del padre de sus hijas hace años. La madre aprovecha la celebración de su cumpleaños para dar a sus hijas una gran noticia: se ha vuelto a enamorar

CICLO DE CHARLAS EN PROMEDICO

2009-02-21T05:53:00.000-08:00

CICLO DE CHARLAS EN EL AUDITORIO PROMEDICO

DIRECTORES INTOCABLES Y GENEROS MARAVILLOSOS

Febrero 23
EL CINE EN EL CINE Y LA GENIALIDAD DE BILLY WILDER
Película: SUNSET BOULEVARD (1950)
Director: Billy Wilder

Marzo 2
LA CENICIENTA EL CUENTO MAS FAMOSO DE LA HISTORIA
Película: La condesa Descalza (1954)
Con: Ava Gardner/ Humprey Bogart

Marzo 9
EL CINE NEGRO: EL DECANO DE LOS GENEROS.
Película: SED DE MAL ( 1958)
Director: Orson Welles

Marzo 16
EN BUSQUEDA DE LA PELICULA DE ESTA DECADA
Película: Rio Místico (2003 )
Director: Clint Eastwood
Con: Sean Penn

LUNES DE LA CULTURA EN PROMEDICO-CALI

Avenida 6AN # 22N-54 tEL 660 44 00

7:00 p.m ENTRADA GRATUITA

Sala de cine en Pizza al Paso

2009-02-15T20:23:00.000-08:00

Una nueva cueva de cinéfilos se inaugura por estos dias en Cali. Se trata de Cine al Paso ubicada en la sede del barrio Granada de PIZZA AL PASO ( Calle 18N # 9N-29) Teléfono 6836974.
La coordinación y programacion correrá por cuenta de VENTANA INDISCRETA todos los martes a las 7:30 p.m.
Este Martes 17 de Febrero iniciamos con el documental LA PANTERA Y LA ESPADA: EL CASO JHONNY SILVA.(2008)
EL siguiente martes 24 de Febrero se proyectará YO SOY OTRO tambien se contará con la presencia del director Oscar Campo

UN FESTIVAL DE CINE EN CALI

2009-02-01T06:48:00.000-08:00

Por fin en Cali, una administración sensata está dispuesta a realizar un festival de cine con todos los hierros. Ya existe la voluntad y la plata. Cuál sería el camino a seguir? Qué tipo de festival sería el más adecuado para la ciudad?
La gente que va al cine es de estrato 4 hacia arriba. Y la calidad de la cartelera comercial, grave. La crítica de cine en los periódicos y canales locales de televisión no existe desde hace varios lustros.
Realizar un Festival implica formar espectadores que estén dispuestos a asistir. Implica también vincular nuevas formas de exhibición pues, en nuestro tiempo, el rito social de ir al cine desapareció. Las ciudades se han transformado y ya la gente no va al cine, el cine va a la gente. Puede ser que el consumo de imágenes hoy sea superior que hace treinta años cuando aún no había aparecido el video. Sólo que ese consumo se ha diversificado. Hoy las imágenes nos asaltan en los lugares más insospechados.
Si miramos la trayectoria del Festival de Cine más viejo de Colombia (Cartagena lleva casi 50 años en escena), resulta que no ha generado ninguna propuesta cinematográfica, no ha formado una escuela cinematográfica. Ni siquiera existe un realizador cartagenero para mostrar en todos estos años.
Cali, en cambio, sin haber realizado Festival alguno, tiene una identidad cinematográfica reconocida a nivel latinoamericano. Ese es el valor agregado con el que cuenta la gente de la organización. Aprovechar esta historia es la clave para vender el Festival.
De ahí que el Festival debe tener un componente comunitario, acercarlo al margen, trastearlo al barrio. Debe también invitar a una reflexión crítica acerca de la crítica de cine. En Cali se ha dado un fenómeno extraño: la proliferación de realizadores es inversamente proporcional a la calidad de la crítica que se escribe.
Por lo pronto, existe el planteamiento de arrancar hacia final de año con un encuentro entre la Ficción y la No Ficción. Enhorabuena. Y digamos como el finado Carlitos Mayolo:
“Cine o muerte: Filmaremos!!!”

NOMINADOS A LOS ANTI-OSCAR ( PREMIOS RAZZIES)

2009-01-24T06:51:00.000-08:00

La fundación Golden Raspberry Award, entidad que se enorgullece de llevar “29 años deshonrando lo peor de Hollywood”, anunció ayer las nominaciones a los premios Razzies a lo peor de la cinematografía.
La película que recibió la mayor cantidad de nominaciones fue disaster movie –Película de desastre- con seis a: peor película, peor actriz secundaria en dos ocasiones, peor copia descarada, director y guión.
Le pisa los talones con cinco nominaciones The Hottie and Nottie . Tambien van con cinco En el nombre del Rey , El gurú del Amor y 300 Espartanos .
Cierra el lote puntero con cuatro nominaciones El fin de los tiempos (película, actor, director y guión).
La grata revelación de este año la constituye la coronación del director alemán Uwe Boll con el premio a la peor carrera. Según el exigente jurado, este director es el equivalente a Ed Wood en Alemania. Como quien dice, un hombre para tener en cuenta en adelante. En Colombia hemos tenido el privilegio videar algunas joyas de su colección: Sólo en la oscuridad, BloodRayne y En el nombre del Rey.
Los premios de esta edición, la número 29, se entregarán el 21 de febrero, por tradición, un día antes de la gala de los Óscar, en el elegante Barnsdall Teatro de Galería de Los Ángeles.
A Continuación, va la lista completa de las categorías y los nominados:
PEOR PELICULA:

Película de desastre y 300 espartanos (Dos películas y un solo estúpido concepto)
El fin de los tiempos
The Hottie and The Nottie
En el nombre del rey
El Gurú del amor

PEOR ACTOR
Larry the Cable Guy por WITLESS PROTECTION
Eddie Murphy por MEET DAVE
Mike Myers por THE LOVE GURU
Al Pacino por 88 MINUToS y asesinato justo
Mark Wahlberg por el fin de los tiempos y MAX PAYNE

PEOR ACTRIZ
Jessica Alba por THE EYE y THE LOVE GURU
El elenco de THE WOMEN (Annette Bening, Eva Mendes, Debra Messing, Jada Pinkett-Smith y Meg Ryan)
Cameron Diaz por WHAT HAPPENS IN VEGAS
Paris Hilton por THE HOTTIE AND THE NOTTIE
Kate Hudson por FOOLS’ GOLD y MY BEST FRIEND’S GIRL

PEOR ACTOR SECUNDARIO
Uwe Boll (as Himself) por Uwe Boll’s POSTAL
Pierce Brosnan por MAMMA MIA!
Ben Kingsley por THE LOVE GURU, WAR, INC. y
THE WACKNESS
Burt Reynolds DEAL y IN THE NAME OF THE KING
Verne Troyer por THE LOVE GURU y Uwe Boll’s POSTAL

PEOR ACTRIZ SECUNDARIA
Carmen Electra por DISASTER MOVIE y MEET THE SPARTANS
Paris Hilton por REPO: THE GENETIC OPERA
Kim Kardashian por DISASTER MOVIE
Jenny McCarthy por WITLESS PROTECTION
Leelee Sobieski por 88 MINUTES y IN THE NAME OF THE KING

PEOR PAREJA
Uwe Boll & ANY Actor( Camarografo y guionista)Cameron Diaz & Ashton Kutcher por WHAT HAPPENS IN VEGAS
Paris Hilton y Christine Lakin oJoel David Moore por HOTTIE & THE NOTTIE Larry the Cable Guy & Jenny McCarthy por WITLESS PROTECTION
Eddie Murphy IN Eddie Murphy MEET DAVE

Peor Precuela, Remake, Copia descarada o Secuela
El Día que la tierra se detuvo
Disaster Movie y Meet The Spartans
Indiana Jones and The Kingdom of The Crystal Skull
Speed Racer
Star Wars: The Clone Wars

Peor director
Uwe Boll
In The Name Of The King y Postal
Jason Friedberg & Aaron Seltzer por DISASTER MOVIE
Y MEET THE SPARTANS
Tom Putnam por THE HOTTIE AND THE NOTTIE
Marco Schnabel por THE LOVE GURU
M. Night Shyamalan por el fin de los tiempos

Peor guión
Disaster Movie and Meet The Spartans
ESCRITO POR Jason Friedberg & Aaron Seltzer
El fin de los tiempos
ESCRITO POR By M. Night Shyamalan
The Hottie And The Nottie
ESCRITO POR Heidi Ferrer
In The Name Of The King
ESCRITO POR Doug Taylor
The Love Guru
ESCRITO POR Mike Myers & Graham Gordy

PEOR CARRERA
Uwe Boll
(Por ser el equivalente alemán de Ed Wood)